OSCAREANDO 2015

Leonardo 1, Stallone 0. Quizás sea el modo más simplista de resumir la gala que tuvo lugar ayer en Los Ángeles el día después de que en su homólogo de mundo bizarro, los razzies,50 sombras de Grey y la nueva vessión de los 4 Fantásticos arrasaran prácticamente con todo.
En una gala en la que si bien Mad Max. Furia en la carretera hizo casi pleno en las categorías técnicas a las que estaba nominada (con la excepción de efecrtos especiales, que fue a caer en Ex machina , y que nos dejó a casi todos con cara de sorpresa, y fotografía, que  fue para la multinominada cinta de Iñárritu, y que es una de las mejores señas de la misma) la gran triunfadora fue en el momento en que El renacido, la más nominada, parecía acariciar su galardón, Spotlight, la valiente y controvertida película que ya se había alzado justo al principio de la noche con el correspondiente al mejor guión original.

 Y así entre los dos (únicos) premios para la muy recomendable Spotlight la cosa estuvo  premios para casi todas aquellas películas que tenían más nominaciones, con las excepciones de Carol, The martian y Brooklyn, con mejor actriz de reparto para Alicia Vikander por La chica danesa, principal para Brie larson por La habitación, Mark Rylance por El puente de los espías (y que se fundió en un entrañable abrazo con su director antes de recogerlo) o guión adaptado para La gran apuesta, y tres para El renacido, que además de los mencionados se llevó el correspondiente al mejor director, por segundo año consecutivo para Iñárritu.
Pocas sorpresas en música con el premio para Ennio Morricone, que lo agradeció con un emotivo discurso que era traducido simultáneamente del italiano, pero sí en la de canción original, una categoía cuyas nominadas (incomprensiblemente) no se interpretaron todas en la gala, pero que, ante la estupefacción (bien llevada) de la tanbién nominada Lady Gaga (cuyo número era uno de los más esperados de la noche) se llevó la cinta Bond de este año, Spectre, en una categoría en la que la saga llevaba años sin estar nominada y cuyo intérprete fue el único de los tres cantantes que lo hizo en solitario (con un curioso contoneo eso sí) y que luego supo agradecer con una reivindicativa y emotiva dedicatoria para el colectivo de gays, lesbianas, transexuales y bisexuales.
Más esperados en las quinielas los premios a mejor películas de animación (Del revés), documental (Amy) y película de habla no inglesa (El hijo de Saúl), pero la verdad que hubo para casi todos, hasta para el oso...y no precisamente el de El renacido, sino el corto de animación chileno Bear story

¿Y en cuanto a la gala? Tras un bien ejecutado montaje de inicio con escenas de las películas nominadas la sesión la abrió Chris Rock, no precisamente un novato en estas lides y ataviado con un smoking con chaqueta blanca (al estilo Bond...o tal vez en homenaje a Garci) al que la tan cacareada polémica en torno al presunto racismo de los premios (la verdad yo sí eché en falta como nominado al excelente Samuel L. Jackson de Los odiosos 8) parecía haberle venido como miel sobre hojuelas a la hota de enfocar su intervención, metiéndose directamente en una harina de la que no saldría en toda la noche (con la excepción más forzada parte relativa a la venta de galletitas que vendían sus hijas y otras niñas amigas suyas, todas girl scouts) y de la que supo salir airoso incluso con los chascarrillos más fuertes (el relativo al in memoriam...más de uno no sabía si aplaudir o qué), y entre los que destacaron el montaje en torno a las nominadas con presencia de afroamericanos (con una Whoopi Goldberg fregona en ristre). No sería el único ya que Sacha Baron Cohen recuperó a su Ali G.para hacer un par de coñas, pero quizás lol mejor gag, y ya lejos de polçemicas, fuese el pequeño desvío de la cámara para revelar a un oso aplaudiendo sentadito en la butaca...la sombra de El renacido es alargada
Pero fuera del tema que lo bañó todo quedaron momentos divertidos, como la intevención de los minions (que no estaban ni nominados este año), entrañables (la intervención de Buzz y Woody, de Toy story en su vigésimo aniversario (y cuyo premio iría por supuesto a Pixar con su magnífica Del revés) nostálgicos (la aparición de los robots clásicos de Star Wars, al que se sumó el nuevo BB8 (lo más destacable la emocionada cara del pequeño protagonista de La habitación, un descubrimiento que debería al menos haber sido nominado) y clásicos como el in memoriam, con alguna llamativa selección de imágenes (en el caso de David Bowie uno correspondiente a...Zoolander)
Una gala como siempre con sus momentos, aunque no particularmente destacable por ninguno concreto (no se´como han conseguido que echemos de menos al señor Cristal)...aunque eso sí, posiblemente lograrán hacer que la veamos el año que viene, en la que tal vez las cosas sean muy distintas, quien sabe...¡Mucha suerte, ya solo queda un añito!

SUPERLOCURA

Cuando ya hace casi 20 años, que se dice pronto, Blade llegó a nuestras pantallas hacer una película sobre cualquier cosa parecida a un superhéroe, y más si este pertenecía a la casa Marvel, era una suerte de suicidio personal. Sí, Superman y Batman, hijos de DC, habían tenido sus momentos de gloria cinematográfica pero sus aventuras cada vez más surrealistas (superpoderes de reconstrucción de la muralla china y armaduras con pezones entre otros matice...y decían del batrepelente de tiburones...ay), habían minado un futuro para el resto de sus homólogos que ya parecía haber nacido muerto. Sin embargo esa chispita de la muy entretenida Blade creció y creció con cintas como las de X-men o el Spiderman de Raimi hasta la plena locura que es hoy, con los poderosos Vengadores a la cabeza, llegando a la gran pantalla héroes con los que jamás soñamos en este medio (sí tal vez en alguna produccion Corman) y por eso, tras un cambio radical desde su paso por la saga de Lobezno que lo acerca por fin al personaje original llega Masacre...sí, hoy toca hablar de Deadpool.

 Wade Wilson es un mordaz y alocado exagente de fuerzas especiales que ahora vende sus servicios al mejor postor. Feliz con su particular modo de vida y su relación con su novia, la única que parece comprenderle de verdad una enfermedad terminal hace que acepte la oferta de un extraño hombre someterse a un doloroso proceso experimental que le devolvería la salud y tras el que comenzaría a trabajar para él. Sin embargo pronto descubrirá los oscuros intereses detrás de los experimentos y cuando comience a sufrir las horribles secuelas decidirá escapar y vengarse.
Quizás la más loca producción de la factoría Marvel hasta el momento (de tal modo que la todavía reciente Ant-man por comparación parezca una tragedia) Deadpool es desde su primer segundo una comedia gamberra monopolizada por su deslenguado protagonista, un Ryan Reynolds que vuelve al universo superheroico tras su cuestionable paso por Green lantern (asunto sobre el que se permite hacer un par de buenas coñas) y que nos cuenta en primera persona (atravesando en numerosas ocasiones la cuarta pared ante el asombro de sus propios compañeros de película) como se convirtió en lo que es y que le llevó a maquinar su sangrrienta venganza.
De un humor negrísimo que, si nos ponemos en materia cromática, lidia con el verde y por supuesto el marrón la película tiene desde su primer momento muy clara su identidad de comedia pura dura y dura en pleno universo Marvel, sin que falten el sempiterno cameo de Stal Lee, la presencia de otros personajes de la casa (un Coloso reducido a pura caricatura de sí mismo, curioso acento ruso incluído, y su becaria) y un buen puñado de chistes cuyo saco de boxeo particular es el Lobezno de Jackman (es más, en un momento en que no se pronuncia su nombre pero queda más que claro de quien hablmos se refiere a él como "el australiano"...y es que el Lobezno de los cómics como sabemos cualquier friki de pro es canadiense), de tal modo que hasta los momentos más dramáticos (que los hay) son imposibles de tomárselos en serie.
Deadpool es una cinta con buenas escenas de acción, con un espectacular uso de la cámara en ocasiones  y por supuesto de los efectos espcciales(ahí están esos títulos de crédito del inicio que son de los mejorcito de la cinta) y algún chiste de antología que quizás capten más en su mayoría los seguidores marvelitas (desde que los Marvel zombies tienen su propia serie de cómics me cuesta llamarlos así) pero tiene el fallo de bulto, por llamarlo de algún modo, de que si el espectador no conecta desde el primer momento con la particular jocosidad de nuestro héroe (que no es que no sea gracioso, que en muchas ocasiones lo es, pero es que encima se lo cree, soltando chascarrillos a mayor velocidad que descarga su pistola) es posible que no disfrute de la película y que esta, a pesar de un buen sentido del ritmo, pueda hacérsele hasta pesada (claro que si sabes a lo que vas, pa qué te metes), al no variar su tono, a pesar de las posibilidades dramáticas, durante el grueso de su metraje, en lo que es una introducción a los orígenes (poca profundidad hay fuera del largo y fragmentado flashback) del personaje.

 

Para superfans y completistas, las aventuras de un superhéroe no para todos los públicos que hace de los sarcásticos comentarios de Tony Stark meras puyas de colegio. Y por favor, quédense hasta el final qeu trae sorpresita.

DECÍAMOS AYER

Si nos ponemos profundos, y eso es algo que no debe hacerse más de una vez a la semana, hay pocos temas abstractos que den tanto juego en el cine como es la memoria. Gran recurso para jugar con el espectador nos ha dado para buenos thrillers (Memento), dramedias (¡Olvídate de mí!), acción (Desafío total) y hasta para alguan entrañable cinta de dibujos animados (Buscando a Nemo). La última adquisición para la lista nos llega de Canadá y su nombre...er....aah...¡ah sí! Remember

 El anciano Zev acaba de perder a su esposa, Ruth. Con demencia senil, cada vez que despierta se encuentra desorientado y le cuesta recordar que ella ha muerto. Pero debe superarlo para cumplir una promesa que le hizo a ella, a su amigo Ma, confinado en una silla de ruedas, y a sí mismo: matar, tras la muerte de su mujer, al jefe nazi que acabó co las vidas de sus familias en Auswitchz y del que solo tiene una pista:el nombre bajo el que entró en Estados Unidos haciéndose pasar por prisionero. Y con ese nombre viven cuatro ancianos en Norteamérica. Zev, con la ayuda de Max, que le ha escrito una carta para que recuerde toda la verdad cada vez que sea necesario, abandonará su residencia para encontrarlo y lograr su venganza.
Con una premisa de esas que enganchan Remember nos lleva de la mano de la particular venganza de un frágil anciano cuyo pasado sigue mortificándole a pesar del paso de los años, y más comprensiblemente si este está relacionado con una tragedia de tal magnitud como el holocausto (al que sin embargo solo se hacen referencias verbales).
Con un protagonista tan entrañable como carismático encarnado por un Christopher Plummer que sabe dar lo mejor de sí en un personaje que lleva todo el peso de la trama la película, sabiendo transmitirnos la angustia de un hombre que no solo debe realizar una difícil misión sino la angustia de un hombre al que en mushas ocasiones hasta le cuesta saber quien es, también nos regala la labor de un gran plantel de secundarios, que saben dotar de credibilidad una historia a la que, por lo llamativo de su propuesta, le resiltaría fácil perder parte, si no de su gancho, de su crdibilidad, y lo saben hacercon una galería de personajes humanos tanto en su bondad como en su maldad que encarnan las distintas reacciones del ser humano frenre al holocausto, de la vístima al verdugo pasando por el que pretende mirar hacia otro lado (o el que nos dará más sorpresas en esta historia, el del hijo de uno de los sospechosos).
Pero quizás uno de sus puntos fuertes sea el excelente sentifo del ritmo del que hace gala, sabiendo crear una tensión en los momentos oportunos que va desde un clima latente (la escena de la salida de la tienda de ropa) hasta la auténtica amenaza (el ataque del perro), jugando con unas (someras) elipsis que se revelarán fundamentales en el sorprendente desenlace de la película (que aquí no revelaremos), un momento que reunirá al protagonista con más de un personaje inesperado y que nos dará una nueva visión de todo la cinta.
Remember es una propuesta original, una visión quizás más ligera, con matices (el asunto de la venganza se vuelve en muchos momentos en una mera excusa para hablarnos de otros temas como el paso del tiempo y la pérdida del pasado..ahí estás ese poético plano de Zev tratando de acariciar una cascada decorativa) en su planteamiento que otras películas que este año nos han acercado al drama de la Segunda Guerra Mundial con una crudeza mucho mayor ( como la muy recomentdable El hijo de Saúl), pero sabe constituirse en un eficaz thriller que mantiene el interés del espectador en todo momento y que sabe arrastrarnos emocionalmente hasta su misma conclusión.

Con una trama que sabe atraparnos y un gran trabajo de actores Remember se estrena el 4 de marzo en nuestras pantallas.

ROMANCE DE NAVIDAD

Los amores reñidos son los más queridos, y pocas frases se adaptan a esa realidad más o menos incómoda que es el cine romántico, un subgénero que parece pivotar únicamente entre la comedia y el dramón morrocotudo, y a lo que francamente ha contribuído un elemento sin el que el mismo parece no poder subsistir: el de las parejas desparejadas, tándems tan distintos que cuesta creer que no se vaya una rueda por cada lado nada más conocerso...el último nos llega con la nominada a los óscars Carol.

 Therese, una joven dependienta a punto de casarse que aspira a triunfar como fotógrafa, y Carol, una elegante y adinerada mujer madura en pleno proceso de divorcio, se conocen en unos grandes almacenes cuando la segunda busca un regalo para su hija. Poco a poco nacerá una amistad que irá convirtiéndose en algo más, pero las cosas se tuercen cuando el futuro exmarido de Carol empieza a plantearse solicitar la custodia única de la niña basándose en las relaciones de esta con otras mujeres.
Basada en el libro El precio de la sal de Patricia Highsmith la película nos cuenta la historia de dos mujeres que en un encuentro casual empiezan a sentirse fascinadas la una por la otra en un momento tan difícil para las mujeres en general ( tanto novio como esposo se comportan como auténticos controladores...es más en una determinada escena el segundo habla de Carol como "su responsabilidad")  como para el amor lésbico en particular como son los años 50.
Regalándonos durante la totalidad de la película una exquisita puesta en escena, con un cuidado vestuario y dirección artística, que nos sumergen inmediatamente en esos años, y que ayudan a convertir casi cada plano en una auténtica postal (en muchos momentos casi podríamos hablar de una felicitación de Navidad), y de las que las fotos de Therese, cuyo trabajo empezaremos a conocer poco a poco, son prácticamente una ampliación con su delicioso blanco y negro, Carol es una cinta elegante, con un romanticismo suave y emocionante, carente de las estridencias que podríamos haber previsto en una historia que cuenta con abundantes elementos de drama, sutil y delicado incluso en las escenas de sexo (y no estamos hablando precisamente de elipsis), y que desenadenará en un desenlace (que aquí no desvelaremos) que conectará con la primera escena de la película más ambiguo de lo que ha supuesto el resto del metraje.
Con una escelente pareja de actrices como cabeza de cartel, que saben expresar con gran naturalidad los sentimientos de sus personajes, con  unas dudas y conflictos que poco a poco las unirán más (la presión del novio de Therese para casarse, la del marido de Carol para que vuelva con él, usando como arma lo que esta más quiere en el mundo, una niña que apenas sabe comprender lo que está pasando), y que además saben crear una presencia de esas que hipnotizan a la cámara (especialmente una Cate Blanchett casi capaz de hipnotizar con la mirada a una Therese que jamá se ha planteado enamorarse de otra mujer), la trama es todo un bombón para un elenco de actores y actrices que saben revelarse tanto contenidos como desgarrados, y que saben dotar de realismo el que casi es un cuentro romántico de Navidad, con sus dolorosos fantasmas incluídos.

Hermosa historia de amor entre dos mujeres, Carol es de esas películas capaz tanto de satisfacer a los aficionados al género como a aquellos a los que simplemente nos gusta el buen cine.

MARCHANDO UNA DE ROMANOS

No sé como me las arreglo, pero últimamente siempre que surge el tema del "cine dentro del cine" acabamos inmersos en una espiral de hemoglobina y terror...no, en absoluto estoy renegando del cine fantático que tanto me entusiasma paro en su cajoncito correspondiente siempre residirá ess subgénero dedicado al Hollywood dorado y sus eternos tejemanejes y que nos ha hecho disfrutar con cintas como The artist, Cantando bajo la lluvia, El guateque o la que quizás sea mi favorita, El crepúsculo de los dioses. Y la última dosis nos llega con unas gotitas de humor negro...y su nombre ¡Ave., César!

Eddie Mannix trabaja en la fábrica de los sueños, Hollywood, pero para él más bien es la fábrica de las pesadillas. Sin apenas tiempo para su vida privada Eddie es el "mediador" de Capital Pictures, un gran estudio, de controlar que ninguna estrella se desmande, la prensa no saque ningún trapo sucio y todo salga como tiens que salir pero, mientras se plantea dejar este absorbente trabajo por otro más tranquilo todo parece descontrolarse: una de sus principales estrellas se queda embarazada estando soltera, uno de sus galanes no parece encajar en su nuevo papel y , para coronarlo todo, el protagoista de la película más prestigiosa del estudio es secuestrada.
Nueva vuelta de los hermanos Coen a la comedia alocada ¡Ave, César! es una revisión en clave de humor del mundillo tras los deslumbrantes astros de la gran pantalla de los años 50.
Partiendo de algunos de los géneros más populares (musical, peplum, western...) y con un reparto coral de auténtico lujo, la mayoría ya rostros habituales en la cinematografía de los Coen, la cinta se permite tanto un lujoso homenaje al cine de la época a través de películas muy concretas (el musical protagnizado por marineros debidamente uniformados, el cine de coreografías acuáticas, el wesern con ínfulas acrobáticas y cantarinas, y por supuesto ese Ben-Hur versión 2.0 que es la película dentro de la película ¡Ave, César!, al que por no faltar no falta ni la coletilla "a tale of the Christ") como todo una serie de referencias a los aspectos más turbios de la meca del cine, desde los líos de faldas a una más que chusca visión de la caza de brujas que durante años dominó Hollywood.
Con gags tanto visuales (la escena de la copa llena de narcótico) como hilarantes diálogos que a pesar de estirarse generan todavía más risas (la ecunémica reunión en torno a la visión de Dios en la película) la película nos devuelve a un brutal ritmo de carcajadas a ese cine de secuestros que tanto parece obsesionar a nuestro querido equipo de hermanos (de Fargo a El gran Lebowski), solo que quizás esta vez revelando más rápidamente que se ocuta tras el extraño rapto de que es objerto el personaje de Clooney, con una trama quizás un poco más intrascendente de lo que los Coen nos tienen acostumbrados (a pesar de toda esta subtrama en torno a los intereses políticos de las estreas y trabajadores de Hollywood que darían más para un drama que para una citna tan loca como esta y que aquí se salda con una espectacular escen que se inicia casi como un sosias del paso del Delaware y se remata con un bizarro ex machina):
¡Ave, César! es una película que a pesar de la diversidad de sus tramas, todas hiladas a traves del personaje de Eddie Mannix, consigue crear una sensación de divertido conjunto, con chistes clásicos que se revelan eficaces gracias al buen trabajo de actores (la discusión con intensidad creciente entrre director y una estrella a la que le cuesta dejar de ser un vaquero) y que nos hace pasar un buen rato gracias a una película que en otras manos podría habernos dejado una sensación de incoherencia de la que aquí sin embargo nos arrancan las crecientes carcajadas.

Delirante y surrealista ¡Ave. César! es una película casi anecdótica que nos deja algunos de los momentos más divertidos de la cinematografía de los Coen, tanto para fans como para no fans.

DE DIRECTOR A DIRECTOR

Sacar una película de un libro...parece lo más corriente del nundo. Novelas, cuentos, biografías y obras de teatro han dado de sobra para crear un buen número de cintas, hasta las más increíbles (ahi está la reciente El renacido, basada en parte de la autobiografía de su protagonista...ahí es nada). ¿y que pasa con los ensayos? ¿Con las entrevistas? El asunto parece un pelín más peliagudo y más si este versa sobre cine, en cuyo caso parece que cerramos el círculo...y queda aún más redondo si el resultado es un documental como Hitchcock/Truffaut.

 Tras una larguísima entrevista de varios días el joven director y reportero de la célebre Cahiers du cinema François Truffaut publicó el volumen El cine según Hitchcock (1966), que se convertiría en un clásico para los amantes del séptimo arte. Esta es una crónica de como de su realización y de como influyó a directores de todo el globo.
Tras unos títulos de crédito en velado homenaje a los de Psicosis Hitchcock/Truffaut nos presenta la curiosa  historia de como un director todavía primerizo (apenas si llevaba tres películas aunque después su producción crecería espectacualrmente) dirigió una carta con admiración al que ya era el absoluto mago del suspense (y que rodaría solo 3 películas más antes de su muerte) y obtuvo una cuidada y amena entrevista que daría lugar aun libro imprescindible.
Con una cuidadísima documentación, que además de fragmentos de las películas de ambos incluye imágenes de la entrevista original así como grabaciones de la misma (con las traducciones de la intérprete incluidas...un auténtico lujo) así como algunas fotografías y escenas de la vida personal del propio Hitchcock. la película sabe acercarnos tanto al personaje como a la persona, un hombre que se introdujo poco a poco en el mundo del cine y que empezó a trabajar en pleno cine mudo, incluso con recursos de su propia invención (el empleo de suelo de cristal).
Pero si bien la cinta es un ameno y bien documentado acercamiento a la obra de Hitchcock en el que por supuesto no faltará e análisis de algunas de sus escenas más emblemáticas (el asesinato de Psicosis, La "resurrrección" de Novak en Vértigo, el incendio de Los pájaros...) lo que da verdadera sal a este documental son los testimonios de un buen número de directores de varias partes del globo, entre los que encontramos nombres tan célebres y de tan heterogénea producción como Wes Anderson, David Fincher, Kiyoshi Kurosawa  o el mismísimo Martin Scorsese. Serán ellos los que nos contarán con sus propias palabras como autores de generaciones muy distintas (reveladores los recuerdos de Scorsese sobre la obsesiójn por Vértigo de los cineastas de su juventud) han apreciado la obra de Hitchcock (el propio Kiyoshi Kurosawa contará como a pesar de su gran admiración uno de sus principios será no imitarlo de ningún modo) y muchos se han acercado a su obra a través de la mítica entrevista, un libr tan leído y releído que hasta había que ponerle una goma para que no se le cayesen las páginas.
Hitchcock/Truffaut es un documental fresco, de esos que saben complacer tanto a los amantes de la obra hitchcockina como a los que apenas si la conocen, que sabe divertirnos con sus anécdotas (ojo al símil entre la transformación de Kim Novak en Vértigo que se culmina con el recogido de pelo y la desnudez total o parcial) e incluso sus cortes (ese "pare la grabación), así como estimmular nuestro deseo de descubrir o recuperar alguna película del maestro inglés, un buen documenta sobre cine de esos que hacen que amemos el séptimo arte un poquito más...si eso es posoble.

Para los que disfrutaron del libro y los que no (si no lo habéis leído ¿a qué esperáis?) Hitchcock / Truffaut se estrena el 1 de abril en las pantallas españolas.

AQUELARRE PRIVADO

Hace unos años lo más parecido a un festival de cine fantástico en Madrid era la Muestra SyFy de cine fantástico, y digo lo más parecido porque, si bien siempre ha contado con un buen núnero de películas inéditas en la cartelera comercial (algunas de las cuales fuera de aquó o citas como Sitges jjamás podrán verse en la gran pantalla) que han sabido en su mayoría hacernos disfrutar y de otras acividades paralelas nunca ha tenido galardones y otros elementos propios de un festival al uso. Nuevos festivales han ido surgiendo pero esta ha sabido mantenerse, y desde sus comienzos, despuntando el 2000 (y algo) ha ido creando toda una comunidad de fans impenitentes, muchos de los cuales asistieron (asistimos) ayer a su presentación.

Con varios de sus clásicos, ya que ni faltó la presentadora Leticia Dolera ni la siempre recurrente rima con Canino (que ya cumple 7 añitos si no me fallan los cálculos...como pasa el tiempo) la sesión se abrió con la presentación del cartel de la 13ª Muestra SyFy (que todavía no tenemos muy claro que es, asunto que imagino se desentrañará cuando podamos ver el clásico trailer al que ya nos tienen acostumbrados...puede ser un planeta descomponiéndose o, tal como se oyó en el patio de butacas, una albóndiga) así como la confirmación de la proyección de las cintas la premiada The invitation, Absolutamente todo (del ex Monty Python Terry Jones) , la española Vulcania, el inusual western Bone Tomahawk y la nominada al Óscar El niño y el mundo, esta última dentro de una sección SyFy Kids que nos han prometido que este año vienen con muchas novedades.
Pero el plato fuerte de la velada era la muy esperada La bruja, la cinta que este año abrió Sitges con gran controversia y que hará que nunca vuelvas a ver con la misma cara la sección de la granja del zoo con sus cabritas enanas...a las pruebas me remito.

Siglo XVII, Nueva Inglaterra. Una familia formada por una matrimonio y sus cinco hijos abandonan su comunidad por desavenencias religiosas y se instala en un claro junto a un tenebroso bosque rico en leyendas. Las cosechas no prosperan y el hambre les amenaza pero nada parece quebrantar su fe hasta que el hijo menor, Samuel, un bebé sin bautizar, desaparece en extrañas circustancias. La tragedia hará aparecer la semilla de la desconfianza entre todos los miembros de la familia, y nuevos y sorprendentes hechos harán que esta crezca con fuerza.
Perturbador drama con elementos sobrenaturales esta película en torno a la brujería en el nuevo mundo, a la que ya nos han acercado todos las numerosas cintas dedicadas a las brujas de Salem y sus sosias, arranca precisamente en el momento en que muchas de estas concluyen, una suerte de juicio que dará pie a que la familia protagonista abandonen su acogedor hogar para instalarse en las hostiles proximidades de un misterioso bosque, en el que desde un primer momento nos dan a entender, si bien se permite ciertas dosis de ambigüedad, se realizan extraños ritos.
Con una cuidada puesta en escena, entre una dimensión siniestra de Milet y el Dreyer más sobrenatural (con matices), La bruja nos lleva hacia una suerte de apocalipsis no escrito de la mano de unos protagonistas que en un comienzo se obstinan en negar toda la serie de signos ominosos de los que son testigos (el polluelo del huevo, la sangre en vez de leche...) en un ambiente en el que ni las buenas acciones tienen recompensa (la mentira piadosa del manzano acaba cobrnado vida en el interior de su emisor,,,de una manera que aquí no desvelaremos) y hasta la maldad más inocente su castigo (las miradas del hijo mayo, todavía paenas un niño, a su hermana...pero es que quitando su madre en su ambiente no hay más mujeres), unos personajes aislados y atrapados en un peqeuño microcosmos que se niegan a abandonar y en el que, a pesar de las presencias visibles e invisibles que habitan el bosque (como ese conejo...sí, sí conejo, que pasará de presa casi a mensajero de la catástrofe), son sobre todo víctimas de sí mismos.
La bruja no es una película de terror al uso. Creando un continuo estado de tensión por el que es casi imposible no dejarse arrastrar y que nos remite a películas de calado muy distinto como La cinta blanca de Haneke, con un realismo casi atroz que nos hace sentir gran empatía por los personajes (la reacción de la hija mayor tras la muerte de uno de los personajes y la posterior acusación de brujería) a lo que sin dudan contribuye el gran trabajo de actores, la mayoría muy jóvenes, de la cinta y que ayudan a dar cuerpo a un terror rn comienzo irreal e incluso explicable (más de una vez intentan autoconvencerse de que el bebé se lo llevó un lobo).
No faltan escenas terroríficas (el descubrimiento de la cabaña entre los árboles y su en un principio sensual moradora), ni diálogos de esos que hacen que poco a poco el espectador sufra un escalofrío (la discusión entre hermanas de quien es la verdadera bruja) o elementos tan inquietantes como las cancioncillas de los gemelos (ah...que sería del género sin niños como estos) pero La bruja en muchos momentos crea más terror con los elementos naturales que con sus bien enfocados elementos sobrenaturales.
Hermosa y terrorífica visión de un mundo de la brujería más cercano al de Goya que a la, por otra parte, muy recomendable Lords of Salem esta película de época sabe sacarnos con buen tino de los juicios corales para llevarnos a un terreno más íntimo pero igualmente sórdido, y lo hace con originalidad y un cuidado fuera de lo común.

Cinta de terror atípica que nos da todo lo que esperamos y más siempre que no esperemos los típicos clichés de sangre y sexo La bruja se estena en cines el 13 de mayo.

Y con este buen sabor de boca se da el pistoletazo de salida para la Muesta SyFy de cine fantástico de este año, que tendrá lugar en el Cine de la prensa de Madrid del 3 al 6 de marzo...más info en la página del canal SyFy.

NOCHE DE PESADILLA

Si ha habido una cinematografía que ha sabido acercarnos a la historia de su país a través del cine esa ha sido la estadounidense. Desde el western más puro al 11-S pasando por supusto por la Guerra de Vietnam y las biografías de sus presidentes el cine de EE.UU. nos ha sabido llevar bien cogidos de la manita por sus más de dos siglos de historia ...y dejándonos curiosamente la (falsa) sensación de vivir en un más que constante conflicto bélico (incluída por supusto la Guerra fría...claro que fuera de estos conflictos a veces nos da la sensación que el único térreno alternativo son los nada pacíficos momentos de la crisis del 29 y su ley seca y/o la luchas contra el crimen...que muy, muy pacíficos tampoco son). A quitarnos esta sensación no contribuye tampoco la última de Michael Bay...porque hoy hablamos de 13 horas. Los soldados secretos de Bengashi.

Tras la caída de Gadafi Libia se sumió en un caos durante el que muchos se apropiaron del contenido de sus impresionante arsenales secretos. Varios grupos de fuerzas especiales estadounidenses se instalaron en el país, destinadas a, entre otras labores defender al cuerpo diplomático. Esta es la historia real de uno de estos grupos que, la noche del 11 de septiembre de 2012, sufrió el ataque de un grupo terrorista al que se enfrentó tanto en la embajada como en su propia sede.

Basada en el libro 13 horas de Michel Zuckoff la película nos acerca a un dramático hecho real con intensidad y una buena dosis de adrenalina.
Tras una amplia presentación de los personajes principales en la que queda bien patente la dosis de tensión vivida en Libia (la retención del todoterreno, problema del que les saca más su propio ingenio que otra cosa y que es casi una premonición de lo que veremos a continuación) como los propios conflictos internos de unos personajes que en además de duros (pero tan duros que en ocasiones parecen irreales) son unos auténticos hombres de familia.
Pero el plato fuerte llegará a continuación con el ataque propiamente dicho, un momento inesperado y casi caótico (tanto que casi parece existir solo para ellos, mientras el resto de los habitantes de la ciudad de Bengasi parecen más interesados en el fútbol que otra cosa), pero que nos deja unas impresionantes escenas de acción rodadas con espectacularidad y eficacia, si bien encontramos la sempiterna obsesión con la cámara lenta de su director, que en ocasiones se deja llevar por cierto discurso grandielocuente (el momento en que los atacantes disparan a la bandera) pero que también sabe crear imágenes de gran belleza con cierto matiz poético (el mnortero sobre la silueta de una impresionante lina llena).
Y es que quizás lo más relevante de una citna como esta es su apartado visual, una oda a la violencia que nos deja un buen número de escenas tan impactantes como emocionantes (el incendio de la embajada) frente a un guión que en el fondo, con todas las variantes actualizadas y a pesar de ser una trágica historia real, no deja ser la típica historia del fuerte atacado por los indios, si bien se esfuerza en dotarla de puntos de realismo (la introducción o ese final en el que nos contarán el destino de los personajes reales), con unos diálogos que resultan menos profundos de lo que se creen y que, en la mejor tradición del cine de acción, están aderezados con pequeñas dosis de humor.
Cine de acción bien hecho, con algún momento de antología, pero de menos calado emocional del que pretende, la película es un impresionante diálogo con la violencia que no deja indiferente a nadie con sus imágenes.

Para fans de su director, que en esta citna da lo mejor de sí, y amantes del cine de acción y bélico 13 horas. Los soldados secretos de Bengashi se estrena el 26 de febrero.

DESPEDIDA A LO VERDE

Los más ancianos del lugar todavía recuerdan como, rozando el cambio de siglo, llegó una niña con pelo lacio, camisón blanco y bastante mal café a la que le gustaba hacerle la competencia a todos esos horrores que nos llegan a través de la pequeña pantalla. Su nombre Sadako, y su hábitat Ringu, una cinta (y nunca mejor dicho) de terror japonés que abrió toda una moda de seres del más allá que, con buenos resultados, le copiaban el look. Con un buen cargamento procedente de Japón, Corea y otros países del sudeste asiático, no pasó mucho para que Hollywood le copiara el cuento y empezata a hacer remakes a lo loco, alguno de los cuales con la buena idea de ambientarse en el mismo Japón como pudimos ver en El grito, con Buffy cazavampiros contra el niño que maúlla (literal) . El tiempo pasó, y con el la moda, pero ha llegado el momento de volver a casa, y por eso hoy hablamos de El bosque de los suicidios.

 Sara tiene una hermana gemela, Jess, con la que siente una particular conexión. Por eso cuando esta desaparece en Aokigahara, un bosque de Japón considerado maldito al que mucha gente se retira a suicidarse, sabe que a pesar de lo que digan esta sigue viva. Tras tomar un avión se presentará en el país del sol naciente dispuesta a encontrar a su gemela pero lo que en un primer momento tomó por supercherías locales parecen tener una razón más que fundada, aunque eso no la detendrá a la hora de internarse en el bosque con la ayuda de un periodista australiano y un guía japonés comenzando una odisea que pondrá a prueba su propia cordura.
Con fuertes dosis de exotismo y un aroma de cuento de fantasmas El bosque de los suicidas parte de las leyedas en torno a un paraje real, el bosque japonés de Aokigahara en la ladera del monte Fuji, para contarnos una terrorífica  historia sobre conflictos familiares que va introduciendo en la trama a la vez que los protagonistas se internan más y más en un lugar maldito.
La elección de un escenario como este bosque, casi un personaje más de la película, omnipresente casi desde el primer fotograma, es quizás la mejor idea de la cinta, creando una atmósfera tan hermosa como inquietante, aun en contraste con una moderna ciudad, Tokio, que también puede darnos más de un susto (la escena del taxi) y en la que ya la protagonista empieza a darse cuenta que se dirige a un terreno que, si bien en un principio no es declaradamente hostil, si es extraño para ella (el plato con el crustáceo todavía vivo).  Será este siniestro pero hipnótico viaje a un Japón de pesadilla lo que hará que el espectador, especialmente aquel interesado en esta cultura, se enganche en un principio a una historia que tiene tanto de drama familiar (el episodio de la niñez de las hermanas que aquí no desvelaremos pero que será clave para el desenlace) como de película de terror, dejándonos escenas tan llamativas como eficaces como aquella en la que una dulce señora acompaña a la protagonista al sótano para enseñarle algo inesperado....y con una naturalidad pasmosa.
Sin embargo una vez inmersos en el bosque mismo, un momento que en realidad se espera desde el primer momento con avidez, la película pierde parte de su magia, una vez expuestas las cartas sobre la mesa, y se convierte casi en una versión explícita de la ya clásica El proyecto de la bruja de Blair, la película que abrió la veda del cine de terror en bosque pero sin psicópata (ahí está la reciente Indigenous en la que el malo malísimo no es ni más ni menos que el chupacabras...sí, sí). Sí, nos deja un buen puñado de sustos, alguno tan destacable como el del tomavistas (de esos que aunque se ven venir se introducen con buen ritmo), pero otros se quedan en un terreno más previsible, llegando a rozar el tipo "abuelita Flanders" (los fans de los Simpsons ya lo tienen en mente), conduciendo a un final más previsible de lo esperado en un principio.
Sin embargo El bosque de los suicidios es una película entretenida, que satisfará a los fans del género, y que sabe mantener un buen ritmo durante la mayor parte de su metraje. Un film de terror psicológico de esos que consiguen hacernos bajara la guardia con sus escenas inquetantes  y que tiene mucho potencial, con el debido mimo, para una buena secuela

Para amantes del cine de terror en general y nostálgicos del j-horror en particular El bosque de los suicidios llega a nuestras pantallas el 26 de febrero.

HASTA EL TUÉTANO

Hubo una época muy, muy lejana en que cualquier elemento que oliera a mafia venía de Estados Unidos, con o sin herencias italianas (o casi ya hilando delgado, sicilianas), ya fuera bajo la ley seca o ya más próximos a nuestros días. Sin embargo poco a poco atravesar la mítica frontera no suponía la libertad...sino encontrarnos con nuevos tipos de crimern, como hemos podido ver en cintas como Traffic o la muy recomendable Sicario, e incluso  en el arranque de la curiosa y brutal México bárbaro. A este peligroso terreno se acerca El mal que hacen los hombres.

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Santi lleva décadas trabajando para Lucho, jefe de un cártel criminal, pasando horas junto a sus compañeros en una nave abandonada mientras espera nas instrucciones que pueden ir desde un envío a una ejecución. De vuelta de todo sin embargo un día les llega un pequeño saco con algo en su interior que no deja de moverse: su contenido una niña pequeña que pregunta por su papá, y que deben manterner con vida hasta que reciban la orden de liberarla o matarla...srrá solo el comienzo de un proceso que empezará a poner en jaque sus límites.
Con dos escenas cotidianas, la de una pareja que ve interrumpida su romámtica velada por una llamada del jefe de él y la de un hombre qe compara comida en un puesto callejreo se abre El mal que hacen los hombres, una película sobre el brutal mundo de los cárteles mejicanos, no ya desde el prisma de los equipos qeu los combaten sino bajo la mirada de aquellos sicarios de los últimos escaños sometidos a las órdenes del jefe de turno, sean las que sean.
Ambientada en un mundo árido y hostil, tanto en las escenas nocturnas en la solitaria nave en la que "trabaja" el protagonista como durante el día, sin que la presencia del sol contribuya a animar un ápice ese microcosmos fuera del que sus personajes no parecen tener cabida, nos encontramos ante una película sin concesiones, que nos acerca a un mundo criminal capaz de adoptar las medidas más duras para lograr sus fines, incluso acabando con aquellos que suponen una mínima amenaza (el episodio del mendigo) y sin importarles el mal que pueden hacerse a ellos mismos (el destino de la amante de Santi).
Bajo la mirada de una muerte siempre presente (como vemos en el perturbador mural de la Virgen de Guadalupe cuyo rostro ha sido sustituído pou una calavera) y signos casi apocalípticos (el sermón) la película arrasta un signo fatalista, acumulando toda una serie de brutalidades cuya culminación será el episodio de la motosierra (cuya resolución no revelaremos) y marcará el aciago destino de buena parte de sus personajes. Sin embargo a pesar de la gran idea de arranque (el secuestro de la niña) y unos elementos casi poéticos (no en vano su título es de raíces shakesperianas) la cinta pierde ligeramente el ritmo en su parte central, dejándonos la sensación de que se limita a escarbar más en su dimensión más brutal que en unos personajes que sin embargo nos dejan una serie de ingeniosos diálogos (el relativo al perro) e incluso alguna pincelada de humor en medio de tanta barbarie (el uso de la bolsa de papel), y que poco a poco van revelando sus capas (el flashback de los yonquis).
Con buenos elementos de arranque y un buen trabajo de actores así como una más que correcta puesta en escena (impresionante la parte de la nevera llena de cadáveres en distinotos estado) la película nos acerca otra vez al género de secuestros en una de las condiciones más brutales posibles, arastrándonos a una fábula sobre la maldad humana con alguna escena gore de esas que ponen a prueba el estómago del espectador.

Un cuento cruel con un resquicio para la esperanza El mal que hacen los hombres se estrena el 19 de febrero en las salas españolas

EL OJO DEL GRILLO

Hay que reconocer que el poder de atracción del cine es tal que, sin necesidad de que nos entusiasme el deporte, las películas que lo tratan consiguen arrastrarnos al patio de butacas. Y entre todas las perlas que podemos encontrar sobre fútbol (Evasión o victoria), atletismo (Carros de fuego) o baloncesto (er...¿Una tribu en la cancha?) pocos hay tan cinematográficos cmo el boxeo. Y por supuesto si hablamos de boxeo solo puede destacar un nombre entre todos, LaMottas apartes, y ese es Rocky, auqneu mira por donde en esta ocasión se le ha adelantado un apellido...hoy hablamos de Creed. La leyenda de Rocky.

Adonis Johnson descubrió siendo un niño que su padre era en realidad el famoso Apollo Creed, fallecido antes de que él naciera, cuando la esposa de este le sacó del reformatorio para vivir con ella a la muerte de su madre biológica. Ya adulto decide dejar su trabajo para dedicarse a su auténtica vocación, el boxeo, tras haber ganado algunos combates no oficiales. Conservando el apelido Johnson para alcanzar un nombre por si mismo acudirá al retirado Rocky para que este le entrene, pero no pasará mucho tiempo hasta que se descubra su verdadero origen.
Continuación estricta de la que ya parecía la última entrega de la saga, Rocky Balboa la nueva cinta relega el protagonista de un ya anciano Rocky para otorgárselo a un joven boxeador, Adonis Creed, en la que podríamos considerar una curiosa mezcla entre secuela y reboot.
Así en este nuevo Creed encontramos todos los elementos que han hecho célebres las películas de Rocky, desde los entrenamientos imposibles con cierto carácter "low cost" (aquí con persecución gallinácea y trotes detrás de la furgoneta) a los combates al límite en los que en el fondo no importa el vencedor, sino la increíble confrontación entre dos titanes de muy distinta estracción. Pero tampoco los paralelismos con la historia del propio Rocky y en especial con la primera parte, historia de amor incluida, e incluso algún pequeño guiño (las tortugas)
Creeed. La leyenda de Rocky es una película con un digno montaje y una eficaz banda sonora que , si bien en ocasines abusa de ritmos casi destinados a un recopilatorio de canciones (y ninguno de la talla del mítico ojo del tigre...pero claro, meter un personaje cantante es lo que tiene) sabe usar con eficacia el tema original del personaje.
Pero ni su historia, de corte en ocasiones excesivamente dramático (y que sin destripar nada sin duda ha contribuido a la nominación de su ahora secundario al Óscar...y sería mítico que se lo llevase) brilla por su originalidad ni consigue crear una empatía extrema en un espectador que sí supo identificarse hace varias décadas con el potro italiano (o será que a pesar de su paso por el reformatorio su protagonista tiene toda un aura de niño bien frente al Rocky original), amén de algunas escenas que queriendo ser emblemáticas se quedan más bien en ridículas (la carrera de Adonis mientras las motos hacen el caballito).
 Una película que en el fondo nos da lo de siempre, que quizás enusiame a los fans poco hambrientos de originalidad y que nos deja algún combate eficaz, pero no de esos que supieron dejar, hace ya muchos años, su impronta.

Para seguidores del personaje de rocky y completistas, y por supuesto para los que quieran comproar por qué Stallone debe llevarse un Óscar este año...y creo que ahora mismo debe tener un amiguito muerto de envidia...un Schawanosequé...

UN MUNDO PEQUEÑO ES

Se un tiempo a esta parte, inmersos en toda esa imparable inundación de programas de telerrealidad, y más con el auge de los canales de documentales "atípicos" (olviden los animalitos de la dos o los dedicados a tribus de esquimales o bosquimanos) han comenzado a sumergirse en nuestros hogares toda una pléyade de espacios dedicados al asesisno de al lado, al psicópata de aspecto inocente capaz de destrozar la vida de una o más personas, y lo está haciendo con un éxito que los ha convertido en el sustituto mediático de aquel El caso que leían nuestras abuelas y bisabuelas. Sin embargo este realismo, con sus reconstrucciones, parece irónicamente haberlo privado de realidad, aunque no así de impacto. De las consecuencias de los hechos de estos monstruos que han abandonado sus cuentos para sumergirse en otra vida humana nos habla La habitación.

Jack acaba de cumplir cinco años y jamás ha salido de la habitación, el pequeño mundo en el que viven él y su mamá, y donde con lo poco que tienen intentan ser felices. El único que tiene contacto con ellos de vez en cuando es el viejo Nick, un hombre capaz de conseguirlo todo pero al que solo ha visto a través de las rendijas del armario donde duerme Jack, y que duerme con su mamá muchas noches. Pero ante las preguntas de un Jack que cree que fuera de la habitación solo existe el espacio y que ni siquiera cree que lo que ve por su televisor sea real su madre le hace una sorprendente revelación: ella lleva viviendo allí siete años desde que Nick, si ese es realmente su nombre, la raptó siendo una adolescente y la encerró allí. Ha llegado el momento de idear un plan que los saque a ambos de allí y que jack conozca todo el mundo que hay ahí fuera.
Con un cartel de esos que puede llevar a equívocos y un puñado de importantes nominaciones bajo el brazo esta curiosa cinta, cuyo arranque si desconocemos su argumento puede descolocar y sorprender al espectador (de no saberlo hasta pasados unos minutos podemos hasta dudar si se trata de una película de corte apocalíptico), nos acerca a ese drama dolorosamente real de mujeres, apenas sí unas niñas, secuestradas y retenidas contra su voluntad para someterse a los caprichos de su raptor, y cuyo destino solo se ha descubierto porque por agún descuido de este lograron huir tras años de cautiverio.
Bajo la mirada de un niño, el hijo de secuestrador (que solo acude de noche cuando este duerme y si acaso haciendo alguna pregunta sobre él, y al que, como vemos por sus acciones, le importa muy poco) y secuestrada (que por otro lado intenta que tenga con este el menor trato posible), una criatura de apenas cinco años que mentien tanto la inocencia propia de su edad como la que le han impuesto su anómala forma de vida, la película sabe contarnos con un enternecedor sentido del humor pero también con crudeza una hisoria que, de no conocer los precedentes reales, se nos pondría antojar una cruel fantasía psicótica, si bien esta solo sería la primera parte del asunto, para, tras sacar a los dos personajes protagonistas del escenario que da nombre a la función (de un sorprendente modo que aquí no revelaremos), sumergirlos en ese terreno hostil que es el mundo real, que el menor jamás ha visto y que la madre lleva casi un tercio de su existencia sin ver.
Se abrirá así una segunda parte que analizará las relaciones de ambos con otros seres humanos tanto extraños (el doctor) como familiares (los abuelos, de los que la madre ya ha hablado a Jack, pero cuya realidad ha cambiado mucho desde que ella no está, y cuyas reacciones nos darán más que una sorpresa, haciéndonos imaginar un pasado durante el secuestro de su única hija del que realmente nunca revelarán nada), mostrando poco a poco la adaptación de ambos a un mundo que jamás debieron abandonar, pero en el que, de haber sido así, Jack no existiría, dando lugar a una serie de episodios incómodos (la entrevista) que minarán lo que solo debiese haber sido felicidad.
La habitación es una película vital, que sabe moverse entre la ingenuidad y la crudeza, que sabe ser entrañable pero también profunda, con un buen trabajo de actores, tanto de sus imprescindibles secundarios (como Joan Allen y un William H. Macy que nos regala una intervención tan breve como impactante) como de su pequeño protagonista, y con una puesta en escena tan sobria como efectiva que presenta los múltiples contrastes entre el hgar que abandonan y al que llegan.
Una historia atípica pero realista que sabe darnos una lágrima por cada carcajada.

Un original drama que no deja a nadie indiferente La habitación se estrena el 26 de febrero

ER CONDE DE MONTECISCO

El cine de supervivencia, ya sea en su vertiente más dramática o más aventurera siempre ha constituído una fórmula cásica a la que el séptimo arte jamás ha renunciado, desde las revisiones de Robinson Crusoe a Náufrago pasando por toda una serie de odiseas que ponen a prueba tanto los tabúes físicos como morales (ahí está la dramática ¡Viven! pero también las distopías juveniles Battle royale y la saga Los juegos del hambre). Son todas películas muy distintas pero la mayoría tienen en común que lo que realmente motiva a sus personajes son las ganas de vivir para reunirse con sus seres queridos. Sin embargo recientemente ha llegado a nuestras carteleras una película que hay algo todavía más fuerte, tanto que hasta puede arrancar a alguien de su propia tumba. Hablamos de venganza, y la película es El renacido.

 Hugh Glass recorre junto a su hijo, un joven pawnee fruto de su relación con una mujer india, y un grupo de cazadores los bosques salvajes de Norteamérica para obtener pieles para vender. Sin embargo tras un ataque indio el equipo queda casi diezmado y poco después él mismo es atacado por un oso que le deja casi muerto. Arrastrado en camilla por sus compañeros las dificulatades del terreno hacen que su jefe ofrezca una generosa recompensa a aquellos que se queden con él hasta el final y le proporcionen una cristiana sepultura. Pero uno de los tres que se quedan, John Fitzgerald, nervioso y harto de esperar una muerte que no acaba de llegar, matará al hijo de Glass y convencerá a su otro compañero de que deben huir a la carrera huyendo de un hipotético nuevo ataque, dejándolo enerrado en vida. Abrumado por la tristeza y el dolor las ansias de venganza harán que Glass se levante de su tumba poco profunda, arrastrándose primero y caminando después, para encontrar a Fitzgerald y vengar a su descendiente.
Basada en hechos reales y ya con un buen puñado de candidaturas y premios bajo el brazo El renacido llega a nuestras pantallas para contrarnos la brutal historia de un hombre que se enfrentará a todo, desde la propia naturaleza hasta su propia cordura, para lograr vengarse del hombre que le arrebata en su lecho de muerte lo que le es más querido, su único hijo.
Ambientada en impresionantes e indómitos parajes naturales, de una belleza tan espectacular como salvaje y que se convierten casi en un personaje más, un enemigo involuntario tanto de héroes com villanos, la película nos cuenta una historia que en el fondo es sencilla, pero cuya resolución no lo es, mostrándonos como un hombre desarmado y prácticamente muerto sobrevive solo gracias a una inquebrantable voluntad en unas circustancias imposibles, llevado por un odio que le consume hasta la más mínima fibra de su ser, recorrerá entre la nieve y los ataques tanto de bestias salvajes como de humanos la enorme distancia que le separa de un personaje que en el fondo también es un superviviente nato, si bien a costa de otras personas.
El renacido es una cinta cruda, brutal, que no teme mostrar las caras más oscuras del ser humano y la naturaleza, a la que no salva ni su propia belleza (como muestran los numerosos planos que en ella se recrean), de lo que quizás las dos espectaculares escenas de acción que abren la cinta, el ataque indio y el del oso, y que ya muestran un juego que se mantendrá durante todo el metrraje entre primeros planos que se recrean en el sufrimiento de los personajes y planos genrales que nos sumergen en el abrumador escenario en el que se mueven.
Espectacular visualmente y un continuo tour de force para su protagonista la película llega a prescindir de diálogos durante una importante parte de su metraje, rozando una epopeya digna del cine mudo (algo en lo que sin embargo sale mejor parada una de sus competidoras en los Óscars, Mad Max. Furia en la carretera) y sabe hacerlo con fuerza y un buen sentido del ritmo, si bien se le pudiese achacar una ligera tendencia al "más difícil todavía" de forma que la cinta se va tornando cada vez más increíble a medida que avanza hacia un desenlace que, el fondo, todos preveemos, pero que no desmerece una película que supone una gran y continua lucha hasta su mismísimo final.

Una impresionante y dolorosa cinta de aventuras no apta para todos los paladares, con un Leonardo DiCaprio eun papel extraordianente físico en el que se convierte en una fuerza de la naturaleza más.

EN DIAB-RAY

¿Cuando crea un título grandes expectativas? No me refiero a un gran trailer, ni a un poster maravilloso ni siquiera a grandes nombres en su equipo y reparto. Un título puede aldanzar grandes expectativas cuando llama la atención, es sonoro y despierta una chispita en nuestra mente...y ni siquiera es preciso que sea largo...será mi mente calenturienta de consumidora ávida de cine en general y terror en particular pero el caso que presentamos hoy es uno de esos...claro que desgraciadamente asistimos a uno de esos bellos casos de traducción creativa, pues el original es The vatican tapes y por estos lares hoy hablamos de Exorcismo en el Vaticano.

La joven Ángela Holmes se corta accidentalmente un dedo cortando su tarta de cumpleaños. Tras el paso por el hospital comenzará a experimentar extraños cambios físicos a los que los médicos no saben dar respusta y el problema se agravará cuando sea la más perjudicada de otro accidente psterior...poco a poco un grupo de sacerdotes empezará a darse cuenta de que la raíz de todo esto puede que no sea física sino espiritual y que en realidad la chica está poeída.

Con un título que lleva a engaño, ya que aunque varias de las palabras de su título si aparecen en la película (sale El Vaticano al prinicpio y el final, y la Santa Sede está informada, y por supuesto hay un exorcismo) pero el exorcismo propiamente en El vaticano jamás tendrá lugar la película nos cuenta una tópica historia de posesión en la que por supuesto la víctima es una dulce chica que sin comerlo ni beberlo se enfrenta al príncipe de las tinieblas con la ayuda de su familia y unos valientes sacerdotes.
Arrancando de una historia propia de culebrón de tarde (chica sufre el enfrentamiento continuo entre su novio y su duro padre, que no se pueden ni ver) la cinta va introduciendo poco a poco los elementos sobrenaturales, desde una infección más grande de lo que parece en un principio a una inexplicable fijación por el consumo de agua (en botella por supuesto...vete tu a saber si el agua del grifo ahí es más eligrosa que el mismo Belcebú) para dar paso a las habituales escenas desasosegantes espasmos, tremebundas muertes y por supuesto a un sonado exorcismo final de esos capaces no solo de destrozar a la pobre víctima sino casi de destrozar toda la manzana.
Con algún elemento original en un principio, o quizás debiéramos hablar de un ligero sadismo a la hora de mostrar las primeras víctimas de la poseída (alguien ha visto El caballero oscuro...), la película enseguida se tuerce hacia todos los tópicos posibles, si bien introduce algún símblos poco habitual (los huevos... que de cuervos y otras hierbas ya hemos visto bastantes), pero además lo hace con un flojísimo sentido del ritmo y un montaje que parece en ocasiones haber pasado por una batidora, y que poco ayudan a una trama que nos lleva por toda una serie de territorios conocidos.
Con un puñado de nombres conocidos en su reparto (ahí está el nominado al Óscar Djimos Hounsou y un Michael Peña que quizás nos resulte más familiar en el territorio de la comedia) la película nos deja un gran vídeo de arranque (con escenas de posesiones y que ayuda a abrir una boca quje se va cerrando a medida avanza la cinta) y un interesante final que, en buenas manos, podría traernos una más que jugosa secuela (¿alguien ha dicho La profecía) pero el metraje que se mueve entre ambas nos deja una historia más, con una historia que no arrastra a la empatía hacia los personajes y unos sustos muy poco trabajados.

Pocas sorpresas en una cinta que da más risa que miedo...para completistas.

ALUMINIO MARINO

Aunque la moda es uno de esos elementos inseparables del mundo del cine, merced galss de premios o apabiullantes vestimentas para sus protagonistas, pero las películas dedicadas a este glamouroso universo no suelen pasar de biografías de Coco Chanel o cintas como la coral Prét- à-porter de Robert Alman que sacaba alegremente alguno de los trapos sucios de este mundillo. Sin embargo hace algunos añitos alguien le encontró la gracia en forma de descacharrante comedia, y su éxito progresivo (yo la descubrí directamente en la tele) la ha hecho volver, y envolviendo la ciudad con anuncios dignos de un perfume...hoy hablamos de Zoolander 2.

 Derek Zoolander, en otros tiempos el modelo masculino más famoso del mundo, lo ha perdido todo: su mujer, su hijo, su Escuela Derek Zoolandere para niños que no saben leer chachi, etc, etc...e incluso su célebre mirada Acero azul. Refugiado en una cabaña en medio de ninguna parte será llamado por la nueva reina de la moda para participar en un desfile en Roma, lo verá como una oportunidad para recuperar a su hijo pero lo que no sabe que también le busca la Interpol para que les ayude a resolver una serie de misteriosos asesinatos de estrellas de la música que antes de morir dejan una fotografía con un gesto muy similar a sus célebres miradas por lo que él puede ser la clave.
Estrambótica continuación de Zoolander, Un descerebrado de moda (pues tal es su título origianl por estos lares) la cinta, tras una gran escena de persecución con una de las mejores ideas de la cinta (o será que Justin Bieber tiene tantos fans como detractores) ,se inicia apenas dos días después del final feliz de la original, revelando todo el drama para el protagonista (que por supuesto es imposible tomarse en serio) y que le ha conducido a un retiro del mundo del que solo sabe sacarle la noticia el que ya es un habitual de las aventuras de nuestro "héroe", Billy Zane, en un arranque que ya se nos ha hecho habitual en las cintas de acción y parodiado basta la médula (algo que ya vimos en Máximo riesgo y el calco que presentaba la secuela de Ace Ventura.
Este nuevo Zoolander que esta vez opta por decorados más cosmopolitas llevándonos a las cales de Roma, vuelve a sumergirnos en toda una trama de conspiraciones y oscuros tejemanejes, si bien en esta ocasión opta por tomar un cariz, y me resulta extraordianriamente difícil emplear en este contexto tal término, menos realista. Y así es, a las chuflas relativas a las pocas luces del protagonista, los excesos de la moda y la abierta concepción del sexo de Hansel se una toda una surrealista y mísiica trama en torno a un elegido que desciende del primer modelo masculino de la historia (con una superrevelación: en el Edén además de Adán y Eva estaba...Esteban, así siteral) que además de darnos una de las escenas más divertidas de la cinta y dejarnos más de un vacío argumental (visto el desenlace algo no cuadra mucho aquí...pero olvídenlo esto es cine sin pretensines argumentales al menos) que parece ponerla en sintonía de toda esa tendencia de conspiraciones históricas que tanto juego y dinero han dado.
Tomando muchos elementos y calcando algún chiste de su muy recomendable primera parte esta secuela no alcanza su nivel, si bien esto también se puede achacar a carecer ya del impacto inicial de esta (aquí ya sabemos todos a lo que venimos), pero nos deja un buen puñado de gags de esos de reir a mandíbula batiente (el spot del centauro, por llamarlo de alguna manera, fantástica revisión aumentada de aquel del sireno, perdón, tritón, que pudimos ver en la primera parte) y alguno que quizás nos haga esbozar una sonrisita (las líneas en torno a la infancia del personaje de Cruz...en Albacete, o al menos así es en la versión original), consiguiendo que incluso en los momentos en los que la película pierde ligeramente el ritmo no perdamos el interés.
Con un humor exagerado en ocasiones, grueso en otras pero simpático la película nos deja un buen rato de diversión desmadrada, con unos secundarios que nos dejan algunos de los mejores moentos de la cinta (ese Benedict Cumberbatch como el/la modelo total o una Kristen Wiig con sorpresa) y unos cameos sorprendentes (que salvo el primero, que ya hemos hecho no develaremos aquí), dejándonosun buen rato de sano cachondeo...pero eso sí, sin sorpresas.

 

 Imprescindible para los fans de la original, aunque su impacto sea menor. Zoolander 2 se estrena el 12 de febrero en los cines españoles.

GOYEANDO 2016

¡Premios!¡Premios de cine!. Los hay de todo tipo y tamaño, y con nombre más o menos cinematográfico, pero es ahí, en el proceloso mar que ondea entre Globos de oro y Óscar donde surge la versión patria del asunto. El pasado sábado 6 tuvo lugar la gala de los galardones con nombre de pintor y espíritu de cantante.
Celebrando sus primeros 30 añitos de vida (algo que se vió más en el cartel que otra cosa, repitiendo pensentador y con una nutrida representación política, a los que se unieron invitados de talla internacional nominados (Juliette Binoche y Tim Robbins) o no (Vargas Llosa) esta vea, igual que se hizo el año pasado, se retransmitió someramente la alfombra roja, con alguna sorpresa en forma de amago de disfraz de Alatriste (algo que también tendría chistaco durante la gala) y mucha enseñando pierna a lo Jole.

Pero vayamos al turrón. En Monigotorium no sé como nos las arreglamos pero nunca conseguimos ver la totalidad de las grandes nominadas...la cosa, eso sí como siempre muy repartida. Nos alegró que la magnñifica El clan, que ya entró en nuestra lista de las 10 mejores del pasado año se alzara con el Goya a la mejor película iberoamericana, no tanto que Yo soy tu padre quedara desbancada del destinado al mejor documental (ojo, tampoco he visto el resto de competidoras pero para una vez que salgo en una cinta aunque sea 2 segundos hay que "barer pa casa") o que Macbeth no se alzara con el de mejor película europea (vale, tampoco he visto el resto de nominadas a falta del estreno de la muy esperada Mustang pero es que esta es colosal). Pero entre las favoritas hubo para todas, llevándose los más importantes Truman, si bien hubo también reconocimiento para Nadie quiere la noche (la mayoría técnicos), la lorquiana La novia, Un día perfecto, A cambio de nada, la trepidante El desconocido, Palmeras en la nieve (que amén de una generosa recaudación ha conseguido un Goya para Pablo Alborán...los fans deben estar dando palmas con las orejas)  y un más que merecido premio para la protagonista de Techo y comida, Natalia de Molina, con su brutal papel de mujer arrollada por el mundo tan doloroso como necesario,

Pero por supuesto la cosa no quedó ahí. La gala se abrió nuevamente con un número musical, más alegre que el del año pasado (auqneu se premitieron compararlo con el de los Óscar del año pasado...ese sí que era de antología), con un Dani Rovira, que esta vez libre de nervios prepremio, se reveló bastante suelto en su papel, a pesar de su insistencia de llevar a cualquier invitado que pillase por banda a Málaga, sin importar el océano qeu pillases por medio...algo que al rato se reveló un poco cansino), y que a pesar de un texto irregular y quizás con excesivas referencias a su papel del año pasado supo dejarnos alguna perla del tipo de la dedicada al IVA y los impuestos sobre yates...un tema el IVA al que también haría referencia el Presidente de la Academia pero quizás con menos papal que en años anteriores.

Pero entre discursos más o menos largos cortados tajantemente a golpe de música (en detrimento especialmente de aquellos premios que eran otorgados a un grupo de dos o más personas)  los momentos más emotivos fueron los de los homenajes. Además del vídeo dedicado a los fallecidos este año, que se cerró con la fotografía de Lina Morgan, muy emotiva fue la entrega del Goya de honor a Mariano Ozores, que en su conciso (y dejando en el tintero su leyenda, muy claro) discurso agradeció el premio a los actores con los que había trabajado (una impresionante lista de la que muchos, por desgracia, nos han dejado) y al público.
Poco después también podríamos ver a golpe de tamborrada uno dedicado al siempre universal Luis Buñuel, con un hermoso montaje de secuencias de algunas de sus elículas más célebres.

Dejamos así atrás otra gala de los Goya, a la espera del turno hollywoodense...no sabemos todavía que deparará este año, pero justo hoy acaba de desvelarse trailer y fecha de estreno de la próxima de Almodóvar, Julieta...ya veremos, y de momento a esperar al año que viene, en el que como siempre le deseamos mejor suerte al cine fantástico. ¡Hala! ¡a contar los días!.