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viernes, 27 de enero de 2017

LA NIÑA DE MIS OJOS

Hay cosas que no resultan agradables, pero en algún momento hay que soltarlas, y no es precisamente ahora el momento de posponerlo. La reja del Monigotorium va a cerrar forsomente unos días, pero no por vacaiones u otros motivos más alegres sino porque...me tienen que operar. Y encima de cataratas, algo que el médico todavía no se explica por mi edad y resultados médicos, pero así es. Una cosa de esas que si bien no te matan si te fastidian y más a la hora de disfrutar del séptimo arte.
Así que hasta que esto mejore, y teniendo en cuenta que en casos como estos primero operan un ojo y, una vez este recuperado, después el otro, este blog estará en mínimos, si bien su puedo intentaré subir alguna crítica que queda en la recámara y volver con estrenosm listas y más lo antes posible.
Pero siempre hay que aprovechar los momentos, y yo no puedo irme, aunque sea unos días sin dejar al menos una lista y ahí va...10 PELÍCULAS QUE NO HAY QUE VER ANTES DE UNA CIRUGÍA OCULAR
  1.  The eye la reina por derecho propio de los efectos secunadarios de una cirugía....una entretenida cinta que dió para un remake americano algo más decente de la mayoría
  2. La naranja mecánica quizás con el ejemplo más icónico de cosas que uno no debería meterse en el ojo...un mal  remedio para garantizarse los ojos como platos.
  3. Los ojos de Julia curioso thriller quizás menos sobrenatural de lo que vendía su publicidad..pero con uno de los posoperatorios más angustiosos del cine más reciente.
  4. Kill Bill vol. 2 ¡La cirugía ocular definitiva! y si no que se lo digan a Elle Driver...
  5. El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares definitivamente la dieta de los villanos de esta cinta da cosica...y más en según que circustancias.
  6. Hostel quizás una de las escenas más impactantes de un film con miga es la que tenía como objeto el ojo de una de sus bellas secundarias....y vistas las medidas adoptadas por el protagonista no se sabe si es peor el remedio que la enfermedad...
  7. El laberinto del fauno un hermoso y perturbador monstruo con ojos de quita y pon...¿se puede pedir más?
  8. Jeepers Creepers ...si hasta el cartel lo decía pero el quid llega en el último minuto de matraje, de esos que dan yuyu y todo.
  9. El caballero oscuro el mismísimo Joker impactaba con un truco de magia que hacía desaparecer el lapicero...y tus ojos de paso
  10. Destino final 5 Esto son palabras mayores. La película que quita ganas para toda la vida de hacer cualquier cosa en el oftalmólogo que no sea mirar letras con el ojo tapao. De antología.
Y con esto os dejamos...hasta muy pronto. ¡A disfrutar del séptimo arte ahora que se avecina la temporada de premios y similares! Y las puertas del Monigotorium volverán a abrirse lo antes posible...prometido.

miércoles, 25 de enero de 2017

CON DOS EUROS

Desde que allá por el 1800 y pico un tal Dickens diera la campanada con su Cuento de Navidad este ha sido un material cimematográfico de primera, tanto en la pequeña como en la gran pantalla, la nimación o la imagen real. Pero muchas veces parece que en la inmensidad del séptimo arte apenas sí hay espacio para algo más en materia de tacaños, del que quizás el mejor representante sea, además conservando el nombre original es el tío del pato Donald creado por la Disney (aunque por estos lares se rebauizara como tío Gilito), pero por supuesto nos equivocamos...por eso hoy hablamos de Manual de un tacaño.
 Desbordada por las grades cantidades de dinero que su marido gastaba en productos de la teletienda la embarazada madre de François Gautier le pidió a su hijo nonato que jamás fuese como su padre. Su deseo se hizo realidad, y durante toda su vida François ha actuado como un auténtico tacaño, un mieserable con miles de euros ahorrados en el banco que vive de forma espartana y cuyo comportamiento hace que tanto vecinos como compañeros de trabajo le odien. Pero su ahorro brutal también  afecta a la compra de anticonceptivos y el resultado lo descubrirá con el conocimiento de una hija que solo quiere conocer a su padre, al que por los relatos de su madre cree un auténtico filántropo. Ello unido a la llegada de nueva compañera de trabajo de la que rápidamente se enamora. va a cambiar completamente su existencia.
Creativa traduciión del título original (Radin!, es decir ¡Tacaño!) Manual de un tacaño es una alocada comedia sobre un personaje de entrada deleznable cuyo comportamiento no le hace precisamente popular en sus relaciones con otros seres humanos pero al que otras personas que saben ver más allá de esto (o más bien que ignoran completamente su verdadera naturaleza) pueden redimir...al menos ante los ojos de sus congéneres.
Con un intenso punto de arranque casi con una pizca de cuento de hadas (el deseo de la madre embarazada) la película comienza resumenido de una manera tan escueta como eficaz a vida personal y sentimental de su protagonista para reconducirnos a un presente en el que va a rencontrarse con os fantasmas de su pasado en forma de hija altruista y desconocedora del carácter agarradísimo de su progenitor (ella cree que su continuo y exagerado ahorro tiene como destinatario a un orfanato mejicano, algo que va a ser esencial para la trama).
Y a partir de ahi toda una sucesión de equívocos de los que nuestro "héroe", intentando para redondear la jugada ser una persona "normal" al conocer a una compañera de trabajo que realmente le gusta, consigue salir más o menos airoso, logrando con su gran comicidad y buen ritmo arrancar la carcajada de un espectador que en el fondo es tan cómplice de su odioso protagonista como desea, en el fondo, que este sea al fin cazaddo in fraganti (grandísima la escena del concierto a toda velocidad para atender cierta emergencia económica)
Manual de un tacaño es una película que no renuncia a los tópicos, pero que sabe incuso redondearlos (el aprovechamiento de a bolsita de ketchup), logrando todo un aluvión de carcajadas que tan solo es frenado ligeramente en su arco final para dar una conclusión lógica 8que aquí no desvelaremos), quizás más edulcorada de lo esperado, a un argumento centrado en las relaciones humanas de un individuo que aprecia más su abultada bolsa que el vvir dignamente y las relaciones con otros seres humanos, y que ha conseguido mantener el interés y ls sonrisa del espectador en todo momento.
Terriblemente divertida Manual de un tacaño es una cinta que sabe hacer gala de un gran sentido del humor tanto físico como en sus diálogos, con un protagonista que sabe darle el tono justo a un personaje que siendo aborrecible en su comportamiento llega a resultar simpático, en una comedia con ligero aroma clásico con algún gag realmente memorable
Comedia alocada con un protagonista tan odiable como carismático Manual de un tacaño llega a las pantallas el 17 de febrero,.

CUTREANDO 2017

Acabó la cuenta atrás. Hoy es el gran día. da el pistoletazo de salida la VI CutreCon, una edición dedicada al musical en unos días en los que gracias a los premios y nominaciones de la popular La la land. Ciudad de las estrellas el género está más en boga que nunca...salvando unas distancias que  hace que culaquier parecido con esta realidad sea pura coincidencia.
La CutreCon ha dado hoy sus primeros pasos (de baile) no es un cine sino en la librería especializada Generación X en la que se ha presentado con la presencia del equipo que abre el festival, Cinebasura. La peli, que podrá verse esta noche en el céntrico cine de la prensa, y de dos de los invitados de honor, Claudio Fragasso y Rosella Drudi, artífices de la mítica Troll 2, que podrá verse en el mismo cine la noche del jueves.
 Dos exponentes y dos generaciones de un tipo de cine que como ha contado esta mañana el mismo Fragasso hablando en su caso de Troll 2, priemero era una mierda, después era un éxito, pero que crea adicción en un espectador sin prejuicios que ama el cine como fuente inagotable de diversión y más si es con amigos.
Cuatro días y medio con sesiones gratuitas, héroes de Bollywood, clásicos inesperados y más de una sorpresa en la que no faltarán ni personajes de cómic ni el ansiado reencuentro de Carlos Palencia con la cinematografía de Uwe Boll, y que podrán disfrutarse en sus sedes de Cine de la prensa, Casa del reloj y Artistic Metropol, y que ningún aficionado debería perderse...¡Nos vemos en la CutreCon!
Más información en http://cinecutre.com/consulta-aqui-la-programacion-completa-de-cutrecon-vi

LA VIDA DE BILL

 Todos aprendimos en el colegio que la vida es sueño y el cine, como buena fábrica de ellos que esmuchas veces no deja muy clara la frontera entre estos y la propia realidad de los personaje que la pueblan...con mucho de cuento para niños grandes y siguiendo esta estela ya hace unos añitos nos llegó La vida de Pi, una película de esas que invitan a revisarlas una vez conocido su desenlace, y parece que para su director, Ang Lee, ha llegado el momento de volver a rozar la frontera...y lo hace con Billy Lynn.
2004. Día de acción de gracias. Tras luchar valientemete en la Guerra de Irak el pelotón Bravo, compuesto en su mayoría por soldados muy jóvenes, es recibido como héroes, siendo objeto de un gran homenaje durante un partido de fútbol americano en Texas. Pero a pesar de los aplausos, la buena comida y las bellas animadoras Billy Lynn tiene la cabeza en otro sitio, y no puede dejar de pensar en la familia que está a punto de volver a verle marchar al frente y los horrores que vivió en la guerra. Y lo que experimente ese día puede hacerle cambiar sus prioridades.
Sumida practicamente en la unidad de lugar y tiempo, no así de acción en una cinta que entremezcla los hechos de lo que debería ser un día festivo y los recuerdos de un pasado todavía fresco que estrangula poco a poco la mente de su protagonista Billy Lynn es una curisa reflexión sobre el concepto de héroe y el valor de los símbolos, en el contexto de unos Estados Unidos que lucha una guerra a cientos de kilómetos.
Con un enfoque subjetivo tan atrevido como arriesgado la película destaca por una impecable puesta en escena, con un imaginativo modo de establecer paralelismos entre las vivencias de Lynn y sus compañeros en Irak y el homenaje en Texas (el plano de la llegada al estadio que parece tener su reflejo en el de la llegada al mercado), así como en el montaje, con algún recurso tan original com el de separar la realidad de lo que Lynn imagina como el cambio de tonalidades, creando una sensación de irrealidad para los personajes que se transmite vivemnte a un espectador que tal vez no conecta tanto con una trama ligeramente ambiciosa a la hora de exponer su drama, moviéndose de manera irregular entre la emotividad y una carga crítica que pierde fuerza especialmente en el último arco de la cinta (el conflicto con los trabajadores del estadio, el último diálogo con el sargento...).
Billy Lynn tiene muchos elementos para convertirse en una gran película, como su plantel de secundarios (con ese duro pero paternal Vin Diesel o un Steve Martin que logra sorprender), su en ocasines espectacular puesta en escena (el número del intermedio) o una historia que analiza a través de sus efímeros símbolos la visión del patriotismo americano a través de los ojos de los propios estadonidenses pero su ritmo irregular y sus variaciones de tono (el asunto de los derechos para la película sobre los Bravo) contribuyen a crear un conjunto tal vez excesivamente antinatural, que se revela tan forzado para el espectador como para el mismo Lynn, y que lastra una historia que consigue atrapar y liberar nuestro interés en demasiadas ocasiones, si bien nos queda como una tesela más de ese espectacular mosaico que es el talento de Ang Lee.

Entre la dureza de la guerra y la irrealidad de la paz Billy Lynn llega a las pantallas españolas el 27 de enero.

lunes, 23 de enero de 2017

ARENAS SANGRIENTAS

Encontrar tesoros ocultos en la playa siempre nos lleva al mundo de la piratería que tan buenos momentos nos ha regalado en el cine de aventuras pero la arena, si nos dirigimos al género bélico, puede ocultar muchas más cosas y no precisamente buenas como pudimos ver en los impecables primeros minutos de Salvar al soldado Ryan, entre muchas otras...de ello da buena fe la peelícula de la que hablamos hoy, la coproducción germano-danesa Land of mine.(Bajo la arena).
La II Guerra mundial ha terminado, pero las heridas quedan abiertas. En Dinamarca aquellos alemanes que han quedado como prisioneros de guerra recibirán una difícill tarea; la de limpiar las costas de las minas que sus compatriotas dejaron. Con este cometido el sargento Carl Rassmussen  recibirá a un batallón ya formado, apenas unos adolescentes, tratándoles con suma dureza pero poco a poco la relación con estos empezará a evolucionar.
Land of mine es una historia que arranca del dolor y la furia que han sembrado un largo conflicto u que pronto muestra los extremos a los que puede llegar la brutalidad de unos vencedores a los que la guerra ha destrozado por dentro, entre ellos el severo sargento que protagoniza la cinta y que desde los primeros momentos de la cinta revela la brutalidad de la que es capaz en su trato con los prisioneros.
Frente a él un grupo de chicos, casi unos niños (con una gran interpretación por parte de su joven elenco de actores, a la misma altura del intérprete de su veterano sargento), que todavía sueñan con volver a casa y cuya dimensión de actuación en la guerra solo podremos intentar adivinar, y que en ocasiones revelan una inocencia casi infantil (el juego con el escarabajo...), y que suponen el contrapunto perfecto a un bando ganador que, en esta ocasión, muestra sus garras con dureza y que apenas si los ve como personas, al menos en un primer momento.
Land of mine es una película de guerra sin guerra, un drama de prisioneros lejano a los grandes campos y las rocambolescas evasiones. Con apenas una docena de protagonistas lo mejor de esta cinta es el acertadísimo clima de tensión que genera en torno a una actividad tan peligrosa como es la desactivación de una mina, sabe jugar con sonido, elipsis y escenas fuera de campo para ponernos en la piel de unos personajes que se hallan continuamente al borde de la muerte, y con los que llegamos a empatizar incluso antes de conocerlos bien (la prueba de formación con una mina de verdad), y para los que hasta el día más dulce es apenas un paréntesis de paz que puede quebrarse en cualquier momento (el día libre en la playa). Una historia con un aire melancólico, fatalista en ocasiones, y una ambientación que muestra como el entorno más paradisiaco puede ser un pequeño infierno, pero en la que siempre queda un pequeño hueco para la esperanza, aunque sea por u hecho tan simple como el que todos somos seres humanos.
Una historia de iniciación cruda y emocionante Land of mine llega a las pantallas españolas el 17 de febrero

LEPIDÓPTEROS DE PESADILLA

Si bien el cine siempre se ha considerado un fábrica de sueños y el cine de terror en concreto una fábrica de (buenas) pesadillas el mundo onírico como tal ha sido usado más como un recurso poético que como elemento indisoluble de la trama de una cinta...con alguna honrosísima excepción como la saga Pesadilla en Elm St. con nuestro querido Freddy a la cabeza. Pero siempre queda una chirriante rendijita abierta y por ella se introduce Somnia. Dentro de tus seeños.
 Cody quedó huérfano con apenas tres año y desde entonces ha pasado por el hogar de varios padres adoptivos. Jessie y Mark, una pareja que perdió a su hijo pequeño a causa un accidente doméstico, decide adoptarlo y pronto se encariña con este niño tranquilo y aficionado al estudio de las mariposas. Pero su nueva madre descubre que Cody consume pastillas para mantenerse despierto pues afirma que un monstruo terrible, el Canker, invade sus sueños y devora a la gente. La pareje intentea convencerle de que es una mera fantasía pero al poco cada vez que el niño se queda dormido extrañas visiones aparecen en la casa...incluída la visita de su fallecido hijo.
Somnia parte de un terreno que se ha hecho común tanto para el drama como para el cine de terror, el de una pareja que adopta un niño, para contarnos una siniestra fábula para niños grandes con un nuevo monstruo de esos que poede abrirse un hueco en el corazoncito del cinéfio aficionado al terror.
Con un ligero eco a cintas recientes como Babadook o Mamá Somnia despliega una sobria y cotidiana atmósfera que contrastan con unmundo onírico tan luminoso en ocasiones como terrible para que sea el  campo de juegos de una presencia perturadora que parece escapada de un cuento infantil, y lo hace con escenas siniestramente hermosas como la del gran regalo de navidad o la escena final en el hospital, y logrando un desasosiego que contrasta con la calma (con la excepción de la parte respectiva al antrerior padre adoptivo del Cody) con que se abre la película.
Una película sobre personajes heridos, que a veces caen víctimas de un egoismo comprensible (el visionado del vídeo) que acaba abriendo la caja de los truenos, y cuyos sentimientos van a guiar el metraje de una cinta que destaca por su ritmo ágil, sabiendo saltar de un género a otro con naturalidad, y más gracias a un elenco de actores, de los veteranos a los más jóvenes, que sabentransmitir la angustia tanto en los traumas más comunes como en aquellos que son fruto de hechos sobrenaturales, y que hacen que hasta se les perdone un final más almibarado (y no destripo más ) de lo que habríamos previsto.
Con una cuidada estética, que tal vez pierde un poco cuando más explícitos (y luminosos) son los efectos especiales, la película tiene un sentido del terror clásico, que deja buen sabor de boca y que logra que el espectador se identifique con una historia que, aun sin la trama terrorífica, podría resultar igualmente dolorosa, aunque en este caso nos deja ese agradable gusto a ese terror que nos inquietaba de niños, de ese que repta entre las sábanas y se agita entre la ropa del armario, pero ante el que los adultos, incluso los más descreídos no pueden dejar de sentir un escalofrío.
Una trama bien hilada con algún momento realmente terrorífico en Somnia. Dentro de mis sueños, que llega a los cines el 27 de enero

viernes, 20 de enero de 2017

MÁXXXIMO RIESGO

Al cine de espías le ha pasado con los años como al de ciencia ficción; pasó poco a poco de moverse en prístinos e inmaculados entornos para poco a poco irse tornando más oscuro, más sucio...y del que quizás sea el mejor exponente como siempre un James Bond que pasó de pasearse con smoking en invierno o en verano a alternar su prenda fetiche con el parkour en mangas de camisa. Pero siempre hay gente a la que le da por hacer las cosas a lo bestia, y ese es el caso de xXx Reactivated.
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Un nuevo peligro se cierne sobre el planeta cuando, tras robar el dispositivo conocido como Pandora, un criminal no identificado amenaza con estrellar un satelite contra una zona poblada cada 24 horas a no ser que se cumplan sus exigencias. La única esperanza es el ahora oculto agente triple X Xander Cage, adicto y experto en deportes de riesgo, pero solo aceptará si le dejan resolver el asunto a su particuar modo.
Con un título más de cinta porno que de película de acción la ya saga xXx irrumpió en la gran pantalla en 2002 arrasando en los premios Taurus, dedicados al mundo de los especialistas, para contarnos una historia de agentes secretos con el ego igual de grande y los medios igual de impresionantes que otros que ya  hemos visto pulular por el género pero que añadían a un cóctel, que en el caso de esta secuela tampoco renuncia a despampanantes mujeres ni al exotismo (en este caso Filipinas) unas impresionantes escenas de acción de gran espectacularidad y riesgo en la sintonía de los deportes extremos.
Este nuevo xXx, que retoma a su héroe original tras el paréntesis protagonizado por Ice Cubecon una historia de esas con mcguffin informático en la que la historia, frente a unas escenas de acción de esas que compensa ver en la gran pantalla, es lo de menos mientras el espectador, como si del mejor circo del mundo se tratase se queda con la boca abierta con las andanzas de un Vin Diesel que está en su salsa tanto en las escenas físicas como a la hora de interpretar unos diálogos llenos de tópicos  y mucho humor que invitan más a la carcajada que a la sonrisa.
Una película de tipos duros como pocos, de esos que lo son y para colmo se lo creen, con la premisa clara de entretener, sin concesiones, de esas que jamás pasarán a la historia del séptimo arte pero a poco que uno se deje arrastrar por su alocado espíritu y trepidante rirmo, así como por su loco sentido del humor (del que ademá sale airoso un Samuel L. Jackson que además de demostrar como siempre que es lo mejor en lo que hace se permite un par de coñas en torno a Los vengadores) nos garantiza hora y media de placer culpable y, como casi siempre, deja la puerta abierta a una secuela que convierta en mera travesura las locuras de su precedente.





Para amates de la adrenalina en general y buscadores de la diversión sin prejuicios, una película para ver con los amigos y palomitas, y cuantos más de ambos mejor.

jueves, 19 de enero de 2017

NED FL...EMING?

Momentos antológicos en la pequeña pantalla hay muchos pero sin duda, y sin constituir ningún ejemplo en concreto, uno de los más evocados es el hecho de toparnos con un episodio especial de Navidad de cualquier serie,,,fuera de época (punto extra si además nos encontramos en pleno agosto). Pero por supuesto esto no es patrimonio exclusivo de la televisión y más de una cinta nos llega desajustada respecto a su ambientación...es el caso de ¿Tenía que ser él?
 El día de su cumpleaños Ned Fleming recibe una gran sorpresa: su hija universitaria de 22 años está saliendo en serio con un chico. Para que ambos se conozcan esta propone que toda la familia pase las vacaciones de Navidad en casa de su novio, un hipertatuado y excéntrico millonario, fundador de una empresa creadora de videojuegos, con cuyo modo de vida choca inmediatamente Ned. Y las cosas se pondrán todavía más peliagudas cuando Laird le pida su bendición para preguntarle a la niña de sus ojos si quiere casarse con él.
Para todos aquells que hayan comenzado a familiarizarse con un actor como Bryan Cranston a raíz del megaéxito Breaking Bad y a la luz de películas tan recomendables como Trumbo o Infiltrado resu resultará al menos llamativo encontrarle como cabeza de cartel, junto a un James Franco que no es en absoluto ajeno al género (como la polémica The interview...y muy pronto volverán a coincidir en The masterpiece, una película en torno a cierta obra llamada The room, de la que alguna vez hemos hablado por aquí ), de esta gamberra comedia navideña...algo quizás menos raro para los que aun recuerden su larga trayectoria como padre de familia en la serie familiar Malcolm in the middle, una propuesta cercana y a la vez lejana en tono a este ¿Tenía que ser él?,
Comedia con un arranuque de sobras familiar para cualquier (mínimo) conocedor del género, el del encontronazo entre el conservador y protector padre de una joven con la pareja de esta, con el ligero punto original de que este, con más buena voluntad que suerte, se desvive por complacerle (de antología esa bolera con su particular decoración) la película roza todos los niveles del humor grueso pasando por los tacos (algo que en un comienzo hace esbozar la sonrisa pero cuyo abuso acaba aburriendo), las referencias sexuales (con la particular colección de arte del personaje de James Franco, con un buen número de escenas de sexo entre animales) y (más ligeramente) las drogas, con su particular dosis de humor marrón (el inodoro japonés) que acabará dando pie a un curioso deus ex machina ( y no desvelaré más).
El procucto generado es el de una comedia simpática, con algún gag más afortunado que otro y que no vacila en revelar sus propias referencias (La pantera rosa) en un curioso guiño  casi metacinematográfico, con un controlado sentido del ritmo que conduce a una explosión del conflicto cuya resolución intuimos desde los primeros momentos de proyección, pero que funciona de manera más eficaz gracias a un elenco de actores que saben demostrar su buen hacer en un género tan difícil como es la comedia, aun siendo de esas que tal vez son más reivindicables por alguna escena concreta que en su conjunto.
Comedia disparatada con una sorpresita final para los amantes de la música, una cinta de esas insustanciales pero lo bastante entretenidas para darnos un par de horas de risas.

martes, 17 de enero de 2017

CANTANDO BAJO EL SOL

A veces vuelven...y no solo seres de ultratumba. El espíritu del Hollywood dorado periódicamente resurge de sus cenizas para contarnos historias de glamour y tristeza, como vimos en la ultipremiada The artist, Ave César o Hollywoodland (¿recuerdan que antes de ser Batman Affleck ya interpretó a Superman?¿no? pues a recuperarla). De aquí mismo llega La ciudad de las estrellas (La la land).
 Todo el mundo tiene un sueño. El de Mía, camarera, el de triunfar como actriz y el de Sebastian, pianista, el de tener su propio club de jazz. Tras un para de encuentros tan breves como desafortunados ambos acabarán estableciendo una relación en la que sin embargo poco a poco sus sueños harán que tengan que replantearse que es lo más importante en sus vi9das.
Desde su primer número musical, que se abre con los primeros compases de su bella banda sonora La la land deja patente su carácter de musical clásico en toda regla, de esos en los que cualquier entorno es un escenario, cualquier objeto una pieza de atrezzo y cualquier personaje de la calle un consumado cantante y bailarín.
Su cuidadísima puesta en escena, de la ilumianción (con escenas tan hernosas como la del encuentro en la oscuridad del cine) a un maravilloso vestuario tan rico en color como su escenografía nos remita a un mundo atemporal, irreal incluso (la escena del observatorio) casi escapado de un teatro de Broadway con su esmerado lenguaje y que homenajea al musical americano de lo abstracto a lo concreto (Un americano en París, o ya fuera del musical propiamente dicho Rebelde sin causa), un microcosmos en el que los sentimientos invitan tanto a bailar y cantar de felicidad como a estremecerse de dolor en la balada, reflejo de lo que ha sido o incluso, com veos en una escena final de antología, pudo ser.
Pero además de este impecable acabado destacan unos actores protagonistas en estado de gracia, una pareja que además de destilar química saben transmiir alma a unos personajes que a veces pueden rozar ligeramente el histrionismo, y que logran dotar de mayor fuerza a una historia que nos resulta familiar, si bien su desarrollo quizás no se ajuste del todo a lo que esperamos de un alegre musical de Hollywood, una historia que deja la sensación de déjà vu, pero que se ajusta perfectamente a lo que es el fondo una resurrección de uno de los géneros más queridos de la historia del cine, y que logra este objetivo con inteligencia (a falta de saber si generará toda una serie de cintas en la misma línea como ya pasó en su día con el peplum a raíz del éxito de Gladiator) dejándonos una película sensible y hermosa, con el sentimiento e intranscendencia justas de un sueño de fama.
Un banquete para los amantes de los musicales...para el resto un hermoso homenaje a un tipo de cine que, durante algo menos de dos horas no queda solo en el recuerdo.

lunes, 16 de enero de 2017

NO ES GERUNDIO

¡No existen los amores imposibles! Que más da el de rica-pobre, princesa-campesino, elfa-enano...en el cine lo único que hay son secundarios más o menos maliciosos que los creen como tal. Pero por desgracia la vida real es miy distinta...aunque siempre hay lugar para un rayito de esperanza. Es el caso de Loving.
Mildred y Richard Loving son una joven pareja que espera un bebé y acaba de casarse, y solo desea vivrr juntos en la casa que él planea construir en la parcela que acaban de comprar. Pero los Loving son una pareja interracial, y en el estado de Virginia de finales de los 50 su matrimonio, celebrado en Washington constituía un delito por lo que no tardaron en verse frente al juez con la amenaza de un año de cárcel a menos que se divorciasen o abandonasen el estado, y esta será solo la primera batalla legal a la que se enfrenten.
La historia real de los Loving podría haber dado para una épica película de juicios o a un drama de esos de continua lidia de los protagonistas y sus vecinos pero Loving adopta la interesante opción de presentarnos el drama costumbrista de una pareja como tantas a la que las normativas legales herencia de un horrible pasado (y la intransigencia de un cuerpo policial capaz de presentarse en plena noche como si de un mal sueño se tratase) fujerzan a abandonar su casa y a sus seres queridos para defender algo tan natural como vivir con el que se ama.
Loving es un drama sobre la vida cotidiana, de la rutina del trabajo (como vemos en esa colocación de hileras de ladrillos y bloques, continuamente cambiantes, que coloca Richard y que casi articulan el desarrollo de la acción) a la formación de una familia, recreándoss en los mínimos detalles y los contrastes reflejo de los cambios que se ven formados a asumir en su vida (el sonido del campo frente al jaleo de la ciudad, la hierba frente al empedrado...), con un particular cuidado que podemos ver en escenas como aquella en la que un niño ve la llegada de Richard al apartamento en el que se aloarán brevemente o las tensas escenas del accidente o la (falsa) persecución.
Pero el alma de Loving son sus personajes, entre la fragilidad y la dureza, unos protagonistas que, con sus diferencias (la reacción ante la prensa...) son una auténtica piña, arropados por sus familiares y denostados por unos intolerantes que no tienen ni rostro (el hallazgo del ladrillo) y que consiguen establecer un fuerte lazo empático con el espectador gracias a la naturalidad de sus interpretaciones.
Una cinta sobre persoas comunes que se enfrentan a una situación anómala de forma sencilla, y meramente con eso logrando el poder marcar la diferencia, en una historia de esas que, de no existir, habría que inventarlas.
Una historia de amor contra viento y marea...Loving llega a las pantallas el 20 de enero.

 

jueves, 12 de enero de 2017

AROMA DE PESADILLA

Para aquellos que somos fans desde pequeñitos La alegría de la secta es quizás uno de los episodios más divertidos de Los Simpsons pero si abandonamos el universo animado (en el que otra serie como Southpark siempre ha tenido mucho que decir) la gran pantalla siempre nos ha mostrado su cara más escalofriante con ejemplos todavía tan recientes como la muy recomendable The sacrament o The invitation ...pero no hace falta inventarlas o remitirnos a exóticos ejemplos y aquí entra en juego Colonia.
Chile, 1973. Lena, azafata de vuelo, aprovecha los cuatro días libres antes del próximo despegue para reencontrarse con su novio Daniel, un concienzado reportero y artista defensor de Allende. Pero el mismo día que estalla el golpe de Pinochet la pareja es llevada al gran estadio donde es separada quedando ella libre. Con la ayuda de los amigos de Daniel, que sin embargo poco pueden hacer, Lena descubrirá que este ha sido llevado a las dependencias de una oscura secta apoyada por el régimen y dirigida por un turbio pastor llamado Pius, la Colonia Dignidad, y tomará la resolución de infiltrarse como devota voluntaria para averiguar si su amante sigue vivo y sacarlo de allí.
Inspirada en hechos reales, tal como reza el rótulo que la abre, la película recorre varios géneros, del cine romántico al drama histórico pasando por el terror para reconvertirse poco a poco en una cinta de fugas que nos remite, ligeramente, a todo el cine de evasiones ambientado en la II Guerra Mundial pero con la particular originalidad de derivarse de un episodio histórico tan doloroso y todavía tan poco explotado a nivel cinematográfico (plus al tratarse de una producción germana) como es del golpe de estado de Pinochet y sus dramáticas consecuencias.
Si bien su arranque, que además de generar empatía con la pareja protagonista, presenta un clima histórico muy concreto y oscuro, abandona rápidamente la ciudad de Chile para llevarnos a un turbio microcosmos no menos terrible por desconocido, el de la infame Colonia Dignidad, un territorio que a pesar de las elipsis que nos impiden contemplar, que no intuir los horrores que se viven tras su alambrada (la paliza a la anciana, los abusos en las duchas), y cuya maldad en estado puro sabe transmitir con gran acierto la película, gracias tanto a la dirección artísitica (entre la sordidez de los túneles y la limpieza de las estancias hospitalarias) y el trabajo de sus actores secundarios.
Pero Colonia tiene en el fondo, a pesar de sus referentes históricos y su visión crítica un corazón de cinta tradicional de esas que presentan una pareja contra el mundo, y frente a su oscuro planteamiento, no deja de tomar decisiones que la ponen en la sintonía de cintas más tradicionales, con un gran escape (no creo que nadie se lleve a engaño al pensar que la joven pareja protagonista no se reunirá y emprenderá la ansiada huida) e irá adoptando, a medida que avanza su desenlace y el calendario presentado desde la llegada del personaje de Lena a la colonia (y que pronto, eliminado ese factor de cuenta atrás que implicaba la promesa al piloto de regresar antes de próximo vuelo desde Chile, pierde su poder de tensión, no así su carga dramática), un desarrollo argumental más convencional.y un aura más conocida, perdiendo parte de la capacidad de sorpresa que había causado con su inquietante propuesta y dejándonos una historia romántica con un toque original pero quizás menos catárquica de lo que preveíamos en un primer momento.
Entre el drama histórico y la tensión hollywoodense Colonia llega a nuestras pantallas el 20 de enero

JUEGO DE ATAÚDES

¡Que tiempos aquellos en los que los vampiros se limitaban a salir eventualmente del ataúd, acechar a dos o tres mozas de buen ver y acabar finalmente con el corazón atravesado por la estaca esgrimida por el cazavampiros de turno!. Sí, sale la vena de jubilado observando las obras pero es increíble como el género vampírico ha ido mutando, fusionándose con otros como la acción o (que Drácula nos pille confesados) el romántico...de las combinaciones quizás más afortunadas nació la presente saga y por eso hoy hablamos de Underworld. Guerras de sangre.
Con su hija Eve, de linaje híbrido, en paradero desconocido, Selene sigue luchanodcontra su propia gente, los vampiros, que la consideran una asesina, y con los licántropos, su adversario natural. Sus increíbles dotes como guerrera y la pureza de su sangre pueden decidir el devenir de una guerra cuyo origen se remonta hace siglos y por ello, por petición de la poderosa vampira Semira, se le otorgará amnistía y refugio a ella y su compañero David a cambio de que esta entrene a las tropas vampíricas, pero los oscuros intereses de Semira y de Marius, el nuevo líder de los hombres lobo harán que el enfrentamiento adquiera un nuevo cariz.
Quinta entrega de la saga protagonizada por Beckinsale (con ese breve interludio en forma de tercera parte que narraba los orígenes del comflicto entre licántropos y vampiros) la película continua en la llínea de sus entregas precedentes, con la odisea de una Selene que ha perdido a los dos seres que más ama en este mundo y que se ha convertido en una completa renegada para las otras razas de la noche (algo que por suerte para aquellos que no hayan seguido la historia hasta ahora se explica muy bien explicadito en el montaje previo a la aparición del título en pantalla).
Underworld, Guerras de sangre a pesar de sus protagonistas sobrenaturales, tiene muy clara su vocación de cinta de acción pura y dura, con personaejs que no se valen solo de sus increíbles poderes (descubran como el muro de Juego de tronos no serviría de ná si en vez de los caminantes blancos les atacasen estos vampiros) sino de un increíble arsenal que va del sable clásico al pistolón de categoría, y que da lugar a unas imaginativas escenas de acción en la línea, al igual que una estética que sigue amando los trajes negros y ajustados y las instalaciones ultramodernas sumidas en edificios más clásicos, del resto de la franquicia, en un producto que a pesar de las revelaciones (que las hay) es prácticamente una breve sucesión de peleas individuales y corales, de esas que van apurando el elenco de intérpretes hasta la gran catarsis final)
Esta quinta parte nos ofrece lo mismo que nos ha ofrecido en las cuatro anteriores, ni más ni menos, de modo que probablemente no decepcionará a sus (numerosos) fans, si bien se deja llevar en algunos momentos por referencias que casi nos remiten a otros éxitos de la gran y pequeña pantalla ( de El señor de los anillos o la sala del peligro de los X-men a Juego de tronos, con ese nuevo clan vampírico que parecen casi unos Targayren descafeinados) dando lugar a una entretenida historia de esas de buenos y malos, alguno con dos caras, con su pequeña ración de tópicos (de la resurrección casi milagrosa con regreso casi mesiánico al castillo con pasadizo secreto) y algún momento que se mueve entre lo espectacular y lo risible (la ensalada de tiros final), incluso con algún elemento que tal vez no desentonase en una película de serie B pero que aquí queda como un divertida especia que añadir al guiso (como esa villana con ínfulas de dominatrix que no deja de pedir a su amante que no piense...que le va a acabar sentando mal).
Underworld. Guerras de sangre es una consecuente continuación de una saga que ya se ha hecho su rinconcito en el mundo del fantástico, una película intrascendente, de esas que se disfrutan más con un buen puñado de amigos y con palomitas, con algún momentillo de esos de vergüenza ajena incluso, pero que ganan cuando se va a verlas solo con la espectativa de pasar un rato entretenido en el cine. Sin más.
Mucha acción en una cinta que se adivina no será la última de la franquicia, Underworld. guerras de sangre se estrena en los cines el 11 de enero.

miércoles, 11 de enero de 2017

DOKO VADIS?

No resulta difícil identificar a un cineasta como Scorsese con el género negro, con oscuras historias de gángsters e investigadores, al menos a la primera mención de su nombre pro la verdad el universo de la religión nunca ha estado muy desligado de su filmografía, ya sea el cristianismo con la polémica La última tentación de Cristo o el budismo con Kundun... y parece que ha llegado el momento de hermanar oriente y occidente...hoy hablamos, aunque pueda parecer una incoherencia, de Silencio.
 Japón, siglo XVII. El padre Ferreira desapareció durante las persecuciones de cristianos y a Macao solo llegan rumores de que este ha apostatado y ahora ostenta nombre y esposa japoneses. Sin embargo dos jóvenes jesuitas portugueses partirán en su búsqueda para descubrir un país en los que su religión provoca frencuentes y sangrientos martirios y en el que los fieles son capaces de cualquier cosa por salvar a los pocos sacerdotes que llegan a sus islas. Todo ello pondrá a prueba su fe de un modo que apenas si aciertan a imaginar.
Con un marco histórico todavía tan virgen a nivel cinematográfico como es la evangelización del sudeste asiático durante el siglo XVII Scorsese aborda la adaptación de la novela homónima de Shusaku Endo (y que ya dió lugar a una producción japonesa en 1971) para emprender su particular viaje al corazón de las tinieblas y contarnos la historia de dos religiosos que se enfrentan a un territorio tan exótico y bello como hostil.
Visualmente la cinta logra hipnotizar al espectador desde el primer momento, con unos increíbles dirección artística y vestuario y unas imágenes que consiguen transportarnos casi a otro mundo desde una neblina de tintes apocalípticos, suponiendo un encuentro tan fuerte como el que puede ser paralos propios personajes. A ello se une un arranque de esos que enganchan (la búsqueda de un compañero y antiguo maestro que puede ser un renegado o incluso llevvr años muerto, una misión de esas a las que mueve más la fe personal que las mismas pruebas) y una primera parte casi antropológica, con ecos casi documentales, que muestra los límites que pueden alcanzar ese gran marco coral de secundarios que van desde la fe religiosa más absoluta al odio más visceral con una fuerza (el martirio a la orilla del mar) que casi atraviesa la pantalla.
Pero esto dará pie a una segunda parte ya más centrada en el personaje del padre Rodrigues (que por otro lado ha sido el principal narrador en una cinta que se articula entre numerosas voces, de protagonistas a secundarios pasando por un mero espectador del desenlace) y que, aun siguiendo la línea que ya ha esbozado en el arco previo, se complace excesivamente en todo el universo de dudas del que es espectador y a la vez causa de los terribles castigos de los que son objeto unos cristianos que son tan solo unos pobres campesinos con una fe casi infantil (la visión del paraíso) frente a una élite culta con numerosos argumentos, intelectuales al menos, para rebatir el papel de la iglesia portuguesa en el Japón budista, y que lastra notablemente el ritmo de la cinta, volviéndola repetitiva (las continuas renuncias y huidas de su acompañante, algunos diálogos...) e incluso permitiéndose alguna metáfora tan poco sutil e incluso grotesca como la de la escena del reflejo en el agua.
Silencio es una película ambiciosa, con un espíritu profundo y unos materiales tan fuertes como su gran elenco de secundarios (desde un Liam Neeson que vuelve a la temática misionera años después de La misión a un recuperado Todaobu Asano), una excelente puesta en escena y un inteligente uso del sonido (con un título tan justificado como es este Silencio) pero se queda en una potente actualización del tipo de historias que variso peplums más o menos clásicos nos dejaron durante años (eso sí, ya sin el tan en boga romance soldado romano - cristiana que aquí podría haber sido samurai - concubina cristiana ...pero no nos pongamos bizarros), una cinta interesante y hermosa pero lejos de un paraíso, en este caso cinematográfico, tan inalcanzable como el que anhela su doliente protagonista.
Producción histórica con umpecable envoltorio y más cueltionable contenido una cinta para amantes de la cultura japonese y del cine de un Scorsese que, en el fondo, vuelve un poco a sus orígenes

martes, 10 de enero de 2017

ME PASO EL DÍA BAILANDO

Todos hemos asumido, tarde o temprano, que el 95% de las películas de animación, estén orientadas o no al público infantil, tengan su rinconcito para las canciones...el baile, y especialmente el ballet es un asunto bien distinto, y eso que al venir ese binomio a nuestra cabeza, aunque tengamos en mente cintas como Las zapatillas rojas o Cisne negro, lo más probable es que la primera imagen que ilumine nuestra mente sea la de los gráciles hipopótamos de la clásica Fantasía. En puntas, que no de puntillas llega Ballerina.
Felicia y Víctor, dos niños que viven en un orfanato bretón, tienen un sueño: él convertirse en el mayor inventor de la historia y ella en una gran bailarina. Un día ambos escapan a París, en cuya gran ópera está la mejor escuela de danza, y por accidente pronto se separan. Con la ayuda de una de las mujeres que limpian el teatro Felicia encontrará un lugar donde quedarse, y pronto descubrirá que la hija de la dueña de la gran casa donde también trabaja esta se prepara para entrar en la escuela de la ópera. Aferrándose a su sueño Felicia usurpará su identidad y entrará como estudiante de danza pero a pesar de su pasión por el baile el camino no va a ser precisamente fácil.
Ambientada en el París de finales del XIX (de hecho la Torre Eiffel se encuentra todavía en plena construcción), un entorno casi de postal en la que la joya es su deslumbrante teatro de la´ópera Ballerina presenta una histoira de superación personal en la que lo importante no es solo la pasión y los sueños, pero también el trabajo y la disciplina, y no se puede conseguir lo uno sin lo otro.
Huyendo de dos elementos que parecen indisolubles del cine animado con vocación infantil como son las canciones (sí hay numeros musicales, como una espectacular batalla de danza, pero nuestros protagonistas se limitan a bailar) o los animales parlantes (vemos fugazmente una gallinácea pero no sale de su rol de animal de "relleno") la película presenta una historia clásica, de esas que aun intuyendo el final puede dar unos cuantos giros antes de su resolucíon, a la que se une un amago de triángulo amoroso entre Felicia, su amigo Víctor y el joven bailarín Rudy, un chico cuyo talento solo llega a la altura de su ego, pero bajo un enfoque de lo más inocente.
Una película con más héroes que villanos, a pesar de esa madre de artista y dueña de la casa en la que empieza a vivir Felicia que es, tanto en aspecto como en ademán, la mejor heredera directa de la madrastra de Cenicienta y que en las contadas escenas en las que aparece sabe hacerse odiar, que demuestra que a veces el mayor obstáculo puede estar en uno mismo, dejándonos unos personajes bien construídos y de gran carisma.
Ballerina es una cinta que sabe sacar el mejor partido de su ambientación, con escenas tan increíbles como la del vuelo en torno a la que será la estatua de la libertad y otras ten bellas como aquella en la que la protagonista descubre la belleza de la danza clásica, y con un agradable diseño de persnajes, una película de acabado dulce y hermoso que va como anillo al dedo a la historia que cuenta (podría haber algún matiz ligeramente más sórdido, pero no perdamos de vista que su úblico potencial es el infantil), creando un cuento de esos que todavía pueden hacer soñar, aunque solo sea un poco.

Un cuento clásico con un diseño impecable, aunque más imaginativo que fielmente histórico, Ballerina llega a los cines el 27 de enero.


lunes, 9 de enero de 2017

LAGARTIJA VITAMINADA

Aunque la omnipresente industria cinematográfica norteamericana nos ha regalado, por llamarlo de alguna manera, su particular visión del mito, pocos de nuestros queridos monstruos hay que se identifiquen tanto con una cultura como son Godzilla y Japón, un gigantesco ser nacido del terror atómico que se mueve con habilidad en la frontera entre héroe y villano a la par que se enfrenta a titanes increíbles o humanos que solo buscan su propia supervivencia...y cual boomerang siempre vuelve, así que hoy hablamos de Shin Godzilla
Algo extraño sucede en las aguas que bañan las costas niponas. Temblores y amanaciones de humo de origen desconocido son solo el preludio de la llegada de un gigantesco ser que destruirá todo a su paso, incluso antes de llegar a tierra, y ante lo que las altas esferas, con el primer ministro de Japón a la cabeza, no saben que medidas adoptar. Sumidos en el caos parece que se enfrentan a una criatura indestructible en continua mutación y que además deja un rastro radioactivo, pero un rayo de esperanza llega a través de un pequeño comité compuesto por políticos y expertos que parece haber encontrado su punto débil.
Acosrtumbrados como estamos a un cine de catástrofes en el que, ante la amenaza de monstruos gigantescos, fenómenos meterológicos o invasiiones extraterrestres, se alterna la destrucción con sentimentales historias de superación y fuertes sentimientos humanos en los que no suele faltar la de alguna familia desestructurada (o parejita a punto de separarse) recompuesta irónicamente gracias a la destrucción a gran escala, resulta refrescante la llegada de este Shin Godzilla en la que junto a la amenaza que supone el monstruo se alza otro perligro que es una burocracia y un protocolo fuertemenete enraizado en la clase políica que mina toda posibilidad de responder a una destrucción casi total.
Shin Godzilla devuelve el mito a sus orígenes, un ser que parte de un primer estado de aspecto casi grotesco para poco a poco irá mutando a una silueta que nos resulta mucho más familiar, tanto como lo es una original banda sonora que alterna temas nuevos y clásicos, y lo hace con unas escenas de destrucción impresionantemente coreografiadas que revelan lo mejor de sí en fragmentos como el impresinante ataque nocturno en el que, tras dejar Godzilla a oscuras la ciudad, los juegos con efectos de luz y fuego nos dejan unas escenas de una belleza terrible.
Los ecos no ya solo de Hiroshima y Nagasaki planean sobre una cinta que ha añadido a su propia mitología el espectro de la todavía latente Fukushima (el tsunami previo a la aparición de Godzilla) pero nuevos fantasmas se añaden a la fórmula con una fuerte crítica a una clase dirigente que reacciona tarde y mal ante un hecho que exige medidas desesperadas, y lo sabe hacer con un ácido sentido del humor y unos personajes a los que les cuesta interrelacionarse, unos personajes entre los que no existen vínculos familiares, ni siquiera románticos, y que simplemente se limitan a hacer de una manera más o menos eficiente su trabajo (aunque más lo primero aquellos que parecen quedar en un principio como segundones ante la vorágine de cargos y similares).
Una visión ácida del Japón moderno, fácilmente extrapolable a más de un país, con la excusa del reboot de uno de sus clásicos al que además sabe tratar con impecable respeto en una cinta que no decepcionará a los seguidores del mito ni a aquellos que tras haber paladeado solo los Godzilla provenientes de EE.UU. se enfrentan por primera vez al monstruo con su sabor original.
Godzilla regresa con más fuerza que nunca desde su patria original a los cines a partir del 20 de enero en el Sitges Tour de A contracorriente.