DELICIAS CELESTIALES

 

El conflicto entre el amor carnal y el amor divino es uno de esos debates de difícil resolución que sin embargo han conseguido sacar lo mejor de artistas y filósofos durante siglos. Ahí están obras como el Éxtasis de Santa Teresa para demostrarlo. Es fácil adivinar que encontró de fascinante en esta idea un director con una presencia tan grande en su filmografía del erotismo (por decirlo de un modo fino) como Paul Verhoeven a la hora de afrontar Benedetta.

Inspirada en una hecho real Benedetta nos presenta la historia de una mujer ingresada desde pequeña en un convento y que, ya en su juventud, empieza a sufrir una serie de visiones que poco a poco comenzarán a tener repercusión en su cuerpo, en forma de estigmas y otras manifestaciones físicas que muchos empiezan a considerar milagros. La película es engañosamente ambigua...si bien no ahonda en si estos "milagros" son o no reales sí nos da entender que las visiones, al menos para su protagonista, si lo son. Lo importante en realidad es como todo ello repercute en una mujerq que ante la llegada de una nueva novicia al convento, empieza a replantearse otros tipos de amor bastante explícitos a la par que que unas creencias que no abandona.

La película es benevolente con sus protagonistas, no tanto con unas altas esferas eclesiásticas inclementes que hacen afirmaciones como que un convento no es un lugar de caridad o que se dejan comprar por el mejor postor, pero que no tolerará entre sus muros una relación como la que vive Benedetta. Un crítico conflicto que se adentra en lo que empieza a ser un clima apocaliptico en toda regla (cometa incluído) con toda una epidemia de peste en las puertas.

Verhoeven consigue meter el dedo en la llaga de la polémica. Sabe en qué liga está jugando y lo hace amparado en una hermosa dirección artística y vestuario y un elenco de actrices que saben sacar lo mejor de si de una historia con altibajos. Es cierto que sigue demostrando cierto gusto por las escenas gratuitas (la embarazada), y por clima nos recuerda en más de una ocasión a cintas como la erótica Interior de un convento pero la pelicula intenta mantenerse en los márgenes de la historia de personajes. El público decidirá si este film conquista por esta o se deja arrastrar por la controversia que siempre acompaña a su autor.

Benedetta se estrena en los cines de toda España el 1 de octubre.

AMAZONAS DEL DESIERTO

 

Canciones con rima, animalillos parlantes, seres mágicos, vestidos de brillantes colores...nada de esto, que nos resulta tan familiar en el cine de animación, especialmente aquel protagonizado por niños encontraremos en Calamity.

Sin embargo en Calamity sí encontramos muchas cosas: un western, un relato de iniciación, una critica a los roles de género establecidos y mucho más. Protagonizada por un personaje cuya mayor relación con la animación hasta el momento era la adaptación del álbum homónimo en la serie Lucky Luke, la película nos lleva a los primeros años de Martha Jane Canary- Burke, más conocida como Calamity Jane.

Auténtica leyenda del oeste esta cinta no vacila en recurrir a todos los tópicos, de los pioneros a los buscadores de oro pasando por tramperos y hasta por el tercero (Huy, casi) de caballería. Pero estas son solo aspectos de etapas en las que va evolucionando una niña de armas tomar. Una auténtica heroína valiente y osada, sin pelos en la lengua y capaz de cualquier cosa para lograr lo mejor para su familia. Es el carácter fuerte de su protagonista, llena de recursos y capaz de sobreponerse, no sin esfuerzo, a todas las adversidades, es lo que realmente consigue enganchar de esta película profundamente crítica con las convenciones sociales (que, aunque ambientada en el siglo XIX son perfectamente extrapolable a nuestra sociedad). Un convincente grupo de secundarios, tanto amigos como enemigos, y una historia sencilla pero con buen sentido del ritmo dan el punto a un relato que consigue tanto entretener como emocionar.

Su cuidado apartado visual, engañosamente sencillo por el diseño de los personajes, pero que, renunciando a contornos y construyendo cada escena con una restringida gama de colores planos, nos regala unos impresionantes planos. El film se recrea en los entornos naturales y, aun contrastando con el tipo de imagen a las que el género nos tiene acostumbrados, consigue sumergirnos de pleno en el espíritu del western e hipnotizarnos a cada segundo.

Calamity es una película de esas que parecen para niños pero resultan absolutamente recomendables para adultos. Su impecable sentido de la imagen, eficaz banda sonora y carismática protagonista hacen de ella una película que debe disfrutarse en pantalla grande. El buen cine del oeste siempre lo merece.

Calamity llega a los cines el 17 de septiembre.

ZURRA Y DRAGÓN

 

Ahora que la vertiente televisiva de la Disney explora las (ahora infinitas multiverso mediante) de los personajes Marvel la gran pantalla, tras las polémicas de la tantas veces retrasada Viuda negra, probar suerte con un nuevo personaje, un nombre poco conocido pero que en breve cumplirá el medio siglo de existencia. Sus aventuras llegan bajo el título de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos.

Tomando de base un personaje en inicio sin poderes metahumanos (aunque a lo largo de su trayectoria ha usado artefactos como brazaletes de poder o los susodichos anillos) y cuya fuerza se basa en su dominio de las artes marciales parte de un arranque de tono legendario que coquetea con la revisión del wuxia estilizado en la linea de cintas como Tigre y dragón o La casa de las dagas voladoras. Un tono que nos lleva a pensar en dos cintas recientes cintas de la casa del ratón antropomorfo como son Mulán o Raya y el último dragón.

Pero este es solo el hermoso prólogo, con las raíces del protagonista: con el paso al presente la cinta adquiere un tono distinto que activa los toques de comedia marca de la casa y nos lleva a un estilo más urbano y unas peleas bien coreografiadas que saben jugar con los elementos del entorno (aunque todavía no entiendo como un moderno rascacielos de Macao tiene andamios de bambú...será que no he viajado mucho). Es esta parte quizás lo mejor de la película, con buenos guiños al universo Marvel (la lucha entre dos viejos conocidos a los que llevábamos tiempo sin ver por la gran pantalla) y algún detalle divertido (¡Ojo al poster de Kung-fu-sion!). Una acertada presentación de los personajes, tanto principales como secundarios animan un desarrollo que es puro entretenimiento, pero que pierde fuelle a medida se aproxima a un épico desenlace que va a sentar las bases para las futuras apariciones del protagonista pero que no brilla tanto, con su profusión de bichos generados por ordenador, como la parte precedente.

Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos es una más que correcta cinta de presentación del personaje. Una premisa sencilla en la que, entre tanto mamporro, intentan tirar por el lado emocional, sacando buen partido de sus actores, especialmente los veteranos Tony Leung y un Ben Kingsley que vuelve al redil de la franquicia, y logrando que hasta en algunos momentos resulte simpática una actriz tan "inclasificable" (por no decir otra cosa) como Awkwafina. Hasta logra que le perdonemos la inclusión de bicho mutante graciosillo (ese Morris que parece una creación del científico loco de South park) y la típica incongruencia de guión destinada solo a añadir emoción (¿Por qué se empeñan en ir en coche por el laberinto mortal pudiendo ir en helicóptero?). Buen ritmo y un sentido del entretenimiento sin excesivas pretensiones, aun cuando flirtea con un ramalazo de misticismo oriental, hacen de esta una cinta de aventuras que se ve con gusto aunque no cale en el espectador. Y por favor quédense hasta el final...la puerta que abre promete un futuro interesante.

Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos ya está en cines de toda España

SUSHI DE AMOR

Es curioso que mientras vemos como en el cine de animación de los últimos años sis alegres personajillos pueden cantar llamándose c***** h***p***, culminar una cinta protagonizada por alimentos antropomorfo en una orgía o llevarnos a terrenos las oscuros como la guerra de Siria todavía vuelven regularmente animes de corte romántico con una fuerte tendencia hacia lo lacrimógeno. Y la fórmula parece seguir funcionando, como quiere demostrar Josee, el tigre y los peces.

Melodrama de hermosa factura la película arranca, con matices, como una suerte de Heidi 2.0. Solitaria chica en silla de ruedas aislada en su domicilio, en parte por su carácter arisco, en parte por una abuela asustada por el mundo exterior, (aunque ignoro cuanto hay de real respecto a la situación de las personas en la situación de la protagonista en el país del sol naciente, porque parece literalmente que ni les ven) conoce a chico soñador y este, poco a poco, va sacándola de su cascarón y enseñándole un mundo lleno de posibilidades. Con una protagonista de armas tomar (su primer contacto físico es literalmente un mordisco) y un protagonista que, de puro abnegado, podríamos calificar de muchas maneras, hacen que nuestra percepción de la cinta, no vamos a negarlo, sería muy distinta si se invirtiesen los roles, presentando una relación de dependencia, forzosa en un principio, que va avanzando hasta convertirse en algo más. 

Con unos personajes y situaciones que solo son posibles en el anime y que nos sumen en una continua sensación de déjà vu la película funciona por una estética en la que destaca su diseño de escenarios (maravillosas las escenas bajo el agua) y una impecable animación. El cuidado a los detalles, como los cambios de peinado y vestuario de Josee a medida su mundo cambia, o la animación de personas y animales consiguen atrapar con una historia sencilla en trama pero compleja en sentimientos.

Aunque los protagonistas gestionen más sus emociones como adolescentes que como adultos (uno está acabando la carrera y la otra dice ha cumplido ya 24 años) no se puede negar su carisma especialmente cuando se dejan llevar por sus vocaciones. Atrapados en un drama in crescendo hasta cierto punto (ese accidente que puede cambiar la vida de ambos para siempre) su historia se ancla profundamente en el apartado emocional, con una chispa de culebrón y un atisbo de crítica social que nunca llega a florecer del todo. Imprescindible para los amantes del soho más romántico lejos ya de elementos fantásticos y otros envoltorios superficiales la película destaca su apartado visual dejando su argumento para el deleite de los amantes del amor con ganas de darle a la lágrima

Josee, el tigre y los peces llega a los cines el 10 de septiembre.

EXPEDIENTE GIALLO

 

Tengo una noticia buena y otra mala. La buena es que James Wan ha vuelto al género que nos hizo tan felices: el terror. La mala es qué la mayoría del público que se acerque a ver su último film, Maligno, no va a encontrarse precisamente con el Wan que esperaba.

Dejando en el tintero las franquiciables Aquaman y Fast & Furious si hay un nombre que se asocie a Jamen Wan ese es Expediente Warren. Horror relativamente alejado del gore, que sabe hacer un gran uso del tempo y la tiniebla y de espíritu relativamente clásico. Pero Wan también es, recordemos, autor de esa carta de amor a lo grotesco que es Insidious, de la Saw original y sobre todo de esa película relativamente olvidada y tremendamente recomendable que es El silencio desde el mal. Maligno se desplaza dentro de esta órbita, con la historia de una mujer que, habiendo perdido a su esposo e hijo nonato en inquietantes circunstancias empieza a ser testigo de unas horripilantes visiones que parecen conectarla con un asesino en serie.

Si pensamos, al empezar a ver la película, que estamos ante la típica historia casa encantada-posesiones varias estaremos lejos del auténtico tono de la cinta, y probablemente nos decepcionará. Y más tras un sangriento prólogo en la tradición masacre en el manicomio pero que va a abrir paso enseguida a un primer asesinato en la linea de ese terror escalofriante, jugando con sombras que aparecen y desaparecen y con un gran juego con la profundidad de campo, y al que su director tan bien nos ha malacostumbrado. Pero los tiros no van por ahí. Maligno es una revisión del giallo en toda regla, coqueteando, sin abusar, con colores estridentes, de la música con matices electrónicos y sangrientos primeros planos.

Un perfecto descenso a la locura menos sorprendente de lo que pretende (a poco que estemos atentos ya en los primeros minutos adivinamos el desenlace. Y aunque aquí no la nombraremos por ser un spoiler en toda regla nos recuerda a una querida cinta de culto de 1983) pero que convence al convertirse en todo un tren de la bruja al que hasta les perdonamos sus incongruencias temporales (hay un momento en el que uno de los personajes es llevado una celda y, visto el respetable, parece que ha viajado en el tiempo a finales de los 70) entre otras (los poderes "ninja" del asesino, con unos efectos especiales en más de un momento que rozan lo cutre). Un sangriento y alocado festival que constituye una cariñosa carta de amor a las bizarras tramas del giallo clásico, y que aunque nos hace añorar todavía al Wan más terrorífica nos da esperanza en un autor que parece no haber sido abducido del todo por el Hollywood más comercial.

Maligno ya se puede ver en cines de toda España.

 

ACUÉRDATE DE MÍ (PAGANDO)

 

Tengo que confesarlo, pocos titulos se me antojan más bien puesto que el de la película que me ocupa hoy: Reminiscencia. No solo por el mero hecho de que esta cinta futurista tenga como protagonista a un hombre cuyo modo de vida es hacer que sus clientes revivan sus recuerdos más felices. Por desgracia el asunto va un poco más allá.

Ambientada en un futuro distópico en la subida del nivel del mar ha inundado total o parcialmente varias ciudades (no por favor, no digan Waterworld...no llega tanto la sangre al río) y el calor hace que la gente viva principalmente de noche (algo que se revela más como una opción estética como realmente clave para la trama) Reminiscencia cuenta la odisea de un hombre por descubrir que pasó realmente con la mujer que amó, cantante en un club, y que desapareció repentinamente. Probablemente leyendo esto a más de uno ya le esté entrando una ligera sensación de déjà vu (y también soy consciente que hay una película con este título) pero es que esa sensación no va a abandonar al espectador desde el minuto uno de visionado. ¿Voz en off?¿Mujer fatal?¿Veterano de guerra marcado por su pasado?. Todo esto aquí y más, y no como mero y puntual homenaje a nuestro tan querido cine negro clásico, sino articulando la película casi como copia descarada, pero mal hecha y no por falta de medios (que se nota que los tiene y muchos) sino que casi parece por desgana, desviando toda originalidad a ese modo de recuperar los recuerdos que, sin embargo, nos recuerda a la muy recomendable Minority report.

No recuerdo quien decía que una de las claves para hacer una buena actuación en una comedia (en concreto en un spoof) era tomárselo en serio. El trío protagonista de esta película, que sin embargo no pertenece, al menos voluntariamente, al carcajeante género, Hugh Jackman, Rebecca Ferguson y Thandie Newton, intentan (y en cierto modo consiguen) mantener el tipo en una cinta que logra suscitar muchos momentos de vergüenza ajena. Escenas tan sonrojantes como aquella en la que la pareja se conoce porque ella necesita acceder a sus recuerdos para encontrar sus llaves (excusa en la linea del manual de ligoteo para novatos del tipo " te llamo porque se me ha perdido tu número de teléfono"), diálogos grandilocuentes (de traca el relativo a Orfeo y Eurídice) y peleas con tendencia al deus ex machina son las perlitas de una cinta con tendencia a los giros de guión pretendidamente sorprendentes pero que solo consiguen embarullar que hacer avanzar la historia.

Reminiscencia aspira al aroma clásico pero acaba oliendo a perfumes menos agradables. Ni funciona como ciencia ficción ni da el pego como thriller, quedando un producto para fans acérrimos de Hugh Jackman...de esos que hasta aplauden las entregas más vergonzantes de Lobezno.

Reminiscencia ya está en cines de toda España.

DIABÉTICAS ENSANGRENTADAS

 

Siendo como suele ser el terror un género tan denostado por la academia sorprendió a propios y extraños cuando Jordan Peele se llevó en 2017 el Óscar al mejor guión original. Un premio que marcaría su carrera, encauzándola por el momento al mundo del horror tanto como director (Nosotros) como guionista y productor, de esos que eclipsan la figura del auténtico realizador como sucede con Candyman, dirigida por Nia DaCosta.

Sin ser tan popular o icónico como Jason, Freddy y compañía Candyman es sin embargo una figura clave en el cine con psicópata, a lo que sin duda contribuyó la interpretación de un carismático Tony Todd que en los últimos años se ha convertido en carne de cameo en más de una ocasión (Destino final, Hatchett, Hell fest...). Este nuevo Candyman bebe directamente de la cinta original, obviando sus secuelas, haciendo que aunque no sea estrictamente necesario haberla visto si hace que está sea mucho más disfrutable.

Candyman, tras un ligero flashback que presenta el primer alarido y resulta mucho menos gratuito de lo que parece en un primer momento, se toma su tiempo en revelar su cara más terrorífica. In crescendo, intentando profundizar en los personajes antes de presentar el primer cadáver, la película es una casi onírico descenso a los infiernos que no vacila en sacar el mejor provecho de los atributos de su villano, desde los espejos dé los que surge nuestro villano a las abejas que fueron clave para su nacimiento como torturado ejecutor. Aunque no renuncie a los efectos de sonido estridentes para asustar el respetable o a algún guiño gratuito al slasher con adolescente (que parece que yano se puede hacer terror sin masacrar a un puñado de quinceañeras) Candyman pretende jugar en otra liga, jugando con las elipsis y el fuera de cámara, permitiéndose alejar la cámara o retrasar su aparicióna la hora de presentar las escenas más explícitas, o incluso sumir la pantalla en la más completa oscuridad, todo para que el espectador no se límite a saltar en su asiento, sino que vea como el tiempo se dilata hasta llegar al esperado susto de turno.

Así este nuevo Candyman destaca por el cuidado de su puesta en escena. Un buen conocimiento de los mecanismos del horror que se recrea en sus escenarios con un inteligente uso de reflejos e iluminación (el asesinato de la galería) que dotan de personalidad a una historia que coquetea con el género de las posesiones pero sin renunciar a la hemoglobina.

Candyman, película reivindicativa que hace que el trasfondo social hilvanado en la original adquiera plenitud en la era de #blacklivesmatter, es una buena secuela disfrazada de reboot. Menos transgresora de lo que pretende y con un final que, aunque lógico, en más de un momento se les va de las manos, sin embargo consigue salir airosa con la belleza de sus planos (a destacar esas hermosas marionetas de sombras que podemos ver tanto a lo largo del metraje como en los títulos de crédito. Por favor, quédense hasta el final) y su buen sentido del ritmo. Una convincente invitación para revisar la original y una buens demostración de que aun a la hora de continuar sagas una película puede encontrar su propio.lenguaje.

Candyman ya está en cines de toda España.