KRAVEN EL CAZADOR. La isla del Dr. Kravinoff.

 

No hay dos sin tres. Tras ponerse el mono de Kick-Ass y las zapatillas de Mercurio solo era cuestión de tiempo que Aaron Taylor-Johnson probara suerte con otro personaje comiquero. Y ese no ha sido otro que una de las figuras más conocidas del spiderverso: Kraven, el cazador.

Aun siendo uno de los villanos emblemáticos del trepamuros el Kraven que nos presentan lejos está de ser un villano, en esta línea que se ha ido apoderando del mundo de la ficción superheroica de los últimos años que es la del antihéroe. Sin negar en absoluto que es un film de acción, con unas persecuciones y saltos que nos hacen pensar que nuestro protagonista acude al mismo gimnasio que el hombre araña, desafiando a la gravedad y sobre todo a la lógica, el meollo de la historia aboga más por el conflicto familiar de toda la vida. Bajo la sombra del suicidio de la madre de Kraven tanto él como su hermano, un imitador nato (los amantes de los cómics no se dejarán sorprender ni por esto ni por una de las revelaciones finales) van a enfrentarse a las expectatinas de una figura paterna encarnada por un Russell Crowe que consigue mantener la seriedad y el tipo en un film que en más de una ocasión no brilla por su coherencia. 

Kraven el cazador es una cinta con un arranque más que correcto, que parece abrir un producto interesante, mostrando como el protagonista se infiltra en una prisión rusa (también tengo que decir que será mala idea por mi parte pero bajo mi concepto es su versión cinco estrellas) para llevar a cabo una misión. Una pieza de cierto toque jamesbondiano, con su puzquita de chulería, que puede verse de manera independiente y es buena presentación de un personaje que sin embargo parece estar en las antípodas del Kraven de los cómics. Pero lo que vendrá a continuación, flashbacks incluidos, se va a convertir en un batiburrillo de peleas, animales en estampida, matices misteriosos que llevan a poco (esa suerte de vacíos de memoria que ayudan a uno de los personajes a desaparecer) y alguna chispa sentimental enfocadas a mostrarnos como Kravinoff se convierte en el Kraven que todos conocemos y podríamos amar. Sin embargo un conjunto que confunde el frenesí con el ritmo, unos diálogos sin chispa y unos personajes con poco carisma no ayudan a una película a la que le cuesta retener el interés del espectador a pesar de un director y un reparto que parecían dar para mucho más.

Entre unas coreografías y efectos especiales que flaquean el manto de cazador,  a pesar del buen sabor de boca que dejaba el cartel original, le queda grande a Taylor- Johnson. Con un desenlace que podría anticipar una continuación interesante que por desgracia parece nunca tendrá lugar Kraven se une a ese universo expandido en el que Morbius o Madame Web tampoco tuvieron excesiva fortuna. ¿Ganarían más si los uniéramos a todos en la misma película? Probablemente sí...por desgracia nunca lo sabremos.

Kraven el cazador llega a las pantallas españolas el 13 de diciembre 

ANSELM. Crear o no crear

 

Aunque siempre invite a la coda "de animales" el género documental, aún lejos de la popularidad de la ficción, es uno de esos caramelos ácidos que muchos directores clásicos son reacios a saborear. Nada más lejos en el caso de Wim Wenders. Cuando todavía tenemos fresca la nominada al Oscar "Perfect days" regresa con una pieza dedicada a uno de los autores más controvertidos del arte alemán contemporáneo, Anselm Kiefer, cuyo título no puede ser otro que "Anselm". Desde sus primeros minutos esta se defiende como una película de sensaciones. Solo imagen y sonido, con unos esporádicos susurros que en inicio nos resultan inconexos. Al menos hasta que aparece la estrella de la función, el artista en persona, al que una cámara de espíritu voyerístico nos va aproximando poco a poco. Inmerso en su taller nos puede parecer que vaga, casi diríamos que juega, entre las paredes del inabarcable taller donde da pie a un proceso de creación que se antoja entre el azar y lo mecánico, y en el que cualquier elemento, de la pintura a ropa, pasando por plantas, pueden formar parte de una obra de arte.

La vida de Anselm no va a presentarse de modo convencional. Imágenes de archivo, recreaciones, escenas cotidianas y otras oníricas van a configurar la semblanza de una figura no carente de polémica que encuentra las raíces de su obra en la parte más oscura de la historia del siglo XX en Alemania. Es imposible no sentir un mínimo de curiosidad por una trayectoria como la suya, se conozca su figura previamente al visionado o no en un metraje en la que la narración va pasando de lo abstracto a lo concreto.

No es preciso ser un conocedor de la obra de Kiefer ni un entendido en materia de Bellas Artes para dejarse hipnotizar por este juguete audiovisual entre la mitología, la II Guerra Mundial y el verso de Celan, en el que las ascuas del conflicto todavía arden bajo la amenaza fantasma de aviones con nombre de ángeles terribles, pero en el que siempre habrá tierra para que crezcan los girasoles. Wenders se defiende una vez más como poeta de la imagen con un film que sin ser de los más redondos de su filmografia resulta tan ameno como hipnótico. Estoy convencida de que, después de esto, aquellos que desconocían la existencia de Anselm Kiefer van a tardar mucho en olvidarlo.

"Anselm" llega a los cines españoles el 13 de diciembre.

WINNIE THE POOH: EL BOSQUE SANGRIENTO. Ni feos ni hermosos.

 

Había una vez que los cuentos más o menos clásicos daban para alguna parodia o como mucho para algún porno cutre más o menos imaginativo. Pero fue caducar una serie de derechos de autor, vinculados a cierto creador presuntamente congelado, y abrirse la cubitera de los truenos.

Por ello independientemente de su (nula) calidad y de su (relativo) éxito el que fuera objeto de secuela amén de dejarlas solo era cuestión de tiempo y apenas un año después llega Winnie the Pooh: El bosque sangriento.

La historia arranca del desenlace de la primera. Como si una chocante versión de Dr. Sueño se tratase Christopher Robin intenta olvidar la pesadilla de la primera (nosotros también) refugiándose en la praxis de la medicina pero el la sospecha de que el es el asesino en un universo en el que también existe la cinta original su fama le persigue. Y por supuesto los alegres animalitos del bosque vuelven tras el con dos nuevas incorporaciones, Tiger y un búho al que cuesta reconocer con un look entre el buitre de Spiderman low cost y la Angélica Huston de las brujas (y al que le gusta oírse más que a un tonto un chupachups, sin conseguir pensar en voz baja), dispuestos a que la sangre corra en un mundo en el que las leyes de la física parecen meras sugerencias.

Con un reparto en el reverso del actore's studio, que confunde el terror con el pasmo o declaman con la expresividad de una pieza de bollería (después de todo hasta un donut lo hace mejor, ya que sabe poner cara de asombro aunque sea con el agujero), unos efectos especiales ligeramente más currados que la original (tampoco sin emocionarse) y algún decorado que podría haberse escapado de una peli de tarde la nueva entrega de Winnie the Pooh mejora a su predecesora. Claro que tampoco era tan difícil.

Más grande, más larga y con muchos y sangrientos cortes este nuevo Winnie the Pooh intenta ampliar y dar profundidad a su imaginario con un pie en uno de los clásicos del fantástico, que no mencionaré por dejar que el espectador se sorprenda, en una idea tan loca como simpática que es uno de los pocos aciertos en una macedonia que salpica, se atraganta y repite más de una fruta.

Winnie the Pooh es una cinta sin complejos en la que lo mejor con diferencia son los dibujos que acompañan a los créditos finales y que auguran el futuro de esta pseudofranquicia que amalgama fábula y gore. El resto sólo puede y debe ser visto con sentido crítico y muchas ganas de cachondeo, disfrutando de como decenas de personajes van cayendo por pecados tan beniales como estar en el lugar equivocado o ser un mal amigo. Para ver por la propia cuenta y riesgo del espectador y si es posible con ositos de gominola. Avisados quedan...y mientras la tercera parte ya se asoma por el horizonte. Tiemblen tras haber reído.

Winnie the Pooh: El bosque sangriento ya esta en cines.

EL ANGEL DE LOS POBRES. La vocación del padre.

 

Hay personas, como decía una célebre línea cinematográfica, que solo desean ver el mundo arder. Otras por el contrario desean de hacer de este un lugar mejor. Polémicas aparte, debido sobre todo a un escándalo destapado recientemente que no se conocía en el momento de rodar la película y que por supuesto se refleja aquí, el abbé Pierre, título original de la cinta, se puede considerar de las segundas, de tal modo que se ganó el apelativo de "El ángel de los pobres".

En la línea de la todavía reciente "Caprini. Una mujer italiana" el film se puede considerar una hagiografía en toda regla por mucho que no incida especialmente en la vertiente religiosa de su protagonista. Cierto que la vida del célebre filántropo da de sobra para una película, con su paso por la orden de los capuchinos, su participación en la resistencia en la II Guerra Mundial y hasta su supervivencia a un naufragio, pero esta aproximación en más de una ocasión acelerada a la vida del padre, que arranca de todo un paisaje apocalíptico que pronto descubriremos es meramente metafórico, no parece saber sacar partido de todos estos ingredientes. Nos queda una película correcta con algún momento realmente emocionante como el discurso que el Abbé Pierre pronuncia en la radio para pedir ayuda durante el terrible invierno de 1954 (escalofriantes las imágenes de archivo), y que además cuenta con una cuidada dirección artística y un buen maquillaje que hace creíble el lapso de los años. Pero en el fondo estamos ante una obra a mayor gloria de su protagonista que supone una buena aproximación para aquellos que sientan curiosidad por una de las figuras más famosas del siglo XX francés, para amantes de la historia en general y del cine religioso en particular, aunque sin excesivas expectativas.

"El ángel de los pobres" es más valioso por su mensaje que por su forma. Dejando muy claro que la labor de los herederos del Padre Pierre es tan necesaria ahora como cuando se fundó la asociación, a pesar de un último plano que resulta terriblemente forzado, la solidaridad se erige como un principio básico cuando no todos los seres humanos cuentan con lo necesario para vivir dignamente. Esta es una obra que deja huella aunque más por el tema que presenta que por como lo hace, pero que da para debate y si consigue que una sola persona se plantee su papel en el mundo como lo hace más de un personaje logrará algo a lo que el noveno arte siempre ha aspirado: trascender.

"El ángel de los pobres" llega a los cines el 8 de noviembre.

EL MINISTRO DE PROPAGANDA. La noche de los manipuladores.

 

Por larga que sea la historia de la humanidad la gran cicatriz que dejó en la faz del mundo la II Guerra Mundial sigue siendo la base de numerosas obras de ficción que demuestran que el horror no se puede dejar atrás. Buena muestra es esa impactante "La zona de interés" que impactó y se llevó premios a partes iguales, capaz de triturar al espectador más curtido sin ver nada, y que entra dentro de esa corriente en la que los verdugos, como en "Hundimiento", acaparan el protagonismo. La última en llegar es una producción alemana protagonizada por uno de los nombres más infames y conocidos del conflicto, Goebbels, con una historia destinada a demostrar que hay cosas que no debemos olvidar para evitar, aunque parezcamos condenados a ello, repetirlas: "El ministro de propaganda".

Creativa traducción del original "Fúhrer und verfúhrer" (algo asi como führer y seductor) la cinta abre con una sutil escena en la que mientras Hitler surge de las sombras su ministro de propaganda y familia pasan a sumergirse en ella. Este extraño abismo que nos devuelve la mirada es, como sospecha el espectador avezado, el bunker en el que parte de la cúpula del partido va a encontrar su tumba, buena y escalofriante metáfora de lo que está por venir. Pero no hay que adelantar acontecimientos, ya que la película nos va a llevar a la Alemania previa al comienzo de la guerra para presentarnos a un Goebbels superado por su propia ambición, convertido un poco a su pesar en simbolo como pieza de lo que habría de ser el concepto de familia ideal para el Reich, junto a Magda y sus hijos, frente a un Hitler soltero (algo que afectaría profundamente a su vida personal al no ser un matrimonio precisamente bien avenido) pero que esta dispuesto a todo con tal de ser el primero solo por detrás del Führer.

La película nos llevará así por todo un mundo de manipulaciones en la que hasta lo más nimio se aprovecha en pro de la imagen del partido, en el que lo que interesa se magnifica, los discursos se pulen hasta lo que parece un desliz improvisado y el cine jamás será un mero entretenimiento. Y junto a esta distorsión de mensajes y valores podremos ir viendo en forma de imágenes de archivo todas las consecuencias de las acciones de un hombre que sin empuñar un arma, solo su lengua, consigue cosificar a millones de seres humanos para reducirlos a nada y a otros millones para convertirlos en herramienta del odio más irracional.

Con vocación de recreación documental " El ministro de propaganda" es una película sencillamente terrorifica. Desde ese Hitler que firma sentencias de muerte mientras come tarta a esas imágenes reales que invitan a apartar la vista esta cinta además de una buena aproximación histórica es una obra que nos muestra una nueva facción de un periodo que creemos conocer bien. Con una eficaz ambientación, aunque sus valores formales palidecen frente a la fuerza de su mensaje esta es una pieza que por desgracia resulta totalmente necesaria. Lejos del secundario recurrente o la figura casi caricaturesca de títulos como "La niña de mis ojos" este Goebbels demuestra mientras asistimos a episodios tan emblemáticos como la operación Valquiria o la derrota de Stalingrado como la pluma en más poderosa que la espada y se transforma así en arma terrible. Una película poderosa, para amantes del buen drama histórico, que se cierra con el testimonio de una superviviente del holocausto que ni ha perdido ni perderá vigencia y que terminará de desarmarnos por completo. Esta biografía duele y hace pensar. Nos corresponde a  nosotros decidir si aceptamos su lección.

"El ministro se propaganda" llega a los cines el 29 de noviembre.

EL CLUB DE LOS MILAGROS. La cancion de Maggie

 

Por suerte las cosas han cambiado mucho pero durante décadas lo más parecido que ha tenido más de un ama de casa a un lugar de esparcimiento ha sido la iglesia. Con su pequeño grupo de habituales, el confesor por placebo de psicólogo y todas las actividades adicionales, algunas incluso en forma de excursión, la casa parroquial, connotaciones religiosas aparte, se erigía como un refugio lejos del marido y los hijos donde no sólo ser esposa y madre a tiempo completo, con el plus de que encima no estaba mal visto sino más bien al contrario.

Así son las protagonistas de "El club de los milagros", cinta ambientada en la Irlanda de 1967 en la que cuatro mujeres, tres de ellas con un turbulento pasado en común, ven en un viaje a Lourdes organizado por la parroquia un clavo ardiendo al que aferrarse porque todas, aunque más de una en principio no lo sepa, necesita a su manera un milagro. En forma de drama pero con importantes dosis de comedia está fábula sobre la esperanza aporta muchos mecanismos del melodrama clásico, en una película coral de premisa sencilla, pero que intenta apelar al componente emocional gracias a unas actrices con carisma (especialmente en los casos de Bates y Smith, esta en uno de sus últimos papeles) y un guión con más pimienta de la esperada, como en esa escena en las que las protagonistas hablan sobre el aborto o aquella en la que una expresa sus dudas respecto al poder milagroso del lugar.

Aunque se intuye ante el resultado que, de no ser por sus experimentadas protagonistas capaces de emocionar en el drama y arrastrarlos con una bis cómica en más de un momento inesperada (por otro lado desaprovecha mucho a esos maridos sufridores en casa que prometian mucho juego), es de esas películas que se pasea peligrosamente por la línea entre el film de autor y la cinta de sobremesa, con sus bonitas panorámicas de Lourdes y el pueblo costero del que proceden las protagonistas y su niño que no habla, "El club de los milagros" no deja de ser una aspirante a feel-goood movie que  deja un ligero gusto agridulce. Breve pero certera nunca llega , aunque lo plantee, a moverse por derroteros excesivamente sangrantes ni demasiado timoratos. Una película en la que lo divino es una mera excusa para hablar sobre lo humano, algo que no es nuevo pero que, en el fondo, jamás sobra.

"El club de los milagros" llega a las pantallas españolas el 18 de octubre.

TRANSFORMERS ONE. Ex-amigo mío

 

Es un poco tirar piedras hacia mi propio tejado pero cuando oí por primera vez que, tras tantas cintas de imagen real, se avecinaba una película de animación de los Transformers me entró un ligero resquemor. Y digo contra mi propio tejado porque durante mi niñez me fascinaba esa serie que también enganchó a muchos y que por supuesto era de dibujos animados. 

Ahora corren otros tiempos. Lejos ya de la animación tradicional llega una película con nombres de la talla de Michael Bay o Spielberg detrás y bajo la batuta del director de "Toy story 4" (que sin estar a la altura de sus 3 predecesoras sigue siendo un film más que recomendable), y con un doblaje en su versión original cuyos intérpretes son de sobra conocidos con Chris Hemsworth a la cabeza. Así estamos ante una cinta que aspira a la primera división tras unas últimas entregas titubeante, y lo hace por la vía de la precuela, para contarnos como Optimus Prime y Megatron, héroe y villano de la función, llegaron a convertirse en loa personajes que conocemos.

"Transformers One" nos conduce a un Cybertron distópico en el que en plena tradición metropoliana una parte de la población vive en la superficie y puede transformarse en diversos vehículos otra vive bajo tierra dedicada a la minería y carece de la posibilidad de este cambio. Todo bajo el aparentemente benévolo gobierno de Sentinel Prime, último superviviente de su clan y buscador impenitente de la matriz del liderazgo, un artefacto que traería la abundancia al planeta. Pero como el buen espectador sospecha no todo es lo que parece y el villano de la funcion es quien menos se espera...y no me refiero al lider de los Decepticons.

Los llamados a ser Optimus Prime y Megatron son dos de estos mineros relegados al último lugar en la cadena. Inseparables hasta el último tercio de la cinta van a enfrentarse a todo un viaje del héroe en el sentido más clásico del género pero sus visiones van a chocar haciendo que acaben tomando dos caminos muy distintos, en plena línea del Profesor X- Magneto. Así mientras el primero se muestra como un bueno de manual hasta el último momento lo que más sorprende es el descenso a los infiernos de Megatron, en una evolución tan lógica como siniestra.

Aunque por supuesto vamos a encontrar las típicas concesiones a la galería (la carrera) y ese tipo de humor, en ocasiones un pelin desfasado y sobre todo centrado en el personaje de Bumblebee, este regreso al universo de los Transformers nos presenta una trama más oscura de lo esperado, que brilla especialmente en su introducción y desenlace frente a un nudo que adolece de un ritmo menor, con una base de ciencia ficción clásica en la que no faltan escenas de acción frenética en la que se combinan decenas de personajes, con una animación en la que destacan las texturas de sus personajes.

"Transformers One" es tanto una buena película para los fans como para aquellos que se inician en los personajes. Una historia sencilla pero con detalles que conquistan y que aportan una fuerte carga emocional a un universo que creemos de sobra conocido. Sé que en realidad nunca se fueron pero no se puede decir más claro: los Transformers han vuelto.

"Transformers One" llega a las pantallas españolas el 20 de septiembre 

JUSTICIA ARTIFICIAL. Testigo de largo

 

Aunque de entrada pueda no parecerlo cualquier expresión artística es hija de su tiempo. "Justicia artificial" no puede ajustarse más a ese término y, en este caso por partida doble, aunando dos mundos que ahora son pura carne de telediario como son la justicia, en el marco del derecho que no superheroica, y la inteligencia artificial. La grapa destinada a unirlas es un thriller de manual.

Pieza especulativa, la película nos presenta una España en la que se ha convocado un referéndum destinado a decidir si se aprueba que todos los procedimientos judiciales se decidan a manos de una compleja IA. Si bien no marca fecha concreta y el apartado futurista se reduzca a la asesoría, que no decisión, de una IA en los juicios y una automatización casi total de los medios de transporte y vigilancia que hacen que el futuro que presenta pudiera ser pasado mañana por la tarde la idea inquieta por su poso realista.

Pero la cinta no es un documental (aunque su director sí trató el tema en uno) sino que apuesta por una historiaa más convencional, presentando una trama en la que la principal artífice del proyecto y que todavía duda si se están apresurando muere en extrañas circunstancias, propiciando que una juez, vieja conocida suya,  se vea envuelta poco a poco en una trama de corrupción con encuentros clandestinos e inesperados aliados y cambios de chaqueta.

"Justicia artificial" se mueve entre un debate ético que puede dar mucho juego y lo convencional, aunque lo aborda de manera desapasionada, con unas interpretaciones que se mueven en una frialdad de la que pocos personajes escapan, como esa protagonista a la que finalmente atrapa la angustia, y una fotografía con tendencia a la monocromía cuyo cromatismo básico nos acerca más a la ciencia ficción distópica. Una película ambiciosa, pero que no saca todo el partido posible a una idea ganadora, a la par que lastra su ritmo con las numerosas escenas de práctica de natación de su heroina.

"Justicia artificial" se erige como una película correcta pero abarca más que aprieta. Jugueteando con varios géneros y dejando la puerta abierta al diálogo posterior a su visionado esta es una de esas obras que podría haber dado para mucho más, con un buen plantel de actores y la actualidad por bandera. Pero se queda en un juego detectivesco en el que el espectador va por delante de sus personajes y le deja con las ganas de lo que pudo haber sido y por poco no llegó a ser. Que el público la juzgue.

"Justicia artificial" llega a los cines el 13 de septiembre 

¡DAAAAAALI! Ceci est un artiste

 

Pocos artistas han estado tan vinculados al cine como Dalí. Participante en numerosos proyectos propios y ajenos, con nombres tan grandes que solo necesitan apellido como Buñuel, Hitchcock o Disney, y más de uno que no llegó a ver la luz, y capaz de incorporar algún elemento cinematográfico a su pintura Salvador Dalí tampoco desentonó en sus contadas apariciones como personaje en cintas como "Buñuel y la mesa del Rey Salomon". En manos de un cineasta tan inclasificable como Quentin Dupieux por supuesto es pura pólvora.

"Daaaaaalí!" no es una cinta biográfica en absoluto. Es más, su guión puede reducirse a la odisea de una periodista para lograr una entrevista con el genio, que como el espectador sospecha, vive en su propio mundo paranoico- crítico. Es una película que podría ser, sencillamente, Dalí visto por Dalí. Estamos ante un juguete surrealista, un terreno en el que su director sin duda se siente cómodo y en el que, a la par que le quita seriedad tanto al imaginario (la pintura "del natural", escena impagable) como a la figura de un artista encarnado por media docena de actores, algunos con relativo parecido con el pintor, otros que solo se le parecen en el bigote se deja abducir por el espiritu dalidiano. Y los sumerge en un universo en el que un pasillo se hace inabarcable, llueven perros muertos y en el que en cualquier momento puede aparecer un cowboy dispuesto a pegarle un tiro a un obispo entre ceja y ceja. Un lugar en el que nada tiene sentido porque todo lo tiene si seguimos su particular lógica, y en el que sin duda Dali se sentiría cómodo. 

Porque esta película no es sino un viaje que prueba que Salvador Dalí es más que una persona. Es casi, podría decirse, una marca, un modo de entender las cosas: un espíritu transgresor que se instala en el continuum de la existencia, contaminándola y generando momentos más dignos de un spoof que de una comedia convencional (esos periódicos que atraviesan continuamente la cuarta pared). Un laberinto plagado de guiños visuales a su trayectoria pictóricos al compás de una repetitiva partitura del que cuesta salir.

Como la mayoría de la obra de Dupieux, y a pesar de su brevedad, adolece de cierta falta de ritmo. Pero también estamos ante a una cinta que a pesar de tomar como enseña un personaje histórico es una obra tremendamente personal, de cuidada dirección artística y con todo el surrealismo y humor negro al que nos tiene acostumbrados el autor, que siempre defenderé es de esos que se aman o se odian. Sus fans encontrarán en ella todo lo que buscan y más, el resto un egocéntrico delirio que exige una gran suspensión de incredulidad y que les llevará a perderse entre el humor y el onirismo. Sencillamente un Daaaaaalí digno de Dali, y ¿por qué no decirlo? de Quentin Dupieux.

"Daaaaaalí" llega a los cines españoles el 25 de octubre.

EL 47. El ángel sobre ruedas

 

El trailer de "El 47" es una de esas piezas que dejan al posible espectador la sensación de que nos ha contado la totalidad de la trama de la película que presenta, hasta su mismo desenlace. Pero aunque la historia de un conductor de la linea de autobuses de Barcelona, que secuestró un coche de línea para demostrar que sí era viable que el transporte público llegara al apartado barrio de Barcelona en el que vivía es la excusa para presentarnos el fresco de unas gentes de las que nos separan apenas medio siglo largo, pero que se nos antoja mucho más lejano. Un viaje tan difícil como la cuesta que conduce a ese barrio de Torre Baró, pero un recorrido que merece la pena.

Aunque se ambiente en un lugar muy concreto "El 47" fácilmente podría localizarse en cualquiera de esos barrios periféricos de las grandes ciudades, nacidos como pura agrupación de chabolas, en los que muchos emigrantes de otros puntos de la península, afectados por las consecuencias de una posguerra demasiado larga, buscaron una vida mejor. Hogares hechos a manos, con calles sin pavimentar, a los que poco a poco y no sin dificultad irían llegando el teléfono, la electricidad y el agua, no siempre caliente y no en todas las casas. En los que bajar a la ciudad a trabajar o simplemente a comprar constituye toda una odisea y en los que mientras en el resto de la ciudad se disfruta de "La guerra de las galaxias" en su amago de plaza Mayor se proyecta "Esta voz es una mina". Lugares que, como define su protagonista, precisan dignidad. Y aunque el elemento más visible de esa dignidad es ese autobús número 47 que da título a la película este solo es la punta del iceberg.

Estamos ante cine social con mayúsculas. Pero aunque este término suele forjar en nuestra mente una imagen muy concreta si hay algo que hace que este destaque y consiga apoderarse rápidamente del interés del espectador es la empatia que generan sus personajes. Algo que consigue gracias a un guión rico en matices que sabe jugar perfectamente en su bien nivelada alternancia de drama y comedia, con una trama que se absorbe en un suspiro. Y sobre todo gracias a unos personajes que son puro corazón, de los principales a los secundarios. Aunque si alguien se lleva la parte del león ese es un Eduard Fernández que logra crear un personaje atemporal. Haciendo gala de un acento extremeño que maneja en castellano y un catalán que su personaje afirma haber aprendido por amor (algo a lo que se puede poner pocos peros) su conductor de autobús, de gafa de sol perpetua y mancha de sudor en la camisa al que no cuesta imaginar entrando a pedir en cualquier bar un café con leche largo de café simplemente conquista. Un auténtico idealista capaz de llevar sus ideas hasta la últimas consecuencias, primero por la vía diplomática, luego por la administrativa y por último per collons. Porque no le queda otra.

Pilar de su comunidad y de la película Fernández nos sabe conducir por un film por otro lado, coral, en el que cada personaje tiene su propio drama. Pero la cinta si bien destaca por el lado emocional, con alguna escena realmente dura en la que se sugiere más que se cuenta (el incendio), el apartado técnico no se queda atrás, con una engañisamente sencilla pero impecable dirección artística y una cuidada fotografía con la que juega en más de un momento con un acabado añejo. 

"El 47" supone una más que agradable sorpresa en nuestra cartelera. Crítica social que no riñe con el entretenimiento y que consigue apoderarse de un espectador al que no le cuesta ver los ecos de las historias familiares de muchos y que se va a encontrar la huella alargada de un pasado que aún perdura en muchos sitios. Pero también una obra sobre la solidaridad, el valor de pertenecer a algo y la tenacidad. Con T de Torre Baró.

"El 47" llega a los cines el 6 de septiembre.

THE VOURDALAK. ¿A quién está matando el moñeco?

 

Hay una materia en la que tengo que reconocer que soy como una niña pequeña: me encantan las películas con marionetas. No me refiero a los muppets y similar, ficciones orientadas principalmente al público infantil entre las que no puedo negar hay piezas deliciosas, sino a aquellas piezas orientadas al público adulto que ceden a los títeres el total o parte de los papeles del reparto como la reivindicable "Team America" o " Jackboots on Whitehall" (con una trama alternativa en torno a la II Guerra Mundial), por no mencionar la controvertida "¿Quién está matando a los muñecos?" y si se me permite atravesar la frontera del surrealismo "Gritos en el pasillo", la primera y hasta el mentó única cinta protagonizada por frutos secos. "The Vourdalak" basado en un cuento de Tolstoi (no ese Tolstoi) se une a esta plantilla con una obra que aúna seres humanos y marioneta en un gótico cuento en torno la figura del vampiro.

La trama le sonará a cualquier amante del género: viajero perdido en siniestra zona fronteriza busca refugio en peculiar mansión local, sólo para descubrir que esta oculta un secreto que amenazará con arrebatarle la cordura primero y la vida después.  Una historia que no deja de remitirnos tanto a la escuela Corman y derivados como a esa época en que el cine francés nis regaló una buena tanta de peliculas de corte fantástico y ambientación histórica como "El pacto de los lobos", solo que en esta ocasión con menos acción y menos presupuesto.

Con el toque exótico que aporta la familia que va a ayudar a nuestro héroe, entre lo magiar y lo romaní frente a un protagonista ataviado a la moda francesa, rostro enpolvado incluido, en un escenario que se pierde entre un bosque inhóspito y una vivienda que se antoja ermita abandonada "The Vourdalak" tiene, aunque sencilla, una marcada voluntad estética. Y si hemos sido buenos y asistido a un ligeramente inquietante prólogo que en ningún momento se va a salir de los márgenes de lo esperado asistiremos a la llegada del gran protagonista de la función: el Vurdalak propiamente dicho.

Un ser que se pasea a la luz del día y el perfecto híbrido entre el Nosferatu de toda la vida y un esqueleto y que no oculta en ningún momento su condición de títere. Ese es el momento en que el espectador debe optar por la carcajada y tomarse la cinta a cachondeo o dejarse atrapar por esta figura fascinante, a tamaño natural y de voz profunda que nadie en ningún momento podría confundir con una persona real, pero que se va a apoderar del resto del relato, dejándonos imágenes tan hermosas como aquella en la que se alimenta de una de sus víctimas arrastrándose desde una oscuridad absoluta.

"The Vourdalak" es un delicioso cuento de terror para niños grandes, parco en sorpresas pero rico en atmósfera. Una rareza para los amantes del fantástico más clásico que van a disfrutar de una obra que es buena aunque tímida heredera del cine de monstruos de la hammer, dejando un sabor agradable pero no invasivo. Y sobre todo un personaje tan grotesco como memorable digna de incorporarse al panteón de los vampiros más originales del septimo arte.

THE CROW. Lover kills world

 

Saben bien los coreanos todo lo que da de sí una buena venganza. Pero occidente, con personajes como Batman o el Conde de Montecristo, del que recientemente ha llegado una más que recomendable nueva versión, no se queda atrás. Salvando las distancias hace ya 30 años se unió un nuevo personaje proveniente del mundo del cómic que pronto, en parte gracias al aura maldita que adquirió debido a la trágica muerte de su protagonista, alcanzaría gran popularidad. Me refiero por supuesto a "El cuervo", de la que, como muchas hermanas de generación, llega ahora el remake.

No me gustaría excederse en comparaciones, que como sabe la sabiduría popular, son odiosas. Solo diré que esta versión apuesta más por el cgi (algo por otro lado relativamente comprensible con las décadas transcurridas) , que aboga por una estética más urbana que siniestra y que incorpora elementos sobrenaturales ajenos a la original. Este no es ya el macabro cuento de Halloween que conocimos. Esta es, simplemente, la historia de dos jóvenes que se enamoran en un centro de desintoxicación, en un caso de amor fou que irá creciendo tras escapar de este. Sólo que ciertas personas poco recomendable del pasado de la chica van a encontrarles y a quitarles la vida, para dar paso a esa venganza desde ultratumba que cualquiera que se acerque al cine para disfrutar de esta película está esperando.

Nos enfrentamos a una película cuya base, al igual que la original, es la relación entre la pareja protagonista. Sus problemas empiezan ya en este punto. La escasa química de unos protagonistas tendentes a la pausa larga entre frases y románticas miradas que pueden fácilmente confundirse con el adormecimiento lastra notablemente un prólogo con detalles que descolocan (la lectura de Rimbaud) y unos personajes que se antojan volubles, sopesando el suicidio romántico cuando sólo los vemos disfrutar del chapuzón en el río, la discoteca y unos pases de modelos que nos hacen pensar en algunos de los momentos más sonrrojantes del cine comercial de los 80.

Dúo poco creíble, tampoco la película sabe sacar mucho partido de un Bill Skarsgård que ha sabido mostrar su solvencia en cintas de acción como "Boy kills world". Optando por una violencia desencarnada, aunque por suerte para el espectador restringe el grueso de escenas a cámara lenta a aquellas partes que transcurrrn en el espacio entre el mundo real y el de ultratumba, la cinta gana en el momento que abraza la pura locura, en una escena culminante con pinceladas de gore que va a correr paralelamente a una representación operística en uno de tantos tópicos no escritos y que tiene todo el aroma de la saga "John Wick". Algo que ya experimentó su actor protagonista desde el lado antagonista en su última entrega y que casa bien con unos villanos melómanos y exquisitos que intenta mantener el tipo en una película que es fácil tomarse por el lado de la sorna.

Planos y diálogos repetitivos, simbolismos baratos y una cámara que se recrea en los momentos de curación de un personaje que parece más un familiar de lobezno que un vengador venido del más allá, articulan una cinta innecesaria que hace del Eros-Thanatos de toda la vida un producto fallido con mas ínfulas que aciertos. Si la venganza es un plato que se sirve fría no nos engañemos: la nueva "El cuervo" es puro témpano.

"El cuervo" llega a los cines el 30 de agosto.

UNA NOCHE EN EL ALHELÍ. Cerrado hasta el amanecer.

 

A mucho le queda todavía ese estigma de que ir al teatro, ese teatro lejos de esos musicales que acaparan marquesinas y ofertas turísticas, es meramente acercarse a los clásico de corte Tenorio, siglo de oro y similar que le atormentaron en su periplo escolar. Pero a pesar de su belleza la letra del dramaturgo sigue imponiendo de manera traumática...a veces de por vida.

Una noche en el alhelí va por otros derroteros. Quizás una manera fácil de resumirlo sería salvando las distancia, los hermanos Álvarez Quintero conocen a Quentin Tarantino. O, para abreviar, Q. vs. Q, enfrentando sainete y hombres de negro con pistola y maletín de deslumbrante contenido en ristre. Pero por supuesto hay mucho más. 

Obra en un único acto fiel a la regla de las tres unidades la acción empieza a absorbernos antes de que aparezca en escena un solo personaje. El rumor de la radio, que nos informa del hallazgo de un coche de policía en llamas, que resuena entre las paredes de un tugurio de mala muerte bautizado como el alelhí, nos introduce en una trama que va a unir a dos dúos desparejados, dos sicarios que la han fastidiado en su última misión que podrían facilmente haberse escapado de Pulp fiction, y la dueña del bar y su apocada empleada, dos mujeres no precisamente bien avenidas condenadas a resignarse con una existencia miserable, a los que va a unirse la prima de la segunda, una extrovertida trabajadora sexual.

Pero una noche en el alhelí no apuesta por el lenguaje de la tragedia sino por por el de la comedia negra. Unos personajes de ego desbordante y con más lengua que paciencia por supuesto tienen que chocar y lo van a hacer al compás de la radio de madrugada, el alcohol barato y la cocina casera cuando vean que están condenados a pasar la noche juntos hasta que el Sr. Lobo de turno se digne a hacer acto de presencia.

Su ágil y mordaz libreto, políticamente incorrecto y no ajeno a los tópicos, fluye con naturalidad de la boca de unos actores que saben imprimirle un buen ritmo a la trama, haciendo gala de acento el elenco femenino y de un buen dominio de la réplica en conjunto.

Una noche en el alhelí es una pieza que consigue arrancar sin dificultad la carcajada del espectador. Y lo hace con un quinteto de actores (seis si contamos a ese agente de policía fuera de escena que genera un gran momento de suspense de los muchos que articulan la obra) que consiguen destacar tanto interactuando como por separado y de una puesta en escena sencilla pero eficaz, sacando gran partido de un escenario limitado pero que se amplia gracias a los pasillos, aproximándose más si cabe al público, y de la iluminación. 

Una apuesta ideal para los amantes del humor sin concesiones, de los quieran acercarse al lado intimista de la comedia de acción. Una obra de sabor conocido pero cuyos matices sorprenden pero que sobre todo entretiene. Simplemente una noche que se pasa en un suspiro.

Una noche en el alheli puede disfrutarse actualmente en el Teatro Lara. Más en https://teatrolara.com/programacion/una-noche-en-el-alheli

UNA MADRE DE TOKIO. El pájaro en crisis

 

Enfrentarse al cine japonés, como sucede con la mayoría de las filmografias orientales, es también enfrentarse a los tópicos. Que su ritmo es lento, su humor ambiguo, sus interpretaciones van sin transición de la sobriedad al histrionismo...son etiquetas incómodas que casi siempre le acompañan y, no hay que engañarse, en la última película de Yoji Yamada, director de extensísima trayectoria todavía en activo a sus más de 90 años, están por supuesto más que presentes. Pero en "Una madre de Tokio" hay más, mucho más.

La crisis, ya sea de los 30, los 40 o los 50 o más allá es un filón inagotable tanto para el drama como especialmente para la comedia. En el caso de la del protagonista de esta película, Akio, al que la intención de celebrar una reunión de antiguos camaradas le recuerda el paso del tiempo al principio de la misma, a esta van a sumarse la separación de su esposa, la rebeldía de su hija y una época especialmente difícil en su trabajo que le van a llevar a enemistarse con su mejor amigo. Pero en medio de esta debacle va a aparecer, o mejor dicho reaparecer ese pilar de estabilidad que es su madre. Así paralelamente al drama del hijo va cobrando protagonismo la figura de esta mujer, una viuda llena vitalidad que sin embargo oculta un secreto que podría ser otro clavo en el prematuro ataúd de su hijo.

Una historia de personajes en la que los diálogos son más importantes que una acción prácticamente anecdótica, con cierto aroma teatral, que jugando entre el drama y la comedia (sin dejar de lado algún momento tan dramático como el recuerdo del pasado del que sólo parece un huraño mendigo) nos presenta un mundo lleno de contrastes. Y no sólo por los lapsos de edad entre madre, hijo y nieta, sino por unos entornos que son la metáfora perfecta de las diferencias en sus modos de afrontar la vida, desde esos rascacielos del distrito financiero en los que cada hombre es una isla y el que nos recibe al llegar a casa no es ya el perro sino el aspirador a esa casa de barrio tradicional en el que el suelo se limpia a mano y de rodillas, pero que irradia vida y en la que nunca faltan la alegría de unas vecinas tan chafarderas como entrañables.

"Una madre de Tokio" es una sutil reflexión de cómo abordamos el alcanzar lo que realmente queremos, de si es mejor disfrutar las pequeñas cosas o plegarnos a aquello que se espera de nosotros. Con auténtica alma de poeta a la hora de tratar la bondad de las pequeñas cosas, de la inocente galleta de arroz al soñado paseo en barco, con momentos tan antológicos como aquél en que la madre cuenta como se enamoró de su esposo, este es uno de esos films que han de abordarse con calma, recreándose en los matices de cada imagen de este fresco del Tokio de ayer y hoy a la sombra del omnipresente Tokio Skytree. Un microcosmos en el que la realidad puede esconder una pizca de magia pero en el que lo esencial no es el trabajo, ni los estudios, sino las relaciones entre los seres humanos, familia o no.

"Una madre de Tokio" llega a los cines españoles el 14 de agosto.

BORDERLANDS. Memorias de una heroina sarnosa

 

Nunca me gustó esa expresión despectiva de que una película parece un videojuego porque los aficionados sabemos bien que hay grandisimos juegos con escenas que en más de una ocasión superan a las de la pantalla grande. Pero la verdad las pruebas no acompañan gracias a un buen puñado de adaptaciones que jamás cumplen las expectativas. Por suerte los últimos años nos han demostrado que la excelencia es posible...en la pequeña pantalla. Frente a infumables piezas como "Assassin’s Creed" o "Doom" "The Last of us", haters aparte, y sobre todo "Fallout" nos han dejado grandes momentos. En medio de estos contrastes llega la adaptación de un título que, sin ser de aquellos de relumbrón, cuenta con un buen número de fieles seguidores gracias a su intensa jugabilidad. Es la hora de "Borderlands".

Soap opera de corte apocalíptico esta película no supone una adaptación fácil, partiendo de un juego que funciona a base de minimisiones sin un argumento tan definido como otras obras. Así que esta película, escrita y dirigida por un Eli Roth que alterna sus coqueteos con el terror con piezas más comerciales, opta por una trama que no deja de sonarnos y que podría ser perfectamente una nueva incorporación a la filmografia de Pedro Pascal: cazarrecompensas (unida en aras de la casualidad a un grupo de heterogéneos personajes) se ve obligada a rescatar-escoltar a adolescente con matices mesiánicos y un poco insoportable.

Así las aventuras de Lilith and co. parece tenerlo todo para ser un excelente blockbuster veraniego con un reparto de relumbrón con dos ganadoras del Óscar (una por partida doble) en medio de cocktail de aventuras y humor. Pero ni las buenas dotes de sus actores dotan de carisma a los personajes (quizás se salve un poco Claptrap en esa bella tradicion del robot con rasgos humanoides) ni el guión consigue despuntar con una voz en off que lastra todo el primer acto y unos diálogos meramente descriptivos que en más de una ocasión dan vueltas a la misma idea, con un sentido del humor con más de una pincelada gruesa que en mas de un momento no llega a funcionar. Y eso que la escatología puede ser usada con gran eficacia, como muestra esa cinta protagonizada porvun héroe de rojo y otro de amarillo que ahora llena nuestras salas.

Por no mencionar un montaje que cumple los mínimos del mismo modo que lo hacen unos efectos especiales que no faltan en casi ningún plano del metraje.

"Borderlands" es una película que no sabe sacar partido a sus buenos ingredientes (para muestra una Cate Blanchett que aunque aporta presencia a su personaje se pierde en un buen número de forzadas posturas) y nos sirve un plato soso. Si bien encontramos un diseño visual muy fiel al juego y su trama se mueve en unos tópicos que conocemos bien pero que en más de una película han demostrado funcionar esta cinta queda como un borroso espejismo de lo que pudo ser y no fue. Simplemente se mantiene en el límite a la espera de ese puente que nos conduce al entretenimiento, pero que no acaba de franquearnos el pase. Quizás quede luz para una de esas secuelas a las que invita el género que nos de todo lo que no da esta: no hay que engañarse, hay más de una segunda parte buena.

"Borderlands" llega a los cines el 9 de agosto.

NIÉGALO SIEMPRE. Más cornás da el matrimonio

 

Aunque el bardo de Avon tratase con la hermosura de su verso los celos, ese monstruo de ojos verdes, estos siempre han sido un ingrediente ideal para más de una comedia y nonsiempre elegante. "Niégalo siempre" juega en esta liga aunque con efecto retroactivo, ya que nos cuenta la historia de un militar retirado que descubre que 40 años antes su mujer le había puesto los cuernos con un amigo.

La última comedia francesa, aunque hay que que reconocer que ya era algo que encontrábamos en el cine de Luis de Funès, nos ha acostumbrado a ese personaje del hombre maduro, abuelo y padre, de talante conservador y ¿por qué no decirlo? retrógrado cuyo fuerte carácter le hace chocar con su familia y amigos, cuyo exponente más popular por estos lares sea probablemente el protagonista de "Dios mío ¿pero qué te hemos hecho?. François es así, y el monumental cabreo que pilla al descubrir esta antigua infidelidad va a hacer que opte por la venganza física a pesar de los años transcurridos, ante lo que su esposa decidirá acompañarle a la Niza de su juventud para controlar como este intenta pegarle una paliza a un hombre que probablemente ni le recuerde.

Así nos veremos envueltos en una comedia que va del chiste cultista (la referencia a Madame Bovary) al slapstick (el armario-cama) pasando por los equívocos y más de una situación incómoda. No se puede negar que más de un gag es más viejo que el affaire que provoca toda esta alocada odisea, pero su ritmo ligero y la empatia que suscita esa esposa que intenta campear lo mejor que puede ese temporal en forma de marido que Dios le ha dado hacen que esta película se pase en un suspiro y consiga hacer al espectador pasar un rato tan intrascendente como entretenido.

"Niégalo todo" como buena comedia francesa de esas que se califican con facilidad como 'la comedia francesa del año' al menos la quincena de días que dará paso a la siguiente, deja una buena sensación de déjá vù. Pero el que acuda a las salas sabiendo lo que va a encontrarse no va a quedar decepcionado en absoluto. Esta es una película que consigue un buen número de carcajadas y puede que incluso alguna lagrimita, y consigue salgamos del cine con una sonrisa. Esta cinta viene no para desafiar nuestro intelecto sino a divertirnos con una comedia de personajes y no se puede negar: sin duda lo consigue.

"Niégalo todo" llega a los cines españoles el 9 de julio.

LA TRAMPA. Su gran noche

 

A pesar de no todas sus películas se ajustan a este género es fácil asociar la filmografia de M. Night Shyamalan al terror. Su última obra , "La trampa", se mueve en terrenos más cercanos a ese tríptico formado por "El protegido", "Múltiple" y "Crystal" que a " El sexto sentido", con una cinta protagonizada por un psicópata de manual que es a la vez héroe y villano de una historia de inesperada ambientación cuyo escenario aspira a convertirse en la ratonera que finalmente lo atrape.

A pocas semanas de que los conciertos multitudinarios de Taylor Swift o Carol G. hayan sido noticia de apertura de telediario, mostrando la capacidad de convocatoria de unas mujeres que arrastran literalmente a toda una generación de fans la película nos conduce a uno de estos grandes eventos al que acuden una entregada adolescente y su complaciente padre. Pero entre canción y canción de Lady Raven, encarnada por una Saleka Shyamalan que también compone e interpreta los temas, vamos a descubrir que este padrazo es un asesino en serie. Y no sólo eso sino que la policía, no sabemos cómo por el momento, sabe, sin más pistas sobre su identidad, que va a acudir al show, lo que van a aprovechar para acordonar el edificio al completo y empezar una auténtica persecución cual gato y ratón. Solo que este ratón de afilados dientes es un hombre de recursos y al descubrir la estratagema sacará sus mejores cartuchos para evitar su detención sin que su hija lo descubra.

"La trampa" usa recursos efectivos. Un villano (saber lo que le hace a sus víctimas rápidamente descarta el apelativo de antihéroe) con carisma, una cinta que respeta prácticamente la unidad de tiempo y lugar aportando dinamismo y unos secundarios que funcionan, desde ese alegre dependiente que no sabe en que berenjenal se mete a esa esposa que consigue transmitir gran intensidad en los pocos minutos que aparece en pantalla añadiendo sal a una película con espíritu de cine de palomitas. Aunque por otro lado un guión con notables lagunas (que dejaré descubra el espectador), con un fragmentado final que se alarga en exceso merman el impacto de una pieza en la que los fans del director, que por supuesto se reserva un cameo, echarán de menos esa sorpresa inesperada a la que nos tiene acostumbrados, si bien se reserva algún golpe inesperado pero lejos de su fuerza habitual. Por no mencionar a un Josh Harnett que llevando el grueso del peso del relato, consigue generar una buena química con el resto de personajes, pero que abusa en exceso de su paso de la sonrisa al ceño fruncido hasta rozar niveles gollumianos.

"La trampa" es una película que se disfruta mejor sin pretensiones, dejándose llevar por una trama de buenos y malos que invierten sus papeles y que no descartamos pudiese dar pie a una hipotética secuela. Una cinta de planteamiento original pero cuyo desarrollo nos deja una continua sensación de déjà vu, aunque si nos permitimos una amplia suspensión de esa incredulidad (sorprende de entrada las continuas entradas y salidas al concierto, nos extraña que vean una canción completa) que nos lleva a plantearnos numerosas preguntas en especial respecto a las decisiones de los personajes, podemos disfrutar de un título que no es lo mejor de su director pero lejos está de esas que han ensombrecido la carrera de un autor que ha creado auténticos clásicos. Pero no debemos temer: después de todo Shyamalan nunca ha renunciado a sorprendernos.

"La trampa" llega a los cines españoles el 9 de agosto.

EL MONJE Y EL RIFLE. Todos los hombres del Lama.

 

Ahora que las elecciones son el pan nuestro de cada día, con comicios semana tras semana en cualquier parte del globo, de Francia a Venezuela, enfrentarse a una película como "El monje y el rifle" supone una experiencia que nos puede hacer ver el mundo, político al menos, con otros ojos.

Con elementos de drama aunque también de comedia, de esa que invita más a la sonrisa que a la carcajada, este es un film que se puede calificar sobre todo de fábula. Ambientada en 2006 la historia nos transporta a Bután, un país que suele escapar de las rutas turísticas mas convencionales, donde su rey ha decidido abdicar y convocar unas elecciones para que el pueblo decida su destino. Frente a otros países en los que se da (damos) la democracia por sentado, Bután, en el que empieza a abrirse paso la televisión e internet, se enfrenta a algo que es completamente desconocido para ellos, de modo que tienen que enfrentarse al concepto literalmente desde cero. Y este va a ser el germen de toda una serie de cambios en la zona en la que quizás estas novedades resultan más chocantes, la rural, dando pie al que es el mcguffin de la historia: un Lama en retiro espiritual decide que 'ha llegado el momento de poner las cosas en su sitio', para lo que va a solicitar a su discípulo que le consiga dos rifles antes de la proxima luna llena y sin especificar para qué. La incógnita está servida.

"El monje y el rifle" nos muestra un mundo que puede resultarnos extraño. Un lugar en el que el dinero no siempre tiene el valor que le suponemos, en el que James Bond y la Coca Cola, a la que llaman agua negra, son una novedad, y en la que la tradición sigue siendo un valor capital. Pero también, como en todas partes cuecen habas, en el que es fácil enemistarse con la suegra, los niños se dejan arrastrar por las ideas de los padres y la pequeña pantalla sigue moviendo a las masas. Pero sobre todo este es un film con una curiosa pero profunda reflexión política sobre el ser humano como animal político, sobre la confrontación entre la política y el bienestar, la importancia del bien común y el precio de la libertad. Y lo hace con fuerza gracias a un guión ágil, unos actores en su mayoría sin experiencia pero que aportan verismo y un bien dosificado humor de cariz surrealista que hacen de esta una obra que consigue mover tanto el corazón como la mente del espectador.

En más de un momento del metraje se menciona que la democracia es un regalo. Esta cinta también lo es: un obsequio lleno de sensibilidad, de cuidada fotografía y un desenlace conmovedor. El que para la gran mayoría es nuestro primer contacto con la filmografia de Bután supone una más que agradable sorpresa, una gran elección.

"El monje y el rifle" llega a los cines españoles el 2 de agosto.

DE NATURALEZA VIOLENTA. Johnny va al infierno

 

El folklore nipón siempre suele unir, con honrosas excepciones como la Yuki- Onna o mujer de las nieves, las historias de fantasmas con el verano. Pero la verdad el slasher, con sus alegres psicópatas rondando campamentos de verano, muchas veces no está tan lejos. El último caso es " De naturaleza violenta", una cinta protagonizada por un asesino surgido de la tumba dispuesto a recuperar una querida reliquia familiar que unos despreocupados campistas se han llevado sin conocer la oscura historia que oculta detrás. 

La sombra de Jason es alargada. Es inevitable pensar en el icono de "Viernes 13" y un poquito en el Victor Crowley de la muy recomendable "Hatchett" ante este Johnny de aspecto cadavérico, máscara llamativa y paso lento pero firme que logra alcanzar su objetivo por mucho que este corra. Pero la película intenta apuntarse un tanto original apartándose de la víctima para centrarse en el verdugo. Si bien esto hace que nuestra empatía hacia los candidatos a fiambre merme (aunque la verdad el comportamiento de muchos personajes de este tipo hace que esta también desaparezca, y sin necesidad de cambiar el punto de vista del espectador) y nos haga sentir cierta lástima por el que no deja de ser un niño en un monstruoso cuerpo de adulto, esto no hace que esta pieza se aparte de los derroteros habituales del género, con la excepción de su desenlace (que aquí no revelaré) y que supone una auténtica bofetada para el concepto tradicional de final girl.

Así vamos a encontrarnos con un pequeño catálogo de casquería ligera (es más, en contra de la costumbre dos de los asesinatos tienen lugar prácticamente fuera de plano) en el que si bien hay un asesinato de auténtica antología, de esos sólo aptos para paladares fuertes y que estoy convencida no es preciso señale cual es, tampoco vamos a encontrar sorpresas a nivel argumental. "De naturaleza violenta" es una película sólo apta para fans del terror en general y del slasher en particular, un bodycount en el que no es difícil trazar la lista de decesos en el que su director se recrea en cada plano, con enfoques atípicos (como se ve en su creativo uso del picado) sumando un sentido del humor que en más de una ocasión se antoja involuntario. Una particular obsesion por la dilatación del tiempo a la que sólo se puede objetar su abuso de los planos en los que la cámara sigue a los personajes desde su espalda y de los que el film abusa con frecuencia, casi como una mera excusa para ampliar una duración que, todo sea dicho, no es excesiva, rondando la hora y media, es el mayor hándicap de una obra que busca la originalidad, renunciando al sonido extradiegético y el concepto de heroina. Pero se queda en una mera propuesta de entretenimiento menos revolucionaria de lo pretendido, para disfrutar sin pretensiones, dejando una sensación de déjà vu a la que, en el fondo, el género jamás ha renunciado.

"De naturaleza violenta" llega el 17 de julio a los cines españoles.

HÉROES DE CENTRAL PARK. Títere story

 

Nos hemos habituado ya desde el clásico Pinocho a toda esa caterva se marionetas y muñecos que adquieren vida cuando nadie les observa pero, como decía otro héroe de la animación no se vayan todavía, aún hay más. Así son los protagonistas de "Héroes de Central Park", más que libre traducción de "Les inséparables", unos títeres y un muñeco que se van a ver inmersos en una auténtica odisea durante un día inolvidable. 

Además de que alguno de sus responsables anda detrás de esta historia es inevitable durante su visionado pensar en "Toy story". Dos personajes que sin ser necesariamente antagónicos, una soñadora marioneta llamada Don (y que por supuesto nos acaba recordando a un viejo conocido de la Mancha) que huye del encasillamiento como bufón en el espectáculo en el que trabaja y un perrito rapero (que podría haberse escapado perfectamente de una cinta de los años 90) de juguete perdido que busca su lugar en el mundo van a convertirse en compañeros de aventuras mientras que la troupe de Don es raptada por una pareja de rateros de poca monta que planea venderla. Una road movie que se ajusta casi por completo a la regla de las tres unidades con sencillez y sentido del humor, pero que destaca sobre todo por su valor como fábula moral, defendiendo el poder de la imaginación, de la amistad y de la superación personal, con unos protagonistas que no se resignan a los roles establecidos, sino que intentan labrarse su propio destino.

"Héroes de Central Park" es una película enfocada a los más pequeños de la casa. Con una animación en la que predomina el 3D sencilla (que cambia a la hora de sumergirnos en las fantasías de Don) aunque algunos elementos sorprenden, como la caída final o esa pierna falsa en la que vemos hasta los restos de letras de un desgastado papel maché, este es uno de esos films que aunque invitan a un rato de entretenimiento en familia lejos está de esas cintas que divierten a los niños pero acaban calando en los mayores. 

Sin renunciar a su gran número musical de remate en plena tradición no escrita de Shrek esta es una de esas películas que se agradecen en verano. Ligera y sin pretensiones, aunque tampoco nos lleva más allá, a pesar de unos ingredientes que daban para mucho más. Aunque para nuestra suerte Don Quijote, cualquiera que sea su forma, siempre estará llamado a cabalgar de nuevo.

" Héroes de Central Park" llega a las pantallas españolas el 30 de agosto.

FLY ME TO THE MOON. Liados para la gloria

 

Tantas veces nos ha llevado el séptimo arte a la luna que hasta parece que todos hemos estado un poquito. Aunque si hacemos caso a los conspiranoicos de pro en realidad nunca ha estado nadie. "Fly me to the moon" tiene un poquito de ambas, con una historia sobre como se logró el alunizaje (y no sólo eso, sino lo que parecía más importante para más de uno, retransmitirlo por televisión) en un momento en el que la llegada a la nuestro satélite suponía no solo una proeza científica sino una auténtica arma política. 

Pero esta película lejos está de ser un documental, o de esa épica de odisea espaciales como "Elegidos para la gloria", "Apolo XIII" o "El primer hombre". Su caballo de batalla no es otro que la comedia romántica. Así nos encontramos con un film en el que si bien son los principios de la física los que hacen que la nave vuele es la química entre Tatum, un enamorado del programa espacial que sin embargo no está llamado a poner su nombre entre las estrellas, y Johansson, una auténtica vendedora de humo, lo que levanta un film que en ningun momento se sale de los márgenes de lo esperado, pero que lo suple con cierto aroma clásico con corazoncito para el homenaje (ese vuelo en avioneta) y alguna réplica realmente divertida. Por no hablar de esos dos auténticos robaescenas que son Woody Harrelson, en ese rol de mandamás con un toque de hombre de negro o ese gato que se apropia una de las escenas más alocadas del conjunto en un año en el que los mininos están dando mucho juego, con permiso del Frodo de la precuela de "En un lugar tranquilo".

"Fly me to the moon" es un film sencillo. Bajo una pátina que podría apuntar a la acidez se queda en el chiste amable esta velada de tarta de manzana, ponche y banderita con barras y estrellas que invita a la sonrisa e incluso provoca la carcajada pero dejando apenas un poso agradable. Una obra en la que el reparto funciona y la trama, aún con muchos elementos que se antojan metidos con calzador, no aburre, a lo que suma un cuidado vestuario y dirección artística que ayudan a meternos en una historia que en el fondo conocemos todos. No nos transportará a la luna y más allá pero si un poco a ese corazón humano que nunca sabemos donde está llamado a aterrizar.

"Fly me to the moon" llega a los cines el 12 de julio.

HAIKYU! LA BATALLA DEL BASURERO. Seis fuera de serie

 

Hace ya unos cuantos años, si cabe décadas, la popularidad de la animación japonesa de corte deportivo, con Campeones (y de remate Supercampeones) y Bateadores a la cabeza, trajo dos series que se diferenciaban del resto no sólo por estar dedicadas al entonces un deporte minoritario, el volleyball, sino por tener protagonistas femeninas. Me refiero por supuesto a Juana y Sergio (cuyo manga original, Attacker you!, ha llegado recientemente a nuestras librerias) y Julia, dos títulos que gozaron de gran popularidad entre niños y niños. Sin embargo este juego de pelota pareció quedarse en el limbo hasta la llegada nl hace mucho de Haikyu!! tanto en forma de manga como de anime. Y por fin ha llegado el turno de su primera incursión en la pantalla grande "Haikyu!!. La batalla del basurero".

No es preciso haber seguido la serie original para disfrutar de esta cinta, cuyo núcleo es un importante partido que puede abrir el camino a nuestros protagonistas a la victoria de un campeonato y que cubre la práctica totalidad del metraje (doblando a pesar de su brevedad la que suele ser la duración de un enfrentamiento standar) y cuya continuación se presenta apasionante. Pero es preciso reconocer que es una historia que satisfará más a aquellos que ya conocen a los personajes que a los legos en la materia, antojándose más un episodio especial que una película propiamente dicha.

Amante de las metáforas poco sutiles, con ese cuervo y ese gato que aparecen regularmente, " Haikyu!!. La batalla del basurero" sorprende por dos aspectos. Por un lado su animación, de corte tradicional, que a pesar de los inmovilistas recursos que no suelen faltar en el anime, sabe perderse en los vibrantes movimientos de los personajes, logrando escenas de gran dinamismo que brillan en esos últimos tantos que llegan a apostar por el plano subjetivo, y que ganan fuerza gracias a unos cuidados efectos de sonido. Por otro la defensa, sobre un espíritu competitivo que tampoco queda en el tintero, del deporte como fuente diversión, de jugar no sólo por el placer de la competición  sino porque el mero hecho de que algo tan intrascendente como que una pelota toque el suelo nos arranque de la realidad y consigue que realmente disfrutemos. Sin olvidar un concepto de la deportividad que sorprende sin resultar forzado.

"Haikyu!!. La batalla del basurero" presenta la mejor cara del deporte, haciéndola una apuesta más que recomendable para todas las edades, logrando meter al espectador (a lo que suma esos interludios que nos permiten conocer mejor a los personajes) en el fragor de la competición sin mucho esfuerzo. Otra faceta del anime en la que no hacen falta elementos fantásticos ni batallas que se juegan el destino del universo, solo hace falta entusiasmo y un balón.

" Haikyu. La batalla del basurero" llega a los cines el 31 de mayo.

AMIGOS IMAGINARIOS. Las cosas de mi mayor olvido.

 

Dejando de lado que el concepto amigo imaginario se asocia generalmente a la infancia en el cine casi siempre, y dejando de lado el de animacion, ha supuesto excelente caldo de cultivo para el terror ("Z", "Imaginary") y propuestas tan originales y recomendables como "El club de la lucha", bastante alejadas de lo que podríamos haber pensado al mentar el término. En el caso de este "Amigos imaginarios" que ahora llega a nuestras pantallas nos encontramos ante un particular conflicto que viene de la mano de un sirector que ha sabido lidiar con el género  terrorifico. John Krasinski.

Una niña, Bea, encarnada por Cailey Fleming, protagoniza esta cinta en la que descubre que es capaz de ver a estos seres mágicos que, con el paso de los años han ido perdiendo a sus pequeños amigos humanos a medida se han ido haciendo adultos y que buscan niños nuevos con los que establecer una nueva amistad que les mantenga en el mundo real, pero que solo pueden verles si les necesitan. Hasta aquí una trama que podríamos esperar perfectamente en una película enfocada al público en infantil, y más teniendo en cuenta el divertido diseño de los personajes secundarios y una ligera tendencia al slapstick. Pero esta cinta sorprende por su poso dramático, presentando a una protagonista que se encuentra en un momento tan complicado como es el afrontar que su padre debe someterse a una complicada cirugía cardíaca, años después de haber perdidona su madre tras una dura enfermedad. Una historia que conecta así con un público más adulto, a pesar de una colorida estética que encaja con todas las reglas no escritas del cine para todos los públicos y su humor blanco. 

"Amigos imaginarios" es una obra que sorprende, con un fuerte carga melancólica y una cuidada puesta de escena con mucho de teatral que no esquiva el mimo por los pequeños detalles (la aparición fugaz de otros amigos imaginarios de la ficción como la presencia de "El invisible Harvey" en el televisor o un cómic de Calvin y Hobbes). Escenas que no pueden menos que calificarse de poéticas como la del baile de la abuela contribuyen a hacer de esta una pieza que divierte a los niños, aunque quizás los más creciditos aprecien mejor un argumento que en más de un momento ronda la tragedia, pero conquista a los adultos.

Esta no es la película que uno espera tras su cartel y correspondiente trailer. Es una original fábula sobre el paso a la madurez de una niña que dice ya ser una mujer pero que se da cuenta de la importancia de esa fantasía que se considera patrimonio de la niñez. Envuelta en la música de un Michael Giacchino que nos regala, ya lejos de franquicias, una de sus mejores partituras "Amigos imaginarios" sabe equilibrar la carcajada con la lágrima, no hay que quedarse en su competente apartado visual, solo hay que dejarse llevar por ese niño que llevamos dentro.

"Amigos imaginarios" llega a los cines el 17 de mayo.