LA FIERA DE MI MADRE

 

Hasta el más lego en materias almodovarianas sabe que las mujeres son una parte esencial en su filmografía...y más aún la figura de la madre. Mujeres literalmente capaces de matar (ahí están Volver y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?) pero también del más grande de los afectos. 

Madres paralelas presenta distintos tipos de progenitora, desde la que descubre el significado auténtico de la palabra después del parto a la que solo  existe ya en el recuerdo pasando por la que apenas tiene de madre el nombre. Roles en los que el elenco de actrices (los papeles masculinos son prácticamente testimoniales) de la película destacan en los momentos más intensos, haciendo que olvidemos un arranque que se antoja casi precipitado al arrojarnos de lleno a todo un torbellino emocional. Una trama que, obviando un desenlace que conecta perfectamente con su inicio y que va a traer buena dosis de polémica (y que aquí no desvelaremos), podría parecer casi digna de un culebrón pero que aquí funciona gracias a unas intérpretes, muchas habituales de su director, que lo dan todo, incluyendo auténticas robaescenas como la limpiadora de la casa del personaje de Penélope Cruz o una Aitana Sánchez- Gijón que está simplemente escalofriante en su monólogo lorquiano, así como la que quizás sea la chica Almodovar más joven de la historia.

Madres paralelas mantiene las constantes de su director sin llegar al grado de desnudez emocional de la previa Dolor y gloria. Cuidados escenarios (algunos tanto que parecen más catálogos que auténticas viviendas), una saturada paleta cromática,  la maravillosa banda sonora de Alberto Iglesias y una historia de personajes hacen de ella puro Almodóvar. Si bien en más de un momento la cinta puede antojarse excesivamente forzada, como en alguno de los giros en la relación entre las protagonistas o los planos finales nos encontramos ante una auténtica reflexión sobre la importancia del recuerdo y el valor de los orígenes. Una película que consigue emocionar, con algún toque de humor que recuerda al primeras películas de su autor, pero que también da para el debate. Y largo.

Madres paralelas llega a los cines el 8 de octubre

¡QUE PARDO ERA MI VALLE!

 

Vayamos por partes...o, mejor dicho, por una primera parte, ya que "Dune", la adaptación del clásico de la ciencia ficción, no es sino la primera parte de un díptico cuya continuación está en el aire si esta no logra el éxito comercial que se espera de ella. Esta nueva "Dune" (me reservaré el hacer comparaciones con su predecesora) es la hiperbólica presentación del conflicto, en inicio político-comercial (movidas religiosas se anuncian más agresivas para su hipotética continuación) entre dos dinastías, Atreides y Harkonnen, en el marco del planeta Arrakis, un páramo desértico que oculta la codiciada especia, una sustancia esencial tanto para los viajes interestelar es como psicotrópicos.

Hasta aquí nada nuevo. La película consigue dar entidad a un mundo fantástico formado por mundos diferenciados con eficacia y una cuidadísima puesta en escena que adopta con inteligencia referencias que van del orientalismo clásico a la estética fascista. Todo en los planetas es apabullante desde el vestuario a los escenarios, sacando el mejor partido a una reducida paleta de color, consiguiendo presentar unas batallas realmente épicas, aunque yo sigo preguntándome como unos pueblos que tienen naves espaciales y bombas de racimo recurren al cuchillo en vez de a la metralleta. Del aspecto de sus curiosos escudos de fuerza, que parecen generar una ligera ralentización a lo VHS antiguo, hablamos otro día.

Pero si esta era la cal, ahora toca la arena (perdón, el chiste se escribe solo). "Dune" no vacila en mostrar su carácter de prólogo. Historia de fuerte carácter mesiánico, centrado en un Paul Atreides (un Thimotée Chalamet al que parece le esté dando todo el rato el sol.en los ojos aunque no le dé) cuyas repetitivas visiones articulan buena parte del metraje, la película, con la salvedad del epectacular ataque que da un vuelco completo a la trama, se antoja una mera presentación de personajes. Por suerte podemos encontrar en ella unos maravillosos secundarios como Rebecca Ferguson, Josh Brolin o Charlotte Rampling, que consiguen aportar entidad frente a unos protagonistas más anodinos (Chalamet y una Zendaya que aunque aquí no destaca fuera de las visiones se adivina esencial para una segunda parte). De detalles cuestionables como el abuelo torero Atreides (cabezón de toro en el salón incluido), el gaitero que abre el desfile en Arrakis o el reciclaje y saludo con escupitajos (¿Alguien dijo "Waterworld"?) mejor hablamos otro día.

"Dune" es un auténtico espectáculo, una película que merece disfrutarse en la pantalla grande, aunque su apartado argumental quede varios niveles por debajo. Eso sí, nos queda la esperanza de una segunda parte que quede a la altura. Que las bene gesserit nos amparen.

"Dune" ya está en cines de toda España.

RAPSODIA EN NEGRO

 

Ni fantasmas, ni posesiones ni casas encantadas. "No respires" es una de esas películas que, aunque en cierto momento de su metraje coqueteara con el torture porn, no necesitaba nada de eso para acojonar al respetable. Una historia tópica en inicio que lograba tornarse sorprendente y un buen equilibrio del suspense lograron crear la magia y el público respondió. La previsible consecuencia se ha hecho esperar un poco pero aquí está: llega "No respires 2".

Esta secuela nos devuelve al villano del original trasmutado en antihéroe. Padre de una niña a la que no deja interactuar en exceso fuera del hogar mientras la educa en materias como supervivencia ni el carácter ni los métodos de nuestro viejo conocido se han dulcificado. Pero por supuesto el detonante tenía que llegar, y este es la irrupción de un grupo con aviesas intenciones... sí, igual que en la primera. Y ese es el mayor problema de una cinta que ya no provoca el impacto de la original. Aunque intente sorprendernos con algún sórdido giro (que no deja de suponer una repetición de la estructura de la original, con el hallazgo del sótano) nos encontramos ante una cinta demasiado similar a su predecesora, aun variando el punto de vista.

Aunque hay momentos en que la tensión se maneja con inteligencia y las escenas de lucha están bien coreografiadas (en esa tendencia cafre que nos hace pensar en una de las locuras más recomendables de este año, "Nadie") "No respires 2" presenta unos personajes que no logran crear el grado de empatía necesario en el espectador, perdiendo así una baza que resulta imprescindible para una película como esta.

 Nos queda una cinta entretenida, con un protagonista que resulta hipnótico (y que puede dar mucho juego). Pero también una película que intenta sorprender pero a la que la sorpresa se le va de las manos (las motivaciones de los villanos, todas las referencias al robo de órganos) resultando, contra su voluntad, más convencional que lo que pretende, llegando incluso a rozar lo absurdo.

Una curiosidad para aquellos que disfrutaron (disfrutamos) con la primera pero que baja considerablemente el listón. Lástima: este hombre ciego sin nombre merece mucho más.

"No respires 2" llega el 24 de septiembre a las pantallas españolas.

ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL SAMURAI

 

El cine hace extraños compañeros de cama. Si uno de esos compañeros es Nicolás Cage sabemos que, posiblemente, el concepto "extraño" puede ir mucho, mucho más allá. Y por si no bastaba su vastísima filmografía "Prisioners of the ghostland" llega para darle la patada (de karate, eso sí) a nuestro cerebro. Una película en la que la primera palabra que suelta el actor de culto es "Banzai" dice mucho de lo que vendrá a continuación.

La premisa es bien sencilla: un preso es liberado para encontrar en menos de cinco días a una chica por deseo de un oscuro y poderoso personaje. Hasta aquí nada anormal, pero si nuestro antihéroe se excede en alguno de sus métodos el traje de cuero con partes explosivas que es forzado a ponerse se llevará por delante alguna de las partes de su anatomía...o todas, directamente. Y este es solo el principio.

"Prisioners of the ghostland" se pierde en toda una macedonia de géneros. Comienza como película de atracos con traumático resultado, continúa coqueteando con el western sin perdonar el sombrero de vaquero, aterriza en un universo apocalíptico a lo Mad Max e intenta no perder de vista en su desenlace la chambara. Incluso se permite en el camino flirtear con el teatro clásico, coro mediante (y que alguien me diga que esa escena de Nicolas Cage con el casco en la mano.no es un guiño a Hamlet), y un amago de número musical. Y para dar un envoltorio a la altura a este particular regalo una ambientación riquísima en tópicos nipones, tan cuidada como excesiva, en la que no faltan kimonos, caretas de festival, katanas y hasta el hongo atómico, bailando entre una paleta cromática hipersaturada y la monocromía de la Ghostland del título.

Una propuesta llena de elementos inenarrables. Un Cage en su salsa, capaz de abandonar un pueblo en bicicleta de niña con cestita y todo o de luchar con una hoja oculta en toda regla, y todo un elenco de secundarios que parecen haber recibido como única  norma sobreactúar contribuyen a hacer de esta violenta fábula una experiencia única.

Es necesario dejarse arrastrar por esta auténtica locura solo a la altura de piezas como "Mandy", llena de posibles candidatos a meme del año. Pero el esfuerzo lo recompensa con creces está película imprescindible para los fans de Nicolás Cage en general y del japonismo más bizarro en particular. Abrochénse los cinturones: "Prisioners of the ghostland" ya está aquí.

"Prisioners of the ghostland" podrá verse próximamente en el festival de Sitges.

DELICIAS CELESTIALES

 

El conflicto entre el amor carnal y el amor divino es uno de esos debates de difícil resolución que sin embargo han conseguido sacar lo mejor de artistas y filósofos durante siglos. Ahí están obras como el Éxtasis de Santa Teresa para demostrarlo. Es fácil adivinar que encontró de fascinante en esta idea un director con una presencia tan grande en su filmografía del erotismo (por decirlo de un modo fino) como Paul Verhoeven a la hora de afrontar Benedetta.

Inspirada en una hecho real Benedetta nos presenta la historia de una mujer ingresada desde pequeña en un convento y que, ya en su juventud, empieza a sufrir una serie de visiones que poco a poco comenzarán a tener repercusión en su cuerpo, en forma de estigmas y otras manifestaciones físicas que muchos empiezan a considerar milagros. La película es engañosamente ambigua...si bien no ahonda en si estos "milagros" son o no reales sí nos da entender que las visiones, al menos para su protagonista, si lo son. Lo importante en realidad es como todo ello repercute en una mujerq que ante la llegada de una nueva novicia al convento, empieza a replantearse otros tipos de amor bastante explícitos a la par que que unas creencias que no abandona.

La película es benevolente con sus protagonistas, no tanto con unas altas esferas eclesiásticas inclementes que hacen afirmaciones como que un convento no es un lugar de caridad o que se dejan comprar por el mejor postor, pero que no tolerará entre sus muros una relación como la que vive Benedetta. Un crítico conflicto que se adentra en lo que empieza a ser un clima apocaliptico en toda regla (cometa incluído) con toda una epidemia de peste en las puertas.

Verhoeven consigue meter el dedo en la llaga de la polémica. Sabe en qué liga está jugando y lo hace amparado en una hermosa dirección artística y vestuario y un elenco de actrices que saben sacar lo mejor de si de una historia con altibajos. Es cierto que sigue demostrando cierto gusto por las escenas gratuitas (la embarazada), y por clima nos recuerda en más de una ocasión a cintas como la erótica Interior de un convento pero la pelicula intenta mantenerse en los márgenes de la historia de personajes. El público decidirá si este film conquista por esta o se deja arrastrar por la controversia que siempre acompaña a su autor.

Benedetta se estrena en los cines de toda España el 1 de octubre.

AMAZONAS DEL DESIERTO

 

Canciones con rima, animalillos parlantes, seres mágicos, vestidos de brillantes colores...nada de esto, que nos resulta tan familiar en el cine de animación, especialmente aquel protagonizado por niños encontraremos en Calamity.

Sin embargo en Calamity sí encontramos muchas cosas: un western, un relato de iniciación, una critica a los roles de género establecidos y mucho más. Protagonizada por un personaje cuya mayor relación con la animación hasta el momento era la adaptación del álbum homónimo en la serie Lucky Luke, la película nos lleva a los primeros años de Martha Jane Canary- Burke, más conocida como Calamity Jane.

Auténtica leyenda del oeste esta cinta no vacila en recurrir a todos los tópicos, de los pioneros a los buscadores de oro pasando por tramperos y hasta por el tercero (Huy, casi) de caballería. Pero estas son solo aspectos de etapas en las que va evolucionando una niña de armas tomar. Una auténtica heroína valiente y osada, sin pelos en la lengua y capaz de cualquier cosa para lograr lo mejor para su familia. Es el carácter fuerte de su protagonista, llena de recursos y capaz de sobreponerse, no sin esfuerzo, a todas las adversidades, es lo que realmente consigue enganchar de esta película profundamente crítica con las convenciones sociales (que, aunque ambientada en el siglo XIX son perfectamente extrapolable a nuestra sociedad). Un convincente grupo de secundarios, tanto amigos como enemigos, y una historia sencilla pero con buen sentido del ritmo dan el punto a un relato que consigue tanto entretener como emocionar.

Su cuidado apartado visual, engañosamente sencillo por el diseño de los personajes, pero que, renunciando a contornos y construyendo cada escena con una restringida gama de colores planos, nos regala unos impresionantes planos. El film se recrea en los entornos naturales y, aun contrastando con el tipo de imagen a las que el género nos tiene acostumbrados, consigue sumergirnos de pleno en el espíritu del western e hipnotizarnos a cada segundo.

Calamity es una película de esas que parecen para niños pero resultan absolutamente recomendables para adultos. Su impecable sentido de la imagen, eficaz banda sonora y carismática protagonista hacen de ella una película que debe disfrutarse en pantalla grande. El buen cine del oeste siempre lo merece.

Calamity llega a los cines el 17 de septiembre.

ZURRA Y DRAGÓN

 

Ahora que la vertiente televisiva de la Disney explora las (ahora infinitas multiverso mediante) de los personajes Marvel la gran pantalla, tras las polémicas de la tantas veces retrasada Viuda negra, probar suerte con un nuevo personaje, un nombre poco conocido pero que en breve cumplirá el medio siglo de existencia. Sus aventuras llegan bajo el título de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos.

Tomando de base un personaje en inicio sin poderes metahumanos (aunque a lo largo de su trayectoria ha usado artefactos como brazaletes de poder o los susodichos anillos) y cuya fuerza se basa en su dominio de las artes marciales parte de un arranque de tono legendario que coquetea con la revisión del wuxia estilizado en la linea de cintas como Tigre y dragón o La casa de las dagas voladoras. Un tono que nos lleva a pensar en dos cintas recientes cintas de la casa del ratón antropomorfo como son Mulán o Raya y el último dragón.

Pero este es solo el hermoso prólogo, con las raíces del protagonista: con el paso al presente la cinta adquiere un tono distinto que activa los toques de comedia marca de la casa y nos lleva a un estilo más urbano y unas peleas bien coreografiadas que saben jugar con los elementos del entorno (aunque todavía no entiendo como un moderno rascacielos de Macao tiene andamios de bambú...será que no he viajado mucho). Es esta parte quizás lo mejor de la película, con buenos guiños al universo Marvel (la lucha entre dos viejos conocidos a los que llevábamos tiempo sin ver por la gran pantalla) y algún detalle divertido (¡Ojo al poster de Kung-fu-sion!). Una acertada presentación de los personajes, tanto principales como secundarios animan un desarrollo que es puro entretenimiento, pero que pierde fuelle a medida se aproxima a un épico desenlace que va a sentar las bases para las futuras apariciones del protagonista pero que no brilla tanto, con su profusión de bichos generados por ordenador, como la parte precedente.

Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos es una más que correcta cinta de presentación del personaje. Una premisa sencilla en la que, entre tanto mamporro, intentan tirar por el lado emocional, sacando buen partido de sus actores, especialmente los veteranos Tony Leung y un Ben Kingsley que vuelve al redil de la franquicia, y logrando que hasta en algunos momentos resulte simpática una actriz tan "inclasificable" (por no decir otra cosa) como Awkwafina. Hasta logra que le perdonemos la inclusión de bicho mutante graciosillo (ese Morris que parece una creación del científico loco de South park) y la típica incongruencia de guión destinada solo a añadir emoción (¿Por qué se empeñan en ir en coche por el laberinto mortal pudiendo ir en helicóptero?). Buen ritmo y un sentido del entretenimiento sin excesivas pretensiones, aun cuando flirtea con un ramalazo de misticismo oriental, hacen de esta una cinta de aventuras que se ve con gusto aunque no cale en el espectador. Y por favor quédense hasta el final...la puerta que abre promete un futuro interesante.

Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos ya está en cines de toda España

SUSHI DE AMOR

Es curioso que mientras vemos como en el cine de animación de los últimos años sis alegres personajillos pueden cantar llamándose c***** h***p***, culminar una cinta protagonizada por alimentos antropomorfo en una orgía o llevarnos a terrenos las oscuros como la guerra de Siria todavía vuelven regularmente animes de corte romántico con una fuerte tendencia hacia lo lacrimógeno. Y la fórmula parece seguir funcionando, como quiere demostrar Josee, el tigre y los peces.

Melodrama de hermosa factura la película arranca, con matices, como una suerte de Heidi 2.0. Solitaria chica en silla de ruedas aislada en su domicilio, en parte por su carácter arisco, en parte por una abuela asustada por el mundo exterior, (aunque ignoro cuanto hay de real respecto a la situación de las personas en la situación de la protagonista en el país del sol naciente, porque parece literalmente que ni les ven) conoce a chico soñador y este, poco a poco, va sacándola de su cascarón y enseñándole un mundo lleno de posibilidades. Con una protagonista de armas tomar (su primer contacto físico es literalmente un mordisco) y un protagonista que, de puro abnegado, podríamos calificar de muchas maneras, hacen que nuestra percepción de la cinta, no vamos a negarlo, sería muy distinta si se invirtiesen los roles, presentando una relación de dependencia, forzosa en un principio, que va avanzando hasta convertirse en algo más. 

Con unos personajes y situaciones que solo son posibles en el anime y que nos sumen en una continua sensación de déjà vu la película funciona por una estética en la que destaca su diseño de escenarios (maravillosas las escenas bajo el agua) y una impecable animación. El cuidado a los detalles, como los cambios de peinado y vestuario de Josee a medida su mundo cambia, o la animación de personas y animales consiguen atrapar con una historia sencilla en trama pero compleja en sentimientos.

Aunque los protagonistas gestionen más sus emociones como adolescentes que como adultos (uno está acabando la carrera y la otra dice ha cumplido ya 24 años) no se puede negar su carisma especialmente cuando se dejan llevar por sus vocaciones. Atrapados en un drama in crescendo hasta cierto punto (ese accidente que puede cambiar la vida de ambos para siempre) su historia se ancla profundamente en el apartado emocional, con una chispa de culebrón y un atisbo de crítica social que nunca llega a florecer del todo. Imprescindible para los amantes del soho más romántico lejos ya de elementos fantásticos y otros envoltorios superficiales la película destaca su apartado visual dejando su argumento para el deleite de los amantes del amor con ganas de darle a la lágrima

Josee, el tigre y los peces llega a los cines el 10 de septiembre.

EXPEDIENTE GIALLO

 

Tengo una noticia buena y otra mala. La buena es que James Wan ha vuelto al género que nos hizo tan felices: el terror. La mala es qué la mayoría del público que se acerque a ver su último film, Maligno, no va a encontrarse precisamente con el Wan que esperaba.

Dejando en el tintero las franquiciables Aquaman y Fast & Furious si hay un nombre que se asocie a Jamen Wan ese es Expediente Warren. Horror relativamente alejado del gore, que sabe hacer un gran uso del tempo y la tiniebla y de espíritu relativamente clásico. Pero Wan también es, recordemos, autor de esa carta de amor a lo grotesco que es Insidious, de la Saw original y sobre todo de esa película relativamente olvidada y tremendamente recomendable que es El silencio desde el mal. Maligno se desplaza dentro de esta órbita, con la historia de una mujer que, habiendo perdido a su esposo e hijo nonato en inquietantes circunstancias empieza a ser testigo de unas horripilantes visiones que parecen conectarla con un asesino en serie.

Si pensamos, al empezar a ver la película, que estamos ante la típica historia casa encantada-posesiones varias estaremos lejos del auténtico tono de la cinta, y probablemente nos decepcionará. Y más tras un sangriento prólogo en la tradición masacre en el manicomio pero que va a abrir paso enseguida a un primer asesinato en la linea de ese terror escalofriante, jugando con sombras que aparecen y desaparecen y con un gran juego con la profundidad de campo, y al que su director tan bien nos ha malacostumbrado. Pero los tiros no van por ahí. Maligno es una revisión del giallo en toda regla, coqueteando, sin abusar, con colores estridentes, de la música con matices electrónicos y sangrientos primeros planos.

Un perfecto descenso a la locura menos sorprendente de lo que pretende (a poco que estemos atentos ya en los primeros minutos adivinamos el desenlace. Y aunque aquí no la nombraremos por ser un spoiler en toda regla nos recuerda a una querida cinta de culto de 1983) pero que convence al convertirse en todo un tren de la bruja al que hasta les perdonamos sus incongruencias temporales (hay un momento en el que uno de los personajes es llevado una celda y, visto el respetable, parece que ha viajado en el tiempo a finales de los 70) entre otras (los poderes "ninja" del asesino, con unos efectos especiales en más de un momento que rozan lo cutre). Un sangriento y alocado festival que constituye una cariñosa carta de amor a las bizarras tramas del giallo clásico, y que aunque nos hace añorar todavía al Wan más terrorífica nos da esperanza en un autor que parece no haber sido abducido del todo por el Hollywood más comercial.

Maligno ya se puede ver en cines de toda España.