EXCURSIÓN DE ULTRATUMBA

Los muertos dan problemas...o al menos eso parece en cuestiones cinematográficas, sin importan si estos se menean mucho (léase zombies y similares...más de un muerto está muy vivo) o si se trata de unos difuntos tranqueilos u normales, ya que muchas veces en un funeral hay más lío que en una despedida de soltero (Un funeral de muerte), y es que los vivos también se las traen...es el caso de la película de la que hablamos hoy...Quatretondeta.

Tras el funeral de la mujer de Tomás, este descubre que su cuerpo no va a ser enterrado en Quatretondeta, como ella siempre había deseado, sino que este va a ser llevado a París, por petición de la hija de esta. Desconociendo a esta mujer y las razones que motivan el translado Tomás en un descuido del trabajador de la funeraria robá el coche fúnebre para llevar a su esposa a donde ella deseaba pero por el camino un hombre le detiene y obliga a ir a su casa al confundirle con el enviado de las pompas fúnebres que está esperando para enterrar a su padre...y Tomás se ve incapaz de convencerle de su error. las cosas se complicarán cuando llegue al pueblo la hija de la difunta reclamando el cadáver de su madre y el dueño de la funeraria se vea incapaz de confesarle que ha pasado realmente con el ataud.
Curiosa fusión de drama y comedia con un puntito de humor negro Quatretondeta es una película con un original aunque macabro aranque que nos llevará a una breve pero intensa road movie.
Con un gran reparto que nos ayuda a empatizar con una historia de corte surrealista de principio a fin
pero con un espíritu melancólico que va revelándose poco a poco hasta una auténtica catarsis en torno al valor de las raíces y los recuerdos, la película tiene una primera parte, hasta que se resuelve el gran enigam aen torno a la relación existente entre los personajes protagonistas, con buen ritmo, pero que, uaa vez, resuelto este pierde gran parte de su fuerza sumiéndose en un universo tan exótico como típico como son las fiestas de moros y cristianos.
Pero entre esta historia (cuyo desenlace no revelaremos), tan curiosa y atrayente en un principio, lo que más destacan son un elenco de personajes emtre los que encontramos a un siempre impecable José Sacristán y un Sergi López en uno de esos papeles inquietantes a los que ya nos ha acostumbrado pero a los que se les puede poner pocos peros, así como un elenco de secundarios ( entre los que seguramente el que más suene sea por su popularidad mediática gracias a El ministeiro del tiempo Julián Villagrán, como dueño de la funeraria) que nos dejan algunos de los mejores momentos de ls función, especialmente cuando se inclina hacia el lado cómico de la historia ( la visita a la casa del Alcalde), una vertiente que francamente favorece a una película que quizás debiera haber optado más por este frente al drama.

Con un pequeño toque de western (a lo que sin duda contribuyen unos solitarios parajes, pero sin faltar escenas a caballo e incluso algún momento que nos puede hacer pensar en un asalto al uso...escopeta incluída), escenas oníricas de belleza abrumadora (la llegada de los barcos a la playa durante las fiestas) y un surrealismo que le sienta francamente bien (la orquesta ensayando en la funeraria...) la película nos regala una historia con buenos mimbres pero que se va perdientdo en intricados caminos a medida que avanza su metraje, a pesar de los esfuerzos de unos actores con grandes momentos (la cara de felicidad de una hija que, sin haber soltado una lágrima durante toda la película por fin consigue reencontrarse con sus raíces), y de los momentos en que parece que va a retomar su ritmo, dejándonos una conclusión fallida que parece casi un añadido frente al "falso" y sorprendente final que nos es revelado minutos antes, y que, con una carga emotiva más suavizada dará lugar sorprendentemente a una escena tan divertida como innecesaria, pero quequeda como muestra de lo bien que le sienta a esta película su lado cómico frente a un drama quizás más forzado en algunos momentos

Surrealista drama con tintes cómicos Quatretondeta es una curiosa historia de personajes en la que lo mejor son sus actores.

¿NO HAY MÁS QUE UNA?

Mientras que, si hablamos de padres, cinematográficamente hablando se entiende, casi siempre el primero que viene a la mente es un hombre alto de casco reluciente, profunda voz y marcada sentencia, en el caso de las madres el asinto es más peliagudo, desde las progenitoras de Jason o Norman Bates a la inquietante madre-reina Alien, pasando por toda una serie de madres coraje que han dejado su improta en el séptimo arte... hoy nos dejamos llevar por una grupo bastante más numeroso..¡y en la misma película!, hoy hablamos de Feliz día de la madre.

 Cinco historias de madres muy distintas. Sandy se enfrenta al matrimonio de su exmarido con una mujer más joven que quiere actuar como una buena madre para sus dos hijos. Kristin tiene un presioso bebé con su pareja pero no se atreve a darle el sí hasta que no solucione un asunto de su pasado. Jesse le oculta a Florence su madre, que se ha casado con un médico hindú con el que tiene un hijo pequeño y que su hermana se ha casado con otra mujer. Bradley intenta criar a sus dos hijas solo tras la muerte de su esposa. Y Miranda en vez de hijos tiene una fabulosa carrera como vendedora de joyas. Cinco particulares historias que se entrelazarán a medida que se aproxima la celebración del día de la madre..
En la línea de Historias de San Valentín o Noche de fin de año (con las que comparte director, el veterano Garry Marshall) la película es una combinación de historias cuyo punto en común es el protagonismo de las madres, de la primeriza a la veterana que se enfrenta a cambios pasando por la ausente (el caso de Bradley en la que este adopta no sin dificultad, más emocional que física, ambos roles),, para dar lugar a un divertido conjunto.
Comedia dulce con humor bastante blanco (aunque con algún elementeo "adulto" tan surrealista como la carroza con forma de útero...y a la que no se refieren con otro nombre que no sea este) la película es rica en diálogos con numerosos chistes en torno a las relaciones entre parejas (incluso uno de los personajes es aspirante a monologuista, y tanto sus números como los de sus compañeros giran en torno a este tema) pero sin renunciar a gags más físicos (el disfraz de león al revés, el tobogán deshinchado...) o incluso a la intervención de algún personaje que, por inesperada, añade una miguita de sal al conjunto (la suegra de Jesse, el payaso de la fiesta de Sandy...).
Con un reparto de lujo en el que no faltan rostros habituales en el género cómico, como una Julia Roberts dedicada a la televenta de joyas cuyo papel parece en un comienzo meramente aglutinador, si bien este va aumentando y creciendo en profundidad a medida que avanza el metraje, o una Jennifer Aniston en un rol de aquellos a los que nos ha acostumbrado en la gran pantalla, aunque quizás ligeramente un poco más comedido de los que nos tiene acostumbrados (si bien son su historia y la de Jesse, interpretada por Kate Hudson, que se enfrenta a un huracán de madre que no acepta en un principio su relación), la película nos brinda dos horas de entretenimineto que se abre y cierra con una prqueña reflexión en torno al papel de las madres (y un gag tan divertido como el del plátano, en una situación tan cotidiana como esa madre desesperada porque comas fruta...y vaiada), a lo que sin duda contribuye su buen sentido del ritmo así como unos diálogos más edulcorados que ácidos pero de esos que hacen brotar una sonrisa comprensiva (aunque en más de un momento generen una sonora carcajada), sin imporarnos alguna ligera sensación de déjá vu ni esos finales (no creo que nadie se lleve a engaño) solucionados que ya son marca de la casa y que dejan una sensación ligeramente agradable en el espectador.

 Una divertida opción para ver aprovechando la propia festividad Feliz día de la madre se estrena el 29 de abril en las salas comerciales. Y probablemente sea de esas películas que le gustan...a tu madre.

CRUZADA IDEAL

Seguramente cuando uno oiga el nombre Michael Moore (y no sea George W.Bush ni ninguno de sus simpatizantes) lo primero que nos venga a la mente tras la visión de su oronda silueta coronada por una sempiterna gorra alguno de sus documentales (probablemente el oscarizado Bowling for Columbine) pero francamente para mí es una comedia, la divertidísima sátira (sí, hablamos de ficción) de 1995 Operación Canadá (editada en Dvd) en la que ya florecen algunos de los temas que lleva años abordando como documentalista y que versa sobre la hipotética invasión de Canadá por parte de un grupo de enfervorizados americanos tras una demencial campaña prpagandística...y es que esto de la invasión no es algo nuevo para Moore como vemos en su última cinta ¿Qué invadimos ahora?

El ejército estadounidense, tras unas guerras que sólo consiguen traer más guerras, no sabe que paso tomar a continuación. Por suerte el infatigable Michael Moore está ahí para ayudarles, emprendiendo la invasión de varios países extranjeros para llevarse lo mejor de ellos: sus ideas, Será el comienzo de una gira por paises como Itslia, Francia, Finlandia, Alemania, Eslovenia, Portugal, Túnez o Islandia, donde conocerá algunas tan sorprendentes para el sistema de EE.UU. como las vacaciones pagadas, los colegios de calidad o los estudios universitarios gratuitos, y que le encantaría llevar a su país...para implantarlas como propias.

Fiel a su espíritu, y tras haber analizado inclemente el modo de vida americano, el sueño americano  y hasta el sistema sanitario americano Michel Moore vuelve a la carga atravesando el charco para descubrir una serie diferencias sustanciales entre el sistema laboral, educativo y administrativo de syu país y el de un buen número de países europeos a los que, en lo que en un comienzo puede parecer un salto mortal y sin red añade, y más que justificadaemte, el africano Túnez.
Con un irreverente sentido del humor a prueba de bomba (arriesgada pero genial la referencia a los "documentales alemanes") ya desde su punto de arranque, presentaándose como auténtico salvador de su patria, bandera en ristre (y para redondear reflejada hasta en sus gafas) en un estilo heredado directamente del cine de acción, la película analiza una por una facetas de los países que visita desde lo más lúdico (vacaciones pagadas) a lo más revolucinario (el sistema de prisiones noruego o el valor de la mujer en países tan distintos como Islandia o Túnez).
y sabe hacerlo con un lenguaje tan audaz como divertido, que nos hace olvidar por un par de horas, y más en el clima de la Europa de 2016, que lo que realmente expone es la parte más luminosa y bonita de los países que visita (justificándose eso sí en que viene a "recoger las flores, no las hierbas") unas opciones que, de tomarse conjunta y simultáneamente en un único país harían de este la mayor y mejor de las utopías, presentando una América ensombrecida por toda clase de abusos (mezclando imágens tomadas de móviles y más de una que, desgraciadamente, nos sonarán de algún telediario) en contraste con una Europa casi de postal (en el caso de Eslovenia casi de cuento de hadas), lejana a unas sombras que se hunden en el pasado (como en el interesante apunte que hace acerca de laa medidas educativas de Alemania frente a su oscurao pasado).
Con un gran sentido del ritmo, un elaborado montaje en el que no faltan ni escenas de cine clásico (coronado por una escena de El mago de Oz que va como anillo al dedo) y un omnipresente Moore que sabe esconderse tras la cámara en los momentos adecuados pero que siempre queda como centro en torno al que pivota el resto de la función (y que por supuesro se guarda las perlas de la función hasta en forma ya no de palabras sino de sonidos...como en la referencia a la alergia mientras entrevista a una pareja de policiícías portugueses) la película entusiasmarás a los fans de su director(guionista si bien su discurso no resulta ya tan nuevo como lo era hace unos años, aunque sin perder (por desgracia hay cosas que siguen estando muy vigentes) valor su mensaje, que puede que haya perdido frescura, pero de ninguna manera ni fuerza ni (ácido) humor, convirtiéndose en una de las obras más divertidas de un Michael Moore que no se rinde.

¿Qu´einvadimos ahora? podrá verse el DocumentaMadrid en la Cineteca de Matadero, y será estrenado comercialmente el 27 de mayo en las salas españolas.

DIVINA DESCONFIANZA

A más de un cinéfilo impenitente le vendrá a la mente el incendiario debate mantenido en la siempre recomendable El nombre de la rosa cuando suben a la palestra los temas de risa y religión peo la verdad la fusión entre comedia y religión, por irreverente que pueda parecer en frío siempre ha dado buenos resultados, de la sonrisa comprensiva a la carcajada iracunda y con ejemplos tan variopintos como El padrecito, Nunca fuimos ángeles o El día de la bestia. La última muestra nos llega de la cuna del catolicismo y con un título más que adecuado...Si Dios quiere.

Tomasso es un reputado cirujano, si bien dotado de un racionalismo exremo y un omportamiento arisco que no ayuda en absoluto en sus relacines sociales. Cuando su hijo, Andrea, le comuica que tiene que dar una gran noticia a toda su familia asume enseguida que es su salida del armario y pide a todos que sean cariñosos y cmprensivos ya que lo más importante es el amor. Pero la sorpresa llegará cuando este les comunica que ha encontrado al hombre de su vida y este es...Jesús, ya que planea abandonar la carrera de medicina para meterse en el seminario. Tomasso finjirá apoyarle pero lo que realmete planea es averiguar quien le ha metido esa idea en la cabeza, y pronto descubrirá que es un simpático sacerdote. Solo le queda averiguar sus traos sucios para desacreditarle y coseguir que Andrea abandone la idea de dejar una prometedota carrera por lo que para su padre es una mera quimera.
Cinta italiana en torno a un tema tan espinoso como son las convicciones religiosas pero con un tono amable y distendido la película nos presenta una comedia de enredo con unos personajes de carácter muy marcado que en ocasiones llegan a rozar el tópico (como la hija no muy despierta que parece centrarse en una moda cada vez...sin importar si es el aquillaje o asuntos más profundos como la religión, o el aspirante a cirujano que solo despostrica cuando su jefe no está delante)
Si bien se dejan en el tintero posibles conflictos como las dudas del aspirante a seminarista la película se centra en la furibunda reacción de un padre (que solo conocen y ocultan su esposa y un yerno corto de luces que muy pronto se convertirá en cómplice y nos regalará algunos de los mejores momentos de a cinta) que deja desde un primer momento muy clara su postura, en un divertidísimo montaje de imágenes que van desde Giordano Bruno al escudo papal pasando por la serie Don Matteo, protagonizada por Terence Hill, en torno a sus ideas sobre la religión católica y haciendo que, en vez de optar por el razonamiento y el diálogo decida abrdar el conflicto a través de la conspiración más absurda y reveládose como un individuo más irracional (y por otro lado má sentimental) de lo que parece.
Protagonizado por un grupo de actores que demuestran estar en su salsa en esta cómica historia la película sabe alternar los diverttidos diálogos con un humor visual que dará lugar a escenas tan divertidas como la cena en casa de "Mauro", y que harán que vaya creciendo la locura en una cinta en la que, en el fondo, la sangre nunca llegará al río.
Si Dios quiere es una comedia con un buen punto de partida y un ritmo ágil que consiguen contarnos una hermosa histoiia sobre la importancia de la amistad y de la familia entre personas no afines, en la que lo importante no es la conversión sino la aceptación, y que lo demuestra con un final tan ambiguo como poético (y que aquí no desvelaremos), pero que no desentona en absoluto en una película que sabe presentar las escenas emotivoas  en momentos puntuales y mucho sentido del humor (el abrazo entre padre e hija tras oir una canción de su cantante favorito) y que, a pesar de más de un tópico que se cuela en su función, sabe hacernos salir del cine con una sonrisa.

Dulce comedia sobre las relaciones humanas Si Dios quiere se estrena el 10 de junio en las salas españolas.

LA INCREÍBLE JOROBA MENGUANTE

Hay cosas como los boomerangs, los vecinos pesados que se van de vacaciones o las ganas de hacer una completa locura que siempre vuelven, Y por supuesto, con mayor o menor fortuna, nuestros queridos iconos del cine de terror pertenecen a este grupo, mutando su rostro e incluso su género (y si no que se lo digan a la maravillosa El jovencito Frankenstein). La última llega protagonizada por dos actores que nos resultan más familiares en sus roles de Harry Potter o Profesor X, un plus de esos que no pueden más que aumentar nuestra atención y su nombre Víctor Frankenstein (¿pero no era Fronkonstin').

En un circo londinense trabaja como payaso un jorobado sin nombre, un estudioso de la medicina que no ha conocido otra vida que la de bufón, a pesar de sus conocimientos. Un día la trapecista, por la que siente un amor platónico, cae al suelo desde gran altura, y milagrosamente consigue que vuelva a respirar, atrayendo la atención de un espectador muy concreto: el estudiante de medicina Víctor Frankenstein. Con su ayuda escapará del circo, con la condición de ayudarle en unos experimentos que, según él, probarán que la muerte es algo transitorio. Pero antes de comenzar esta cruzada qeu pondrá a prueba todo lo que ha creído hasta ahora Frankenstein logrará librare de su joroba y, para no levatar sospechas, le pedirá que use el nombre de su compañero de residencia: Igor.
Con la originalidad de que el narrador de esta historia ya clásica es el Igor, el clásico y leal ayudante del doctor, aquí transmutado en un joven de apariencia normal (de su peinado y ojeras mejor hablamos otro día) con unos conocimientos que igualan a los del creador de la criatura (aquí no se limita a darle a la palanquita, robar cadáveres y decir gangosamente "sí, amo") la cinta aborda el mito del moderno Prometeo regresando a un Londres victoriano cuyos mejores referentes sean probablemente las dos entregas del Sherlock Holmes protagonizado por Roberrt Downey Jr.
Con un comienzo vibrante con un puntito de cuento de hadas, en el que perfectamente Igor adoptaría el rol de Cenicienta y Frankenstein el de su particular y un poquito sádica hada madrina (no me tiren de a lengua respecto al método empleado para eliminar una joroba que según él es una especie de quiste...puedo garantizar por experiencia propia que algo así, en esa zona, pero infinitamente más pequeño duele como un auténtico demonio y para su eliminación requiere de un proceso tan largo como tedioso), la película exhibe desde su arranque una cuidada dirección artística y vestuario que son, a pesar de alguna incoherencia, lo mejor de la película, sabiendo mostrar gran variedad en su descripción de ambientes (de los esplendorosos salones a la tenebrosa facultad) y contribuyendo a que nos introduzcamos más fácilmente en una trama que ya desde su comienzo demuestra lo lejana que está de su original (con un monstruo definitivo que aparecerá solo al final, y siempre relegado en protagonismo por Igor y Víctor).
Con un guión que aporta alguna gran idea (el inspector de fuertes convicciones religiosas que investigará sin descanso los estudios de Víctor, el pape del mecenas...) que sin embargo no llega a desarrollar tan efizcemente como podría haberlo hecho) pero que en ocasionesda agún tropiezo (el interés romántico de Igor...) que se acentúa con alguna más que cuestionable opción estética (esos apartes con la foto y el nombre con letras grandes de Víctor Frankenstein casi al principio y al final y que nos sacan completamente de la película) la película es en el fondo un divertimente distendido que entretiene a los que acuden a él sin excesivas expectativas y con curiosidad de ver a sus protagonistas en estos roles clásicos, no tanto a aquellos que realemete quieran disfrutar de una tenebrosa fantasí gótica.
Víctor Frankenstein es una atípica versión de una historia que ya conocemos, pero más por la caracterización de sus personajes (un alocado y casi grosero doctor frente al moderado Igor) que por hechos puntuales, y nos deja una sensación ligera de originalidad, si bien probablemente nunca estará en las listas de grandes adaptaciones de la criatura de Shelley,

Regreso a un mito que ancla más en el siglo XXI que en el suyo propio, una fábula fantástica para disfrutar con más cachondeo que pretensiones

MÁS MADAME QUE BOVARY

Como lectora más o menos voraz tengo que reconocer que hay personajes y obras que, independientemente de su calidad literaria, consiguen sacarme literalmetne de mis casillas...y ente ellos se llevan la palma títulos tan conocidos como Tartufo o La Regenta...aunque claro, es un material que cuando nos aproximamos a ese cine que tanto nos gusta, nos da incluso para alguna perla adicional como ese delicioso Tartufo de Murnau protagonizado por el siempre enorme Emil Jannings...veamos que pasa con otro personaje que me gusta añadir a mi particular lista...hoy hablamos de la última Madame Bovary.
La joven Emma abandona el internado para casasrse con el Señor Bovary, un sencillo médico rural. Libre de las rígidas normas de las religiosas conocerá poco a poco lo que significa el amor de un hombre y los pequeños lujos provenientes de la gran ciudad, y abandonará su primitiva inocencia por una vida cada vez más desenfrenada, en la que los deseos de lujos, nuevos amores y un ascenso en la escala social empiezan a cobrar cada vez más peso en su caótica existencia.
Basada en el clásico literario la película nos presenta una falsa heroina que, frente a monotonía y monogamia, aboga por una desesperada búsqueda de amor y esplendor que cree encontrar en una serie de amantes y bagatelas materiales que no son más que meros placebos que acabarán minando su existencia.
Protagonizada por una correcta Mía Wasikowska, que parece haber hecho del polisón y el miriñaqie su particulara campo de batalla cinematográfico la película es una fría aproximación al material original, que se deshace más en unas lánguidas y frías miradas y ademanes que en pasional e hiriente diálogo, minando la empatía que pudiésemos sentir ante una historia en la que su protagonista poco a poco va abandonando las normas y convenciones sociales para caer poco a poco en el rechazo generalizado de aquellos que forman su entorno (hasta la Iglesia misma, que le pide que se retire amblemente).
Así, con una absoluta falta de ritmo la película se pierde entre unos grandes dirección artístic ay vestuario, plasmados con una hermosa fotografía que va mostrando como, a medida que estos se vuelven más recargados y luminosos se va volviendo más negrá el ánima de nuestra protagonista, y que quizás sean lo más destacable de una función mucho menos catárquica de lo que pretende, y por supuesto menos  generadora de emociones.
Madame Bovary es una película visulamente deslumbrante, pero muy pobre en otros niveles..ignoro lo que opinarán los amantes de la novela homónima respecto a su correspondencia con la misma, pero esta nueva Bovary se revela poco digna de lástima a pesar del dramastismo de su historia, dejándonos todo un abanico de personajes tan miserables como poco profundos, en unas escenas livianas incluso cuando más realistas y tremendistas pretenden ser (la operación del pie, el pago de la deuda), en una cinta  que a pesar de pretende crear un círculo a través de sus paralelismos (el (el bosque, el pelo suelto con el que sepresenta y se despide del vendedor...) muy lejos está de ser perfecta y que nos deja un regusto amargo ante una de esas obras que de vez en cuando vuelven a acudir a nuestras pantallas con nuevos rostros.

Frío drama de época Madamae Bovary se estrena el 20 de mayo en las salas españolas.

REGRESO AL PRINCIPIO

En las malvadas garras del séptimo arte el tiempo se vuelve una sustancia maleable que desplegar y replegar, en el que podemos escondernos a nuestro antojo para descubrir que muchas veces ni el tiempo pasado fue mejor ni el futuro nos regala más que catástrofes o bizrros líos familiares. Y a veces no hace falta ni viajar por él...a veces simplemente se reinicia, como en un día de la marmota cualquiera. Es el caso de la película de la que hablamos hoy: Ahora sí, antes no.

 El director Ham tiene un día libre antes de presentar una de sus películas. Mientras hace turismo conoce a una joven pintora que le invita a su taller a conocer su obra, tras lo que irán a cenar y a la pequeña celebración de unos amigos. Pero tras la presentación nuestra historia vuelve a empezar..y la historia de Ham vuelve a comenzar para cambiar...y más que ligeramente.
Curioso díptico formado por dos versiones distintas de una misma historia, de similar comienzo (la única diferencia es el tiempo meterológico y los malabarismos de su protagonista con un vaso de café) pero muy distinto desenalace la película es un drama con toques cómicos sobre una particualr historia romántica.
Rodada con sencillez, con encuadres generales y movimientos de cámara básicos, la película nos presenta la historia y a su vez la distorsión del típico chico conoce chica, si bien nos presenta una primera hora más convencional que va a mutar escalonadamente durante la segunda.
Así el comienzo prácticamente idéntico, con alguna ligera omisión (la pista de trineos) va revelando pequeñas diferencias, a veces una mera postura (en el segundo nuestro protagonista parece más dormido que sentado en el interior del templo), a veces un elemento (el color de la pincelada se troca en la segunda parte por su complementario), hasta comenzar a cambiar completamente tanto los diálogos como la actitud de los personajes, si bien los escenarios en los que se mueven siguen siento los mismos (el bar de sushi), haciendo que mientras la primera hora sea más bien un drama romántico resuelto de una manera más o menos correcta la segunda se convierta más bien en una comedia romántica con algún toque bufo, y que justifica plenamente el curioso título de la cinta.
Tremendamente sencilla a nivel visual y argumental, no tanto así en una concepción que huye de fantasías o viajes temporales para justificar la doble vida de su protagonista y el cambio de reacción ante la misma chica la película es un original experimento que sin embargo exigirá una mayor colaboración de aquellos espectadores poco habituados al cine oriental y su particular ritmo, si bien puede atraer a los que disfrutan con una historia romántica tan simple como intrigante, aunque presisamente por ello quizás conquiste a más de un espectador suponiendo, eso sí, que tenga la paciencia necesaria....

Atípica cinta coreana premiada en el Festival In ternacional de Cine de Locarno y en el Festival internacional de Cine de Gijón la película se estrena el 6 de mayo en salas

CAPOTE DE NEÓN

Los pájaros, 12 monos, La gata sobre el tejado de zinc, Bailando con lobos, La anguila, La mujer pantera Tiburón...las películas con el nombre de algún animal en su título son más frecuentes de lo que podemos pensar en un primer momento, incluso cuando esto hace referencia a un elemento puramente anecdótico y eso que aunque su presencia es más que habitual en el cine de animación raramente se hace referencia a esto en el título (optando más frecuentemente por su nombre de pila como pasa con Bambi y similares) Es el caso de la película de hoy, en la que sin embargo e nombre hace referencia a un humano...hoy hablamos de Toro.

Cinco años tras el acciedente, mientras huían de la escena de un crimen, en el que murió el hermano de ambos, Toro y López vuelven a encontrarse. Mientras el primero, a punto de cumplir su condena por completo (de tal modo que solo duerme en la cárcel)  intenta rehacer su vida, con  un trabajo honrado y una novia que le adora  el segundo se ha metido en una gran lío al deberle dinero al antiguo patrón de ambos, que le ha roto la mano y secuestrado a Diana, su hija, hasta que salde su deuda, y Toro es la única persona a la que recurrir. Serña el comienzo de una odisea en la que pondrán en juego sus vidas y las de sus seres más queridos.
Con un gran reparto como cabeza de cartel  y bajo la batuta de Kike Maíllo, directot de a muy recomendable Eva, Toro es una curiosa incursión en el universo del thriller, con un potente comienzo que nos introduce con garra en esta historia de venganzas y redenciones que desde su comienzo se nos revela como la crónica de una fatalista profecía cumplida.
Película de accióncon in fuerte sabor cañí, algo que nos recuerda a otras propuestas como Nadie conoce a nadie, aunque en algúhn momento casi nos pueda remitit al mundo del desaparecido Bigas Luna (por no faltar no fata ni el toro de Osborne) la película cuenta con un buen puñado de referencias que van desde su banda sonora al rico imaginario religioso que rodea al (gran) villano de la función, José Sacristan, pasando por los nombres de algunos personajes con tntes casi lorquianos (Rafael Romano, el mismo Toro) e incluso con detalles como el uso de una baraja española por parte de la adivinadora con cuyos augurios se abre el film, e intenta fusionarlos con un lenguaje más proio del cine de acción de los 90, haciendo que nos vengan a la mente referencias como Luc besson (Lolita andrógina incluida), así como algún elemento que casi parece heredado del mundo del videojuego (ese puñal oculto casi hijo bastardo de la hoja oculta de Assassin's Creed...¿o debería decir Marathon man?), pero creando un conjunto más fallido de lo que podemos prever en un primer momento, lo que se hace particuarmente palpable en el arco final del metraje.
Toro es una película con un comienzo de esos que atrapan, unos actores que saben meterse con habilidad en la piel de sus personajes (en especial José Sacristán y un Luis Tosar con un papel ligeramente menor de lo que esperábamos en un primer moento, así como la joven intérprete de su hija...y que francamente consiguen comerle sin esfuerzo la pantalla al auténtico protagonista de la función, un Mario Casas que no sonsigue centrarse en un papel muy rico en posibilidades) y algún plano particularmente hermoso (Toro tras la mampara de la sala de espera del hospital roto de dolor) pero va perdiendo interés a medida que avanza hacia un final más predecible de lo esperado (y que por supuesto aquí nos desvelaremos), recreándose más en en la representación de una irreal Andalucís comida literalemente por fríos edificios que en las almas de sus personajes, frenando tanto ritmo como empatía y dando lugar a un resultado poco satisfacotrio, a pesar de sus buenos mimbres y alguna escena de acción francamente bien coreografiada

Thiller de acción que fusiona nacional e internacional Toro se estrena el 22 de abril en las salas de toda España.

BOTÁNICA DIVINA

El cine siempre ha sido y. esperamos, siempte será una fábrica de sueños, pero también es, mal que le pese, una fábrica de mensajes. No se trata de la relevancia que ha adquirido en muchas ocasiones como espejo político, dando lugar en malas manos a frutos tan hermosos como aterradores, ni a esa tan cacareada plaga de mensajes subliminales que pueden colarse entre fotogramas tal como demostraban los protagonistas de la muy recomendable El club de la lucha. Muchas veces puede ser un mensaje bello y esperanzador...pero mensaje al fin de cuentas y a cada uno le corresponde con toda libertad como interpretarlo. Es el caso de Los milagros del cielo. 

 La familia Beam, compuesta por un matrimonio y sus tres hijas, viven felizmente en su pequeña granja de Texas. Alegres, un poco soñadores y profundamente cristianos todo su mundo parece romperse cuando la hija mediana, Anna, contrae una extraña enfermedad del sistema digestivo que la obliga a comer a través de una sonda y tomar una desorbitada cantidad de medidamentos que no consiguen aliviar un dolor que no remite. Desesperada, y mientras se agotan sus recursos y su propia fe poco a poco, la madre decide llevarla al Hospital infantil de Boston, en el que trabaja uno de los mejores especialistas del mundo...será el comienzo de toda una odisea en el que conocerán lo mejor y lo peor que puede dar el ser humano.
Basada en hechos reales la película nos cuenta la dramática historia de los Beam, una familia corriente que se enfrentó a la terrible noticia de la incurable enfermedad de su hija Anna (de hecho la película se cierra con imágenes de los verdaderos protagonistas) con tesón y entrega, pero también planteándose sus propios valores.
Partiendo desde un primer momento de sus creencias religiosas, de modo que la película arranca la misma mañana de Domingo antes de marchar a la iglesia (tan moderna que hasta tiene grupo de rock cristiano en vez de ancianita con órgano), mostrando tanto sus sólidos lazos familiares como la importancia que tiene su fe dentro de estos (es más ellos y sus vecinos forman una auténtica comunidad tanto en el templo como fuera de él), la película establece todo un debate en torno a la fuerza de la propia espiritualidad ante el amargo trance de la enfermedad de un ser querido, con tintes que van entre lo edulcorado (la decisión de no comer pizza de queso al creer en un primer momento que se trata de una alergia a la lactosa) y lo amrgo (las vecinas que sugieren que la enfermedad puede ser fruto de los pecados de los padres de Anna o incluso de la propia enferma), aunque en ocasiones lo deja de lado para revelarnos simplemente algunas facetas de la bondad humana.
Y es que, a pesar de la horrible enfermedad que presena la cinta (sin ocultar momentos tan impresionantes como la introducción y estracción de la sonda...de esos que le duelen hasta al espectador) la película adopta en la mayoría de su metraje un tinte de fábula a lo que sin duda contribuyen la elección de una luminosa fotografía casi en todo momento (las impresionantes imágenes del acuario) así como una seire de personajes secundarios que parecen casi sacados de un cuento de hadas (la camarera Ángela, encarnada por una Queen Latifah en un papel del estilo al que poco a poco nos ha acostumbrado, o en muchos momentos el mismo doctor Nurko) y que tinen su culmen en el deus ex machina (y nunca mejor dicho...no desvelaremos en qué consiste exactamente pero tampoco creo que tampoco sea una gran sorpresa) que cierra la película.
Tremendamente emotiva, incluso podríamos decir en exceso (si son de los de lágrima fácil en el cine mejor llevarse la sábana...no vale ir llorado de casa) la película tiene su mejor baza en sus actrices, especialmente las infantiles, tanto protagonistas como secundarias (maravillosa la pequeña intérrete de la compañera de habitación de Anna, víctima de un cáncer terminal), que saben dotar de realismo a un guión que en ocasiones no lo es tanto (hasta generando incredulidad a la que en el fondo es una historia real) y que da como fruto una historia tan llena de amargor como de esperanza.

Dramón de los gordos, independientemente de un marcado carácter religioso que abre y cierra la cinta, Los milagros del cielo se estrena el 22 de abril.

PARA COMÉRSELO

Ya hemos hablado unas cuantas veces por estos lares de esas jugosas relaciones que existen entre nuestro querido séptimo arte y la literatura, el teatro o incluso la televisión...pero siempre hay alguna arte escénica que quiere inirse a la fiesta y sin duda una de las más agradecidas, que no tan habitual, es el circo...desde el oropel de El fabuloso mundo del circo a la desgarradora Freaks, pasando por un reverso tan tenebroso como la muy recomendable Balada triste de trompeta...la última muestra llega bajo el nombre de Monsieur Chocolat.

Último cuarto del siglo XIX. Un humilde circo ambulante tiene entre sus números el de un increíble Rey caníbal, bajo cuy exótica vestimenta se oculta Rafael Padilla, un sencillo artista que aspira a más. Cuando el clown Foottit, en horas bajas, le descubre tras ser rechazado su número por el propio jefe del circo le propone formar ujn dúo cómico, algo novedoso que puede revolucionar el concepto de payaso en aquellos años. Rebautizado como Monsieur Chocolat el show comenzará a hacerse muy famoso, de tal modo que el dueño de un importante circo parisino les propondrá trabajar para ellos, consiguiendo fama y fortuna a partes iguales. Pero esta será solo la cara luminosa ya que Chocolat, adorado por niños y mujeres pero con un sueldo muy inferior a su compañero, empieza a replantearse la ética de la actuación que realiza cada noche.
Basada en hechos reales Monsieur Chocolat es la crónica del ascenso de dos artistas que revolucionaron el concepto de circo al crear un número en que los dos principales tipos de payaso (Carablanca y Augusto) se unían para ejecutar sus pantomimas y acrobacias.
Cinta de corte dramático protagonizada por unos Omar Sy y James Thierrée que estan sencillamente en su salsa, tanto en sus números como clowns (en los que nos introduce una uso de la cámara que nos sumerge en pleno centro de la pista) como en las escenas más trágicas y que saben crear unos personajes tan creíblex como carismáticos, la película consigue atraparnos desde el primer momento con una historia que comienza como una esperanzadora historia de éxito y superación pero a la que poco a poco se van añadiendo tintes más amargos como la discriminación y la intolerancia.
Con una maravillosa dirección artísitica y vestuario (tanto en los disfraces empleados en las funciones como en los trajes de calle) que consiguen transportarnos a un mundo del circo sencillamente maravilloso Monsieur Chocolat es una película tan entretenida como emocionante , una biografía que, a pesar del desconocimiento casi generalizado de sus protagonistas reales, sabe atraparnos con su buen ritmo y su delicioso guión, en el que poco a poco se van revelando los orígenes de un protagonista del que inicialmente ni siquiera conocemos el nombre, sino tan solo los apodos que él mismo ha elegido, y que tendrá que enfrentarse a como el mundo ha decidido verlo.
Monsieur Chocolat es un buen ejemplo de como un tema tan candente como el racismo no es patrimonio únicamente del cine norteamericano en torno a plantaciones y huídas de esclavos, sino que este puede atacar en terrenos más amables como la luminosa Francia antes de la I Guerra Mundial, la Francia de los Lumiére y Toulouse Lautrec (ambos presentes y mencionados en esta película), pero también donde un artista como Chocolat podía alcanzar el más alto de los éxitos...pero con unas restricciones que como ser humano e intérprete no estaba dispuesto a tolerar.

Gran biopic que se redondea con imágenes reales de sus verdaderos protagonistas justo antes de los títulos de crédito Monsieur Chocolat se estrena el 22 de abril en las salas españolas

UN HINDÚ MARAVILLOSO

Será deformación aprofesional, pero siempre que llega la hora de abordar la relación entre cine y ciencia es más que fácil desviarse a los terrenos del fantástico...mad doctors, bizarroa viajes interdimensionales e intertemporales, resurrección de criaturas primitivas y creación de robots cuasihujmanos son algunas de las bellas cosas que acuden a nuestra mente en cuanto se menta el tema pero sería básicamente el mismo error que si pensáramos, basándonos en nuestro querido séptimo arte, que todos los de letras son aventureros arqueólogos....de ese lado B de la ciencia en cine hablamos hoy, hoy toca El hombre que conocía el infinito.

Ramanujan, experto matemático, lucha por encontrar reconocimiento en su India natal, algo que le resulta tan difícil como encontrar un empleo dedicado a las matemáticas. Sin embargo, no sin esfuerzo, su trabajo llegará a manos de un estudioso de Cambridge que le propondrá marchar a Inglaterra para colaborar con él. Dejándolo todo, hogar, madre y esposa, Ramanujan llegará al viejo continente donde se enfrentará al racismo y la incomprensión, pero no dejará de luchar con ahinco para hacer conocer sus fórmulas, ni siquiera en un momento en que Europa queda atrapada por la vorágine de la i Guerra Mundial.
Basada en una historia real El hombre que conocía el infinito es un drama histórico sobre las dificulatades de un estudioso brillante e intuitivo capaz de todo por sacar a la luz un meticuloso trabajo qeu no quiere que muera con él, enfrentándose a toda una universidad que, en principio, ni le acepta a él ni a sus métosdos de trabajo.
Con un reparto de lujo con secundarios como Jeremy Irons o Stephen Fry y una cuidada dirección artística que marca desde un principio las diferencias entre Occidente y el Oriente personificado en la India (así como podemos ver tanbién en el vestuario) la película nos presenta todo un enfrentamiento entre un conservador centro educativo y unas ideas nuevas qeu vienen de lejos y que, a pesar de su brillantez muchos se niegan a aceptar en un principio, algo que queda perfectamente reflejado en la escena en la que, recién llegado a Cambridge, el protagonista se enfrenta a las inquisidoras miradas de los bustos y estatuas de estudiosos presentes en la Universidad, y que contrastan notablemente con las dos pequeñas figuras que alberga en su cuarto y que, en el fondo, considera las auténticas fuesntes de su saber.
Moviéndose entre el drama romántico y familiar (su relación con su esposa y su madre), el histórico (esa I Guerra Mundial que se inica hacia la mitad de la película y que, a pesar de marcar más una ambientación que momentos concretos, dificultará más si cabe las vivencias del protagonista) y la película de personajes la cinta es una interesante aproximación a un personaje y unos hechos poco conocidos y sabe hacerlo, a pesar de algún momento en que adolece de una ligera falta de ritmo, de una manera amena, centrándose más en el nivel emocional de sus protagonistas que en explicarnos realmente en qué consisten sus campos de estudio, dando lugar a una optimista fábula sobre la lucha por los sueños personales por difíciles de alcanzar que parezcan.
Una película correcta pero emotiva que satisfará tanto a los amantes del cine histórico como a aquellos amantes de la ciencia a los que le guste ver otra cara de sus campos de estudio  reflejados en el cine.

Curiosa mezcla de géneros El hombre que conocía el infinito se estrena el 13 de mayo en cines

MONARQUÍA TOLEDANA

Hace ya unas décadas se probó que se podía hacer Todo en un día, para pasmo de propios y extraños, pero la verdad la noche da para mucho, pero mucho más, y quizás las que mejor muestra de ello hayn dado sean comedias tan gamberras como Noche loca, que ya con el título lo dice todo,  o por supuesto la ya trilogía del Resacón. Sin embargo juergas hay de muchos tipos y hasta pueden lindar con dos temas en inicio tan distantes como la comedia elegante o los acontecimientos históricos como la película de la que hablamos hoy: Noche real.

 8 de mayo de 1945. La guerra ha terminado. La heredera al trono inglés Elizabeth y su hermana la princesa Margarita, Lily y Mags, quieren celebrar la victoria como cualquier otro británico, saliendo a la calle y celebrando la gran fiesta. Sus padres se muestran reticentes en un principio pero las dejan ir...claro que pronto descubrirán que solo acompañadas de dos jóvenes militares que las llevarán al salón del Ritz para pasra unas horas con una selecta compañía de la alta nobleza en la que cualquer miembro les triplica como mínimo la edad. Sin embargo en un descuido lograrán zafarse y salir a la calle, con la mala fortuna de que muy pronto se separarán la una de la otra. Será solo el comienzo de una noche en la que sufrirán y disfrutarán, pero que será realmente memorable para ambas.
Partiendo de las imágenes reales de las multitudes a las puertas del Palacio de Buckingham al declararse el fin de la guerra Noche real es una alocada comedia en torno a la ficticia hipótesis de que las dos hijas de Jorge VI (al que tal vez recuerden por la oscarizada El discurso del Rey) paen la noche de celebración del fin de la II Guerra Mundial en Europa  en la calle como dos súbditas más con todos los problemas (algún soldado desando aprovecharse de dos jovencitas) y equívocos posibles.
Con una cuidada fotografía (rica en unos granates y tonos oscuros que contrastan con los pálidos vestidos rosas de las dos princesas) y dirección artística así como una bien elegida banda sonora, en la que no faltan conocidos éxitos y ritmos de la época, la película nos lleva de la mano por una alocada tournée de una noche en las que pasa todo lo que puede pasar con unas fuertes dosis de casualidad que harán que la Princesa Elizabeth pueda seguir con bastante fortuna, en un caos festivo como el que presenta la cinta, a su hermana, que ha abandonado la fiesta de la mano de un zalamero marino unos instantes antes, mientras descubre poco a poco otra cara de una guerra que apenas sí ha conocido, así como lo que realmente piensa el pueblo de su familia.
Un buen sentido del ritmo, unos diálogos ricos en réplicas (en especial las de una princesa Margarita que hasta achispada, por decirlo de manera fina, no pierde la conciencia de clase, y un Jorge VI de papel breve pero resuelto) y situaciones propias del slapstick (el derribo de la torre de copas) articulan esta divertida aproximación a unos personajes históricos a los que consigue hacer cercanos, perdiendo más boato (el deseo de un gin tonic durante el saludo real, el desayuno...) que dignidad (bueno tal vez sí, en el viaje a casa de la madre del militar...en carretilla), contando la que es en el fondo es una divertida fábula sobre dos jovencitas que jamás han dejado su casa solas y que se enfrentan a la primera juerga con mayúsculas de sus vidas, con la consiguiente preocupación de su padres, una historia que hemos escuchado otras veces pero que aquí cuenta con el aliciente de estar inspirados en personajes reales, pero a los que en el fondo refleja con respeto y un humor a prueba de bomba.

Dulce comedia con un toque de romanticismo y una pizquita de drama Noche real se estrena el 20 de mayo en las salas comerciales.

CANGURO FEROZ

La animación japonesa es para muchos un género que nos ha acompañado, ya mediante series, ya mediante películas desde nuestra más tierna infancia, y que, independientemente de su corte (romántico, deportivo, magical girls...) casi siempre nos presenta personajes que poco a poro consiguen superarse hasta límites increíbles en la disciplina elegida...y este suele ser el fin de la historia. Sin embargo hay veces en que esto solo es el comienzo ya que a nivel humano hay más...mucho más. Este es el caso de la película de la que hablamos hoy: El niño y la bestia.

 Kumatetsu, un gigantesco ser parecido a un oso con un carácter vago y huraño, sueña con ser nombrado el Señor de las bestias, pero no lo consigue porque, a diferencia de su mayor rival, no tiene nigún discípulo. Un día paseando por la dimensión que habitan los humanos encuentra a un huérfano de madre que se ha escapado de casa, Ren, que, intrigado, le sigue hasta su hogar, donde le convencerá para que se convierte en su alumno, a pesar de que el resto de las bestias desconfía por el lado oscuro que albergan los humanos y que puede desarrollarse de un modo inesperado. Rebautizado como Kyuta Ren se enentrenará durante años con Kumatetsu, logrando que cambie el carácter de la bestia y logre nuevos discípulos pero algo empezará a cambiar cuando el niño, ya casi un hombre regrese por un día al mundo humano.
Partiendo de dos corrientes que conocemos bien y que no son en absoluto ajenas al cine de animación japonés, el viaje a otra dimensión (El viaje de Chihiro) y el entrenamiento de artes marciales  El niño y la bestia es una original cinta que nos habla de como la relación entre dos seres muy distintos aunque igualmente desamparados y atormentados (un niño con un padre al que no ve desde su divorcio que ante la muerte de su madre abandona su casa y a sus nuevos tutores, y una bestia que intenta lograr su gran sueño a pesar de unos vecinos que a su manera le desprecian) puede cambiarlos hasta extremos que no habían soñado, pero no como luchadores sino como seres humanos (si se permite el término siendo uno de ellos, como se ve en el título, una bestia)
Y es que al igual que ha pasado con otras cintas que nos han sorprendido en los últimos años (léase la muy recomendable Wolf's children, que partía de una historia de corte Crepúsculo para convertirse en una fábula bien distinta sobre el paso hacia la madurea) la película abandona pronto el típico entrenamiento con el que nos suelen arrastrar los personajes a su terreno (con la particualridad de que este tiene un comienzo más empático que le da un toque muy original) para contarnos como amb os se enfrentan a sus propios problemas de identidad. el niño a su dualidad de humano de nacimineto educado por una bestia, la bestia a un sueño que puede no ser lo único que realmente le importa.
El niño y la bestia es una película que, sabiendo mantener algunos de los tópicos más conocidos del género (el gran enfrentamiento, el amigo que resulta ser un villano, el romance de instituto...vale, sin instituto) sabe mutar lo suficiente en su desarrollo para mostrarnos nuevas aristas de sus personajes, y lo sabe hacer con sensibilidad y unos personajes que si bien son herederos de muchos otros saben adoptar su punto de originalidad.
Con una cuidada animación (destacables las escenas de multitudes), algunas escenas particularmente hermosa (el desenlace con esa nueva Moby Dick hecha de sombra) y una historia que se mueve entre la tradición y la modernidad El niño y la bestia es una original propuesta a la que hasta se le perdona una ligera pérdida de ritmo e incluso alguan incongruencia y concesión a la galería (el ratoncito que acompaña al protagonista), para perdernos en un cuento que pronto se deja invadir por la realidad, pero al que acaba salvando el poder de la magia, y que, tras su visionado nos deja volver a casa una vez más como niños grandes.

Cinta de animación para todos los públicos El niño y la bestia se estrena el 22 de abril en cines.

CRIMEN EN UNA BOTELLA

Hace no mucho hablar de bizarros psicópatas y arduas investigaciones siempre pareceía remitirnos al otro lado del charco, con sus oscuros callejones, su impresionante skyline y unos curtidos detectives, que bien por haberse retirado del cuerpo de policía, bien por acabar de volver de la guerra en un país indómito, se dedicaban a perseguir otras formas del mal por las calles de Chicago o Nueva York. Sin embargo un libro con un título tan fgscinante como La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina (aunque en otros países se conoce por la chica con el dragón tatuado o similar) abrió la caja de los truenos literarios para abrir paso a toda una serie de novelas, y a la saga películas, que nos arrolló con un buen puñado de negras historias provenientes países más cercanos como Suecia o Dinamarca. La última es ya la tercera de una saga---y contando. Hoy hablamos de Redención. Los casos del Departamenteo Q.

Un nadador encuentra accidentalmente en la playa una botella con una nota en su interior con restos de sangre y una caligrafía infantil. Ciertas frases del texto harán a los detectives del departemente Q pensar que quizás su autor pueda ser un niño desaparecido perteneciente a algún grupo religioso minoritario y sus sospechas se acentúan cuando descubren que también han desaparecido dos hermanos de una comunidad de Testigos de Jeovah...y quizás este solo sea el último de una serie de posibles secuestros y asesinatos...y el tiempo corre.
Última entrega de una exitosa serie de su país de origen, Dinamarca, basada en una serie de novelas Redención es una historia de cine negro para cuyo disfrute no es necesario conocer los poemenores  de las dos primeras películas dedicadas al susodicho departamente Q.
Con una cuidada aunque inusual ambientación, más centrada en el campo y la playa que en las urbbes a las que ya nos ha acostumbrado el género (ahí esta esa gran casa campestre rodeada por una apabullanre multitud de flores amarillas que la dotan de un impagable irrealidad, y que contrasta con orros escenarios como es nocturno bosque o el brumoso mar. Y para rematar una cuidada fotografía que aporta un cierto puntito malsano que le sienta realmente bie) la película nos pesenta una concienzuda investigaciñon con un punto de partida de esos que enganchan que se va hilvanando gracias tanto a la sagacidad de sus protagonistas como a una suerte, o podrámos decir casualidad, que juega tanto a su favor como en su contra, así como deja desde un primer momento que, a diferencia de la mayoría de las muestras de cine de este tipo, lo importante no es el quien sino el porgué, un misterio que solo conoceremos al final con matices todavía más terribles de los que podriamos predecir en un comienzo.
Redención es una más que correcta cinta de corte clásico, que aporta interesantes matices a sus personajes bien interpretados +aunque sin profundizar en ellos (la fe y falta de fe de los personajes de los investigadores), con un ritmo que si bien es irregular lo alivia con unas bien desarrolladas escenas en acción (el pago en el tren), alguna quizás demasiado deudora de esos inteligentísimos y sádicos asesinos que nos ha regalado con frecuencia el cine norteameticano (la secuencia del parking) pero que le sienta bien a un conjunto que en el fondo no es más (ni menos) que una interesante y entretenida película de buenos y malos, con víctimas inocentes, familias sufridoras y buenos de esos que, pase lo que pase, no cejarán en su empeño de resolver el caso y atrpar al malvado de turno, para alivio de un espectador al que le ha costado muy poco empatizar con unos personajes carismáticos y una historia que, por conocida, no deja de ser en el fondo fascinante.

Para amantes del cine de detectives hecho con mimo, Redención. Los casos del Departamenteo Q se estrena el 15 de Abril en las salas españolas.

ANCIANA SOBRE RUEDAS

Extrañas leyendas urbanas les rodean. Teletransporte en la cola del súper, hipervelocidad a la hora de ocupar el único asiento libre en el autobus o superfuerza cuando se agarran a tu brazo son algunos de los curiosos poderes de los que parecen hacer gala los abuelillos, o mejor dicho, la gente mayor, en muchas ocasiones, pero que quedan como meras nimiedades a la hora de emplear su auténtico don: la capacidad de conseguir a base de labia (o si no, que con tu negativa te sientas mal durante un período indefinido) que hagas lo que ellos desean, una facultad que además solo poseen los niños muy pequeños y algunos mamíferos dignos de un calendario. Bromas aparte, muchas veces los ancianos son la sal, y en muchas ocasiones, la pimienta de más de una película como hemos visto en cintas tdavía recientes como Nebraska, La fiesta de despedida o Remember...y la última adquisición es de armas tomar...hoy hablamos de The lady in the van.

Alan Bennet es un escritor que vive solo en su casa en un apacible barrio inglés. Solo hay una pequeña discordancia en la tranquilidad y monotonía de sus vecinos: la señora Sheperd, una enervante anciana que vive en una furgoneta llena de bolsas con un contenido indefinido y que despiden un extraño olor. Aunque de vez en cunado los servicios sociales se interesan por ella nadie se ve capaz de echarla del que en el fondo es su hogar, llevándole comida e interesándose esporádicaente por su estado, a pesar de sus hurañas respuestas, pero tampoco parace hacerles mucha gracia que este aparque su h misma puerta de sus respectivas casas...al menos hasta que el mismo Bennett, ante las nuevas normas de aparcamiento le permita quedarse temoralmente en su patio delantero...será el comienzo de 15 años durante los que se planteará empezar a escribir sobre ella.
En plena oscuridad y con un sonido que claramente identificamos con un accidente automovilísitico, aunque o sepamos precisar de que tipo, se abren las incógnitas de The lady in the van, una historia que, como reza su comienzo, se basa en su mayor parte en una historia real y que nos contará la curiosa relación entre esta mujer sin casa pero llena de recursos y un escritor que, a pesar de su madurez, todavía está conociéndose a sí mismo (brutal la sentencia en que afirma que su segunda obra trata sobre el sexo porque ha leído sobre ello).
Con la curiosa y original opción de presentar a su narrador como una persona dividida en dos, uo que vive la vida y orro que escribe sobre ella, que durante toda la película discuten acerca de su situación y su relación con dos ancianas tan distintas como pueden ser su madre y la Señora Sheperd, la película nos dejará, con un toque surrealista (las apariciones de animales no propios de la zona...algo a lo que contribuye tabién una fotografía que sabe jugar entre la gris monotonía del interior de la furgoneta y la ropa de la misma señora Sheperd y los más luminosos y limpios colores de la costa o el amarilo del exterior del vehículo) y un buen puñado de perlas de humor inglés (como las que el mismo narrador exhibe en el monólogo dedicado a su madre y que representa en un teatro local) una historia tan extraña como emotiva, en torno a la relación entre dos personas que a pesar de manterner contimuamente las distancias (de hecho ni se llaman por el nombre de pila) y de los malentendidos y disputas que puedan atravesar llegan a ser realmente importantes el uno para el otro, pero sin el almíbar ni los deus ex machina de los que suelen hacer gala otras películas.
Pero sin duda lo que brilla entre un guión inteligente y un bien excogido elenco de actores es su protagonista, que no narradora, señora de la furgoneta del título, una espléndida Maggie Smith a la que en sus primeros momentos en escena dan ganas de estrangular (algo que también mencionan en algún momento el resto de personajes) pero que poco a poco se va ganando nuestra simpatía, con su picardía y sus ganas de vivir (maracilloso cuando va al tiovivo y a tomar un helado) e incluso sus obsesiones (la fijación por pintar de amarillo sus vehículos con una pintura que ni siquiera es la adecuada para chapa, o una religiosidad que llega a tener un punto de locura como vemos la primera vez que se encuentra con Bennet) , aunque no porque haya en su personaje ningún  cambio de actitud, sino porque nuestra visión de ella va cambiando tanto al descubrir sus secretos (o elementos que nos hacen adivinar otros más profundos como su dominio del francés o su adversión por la música) como al empatizar con sus miedos (las misteriosas visitas nocturnas de un hombre al que parece temer). Auténtico centro de la cinta Maggie Smith logra con su hipnótica presencia que pasemos por alto aspectos como el ritmo irregular o las repeticiones formales y nos deja el buen sabor de boca con una actriz que ha sabido crear un grandísimo personaje.

Original película de personajes The lady in the van llega a los cines españoles el 15 de abril

PANDAFU

Para muchos quizás su primer recuerdo en materia de cine de animación protagonizado por animales sea Bambi, esa tierna pero perturbadora fábula sobre la niñez y el paso a la vida adulta que a más de uno le provocó un verdadero trauma. Y es que los animales son personajes inseparables del univers animado, ya sean más o menos realistas (Buscando a Nemo) ya sean más o menos antropomorfos Zootrópolis una de las más recietes, teniendo siempre en mente esa caterva con o sin pantalón que son el pato Donald and co.) o incluso extraños híbridos (los amiguitos roedores de Cenicienta), peo eso sí, en un casi 95% parlantes (sí, en Blancanieves hablaba hasta el espejo pero el ciervo y los pajaritos se limitaban a actuat como ayudantes domésticos sin soltar prenda alguna). La última muestra del ramo es de la vertiente humanizada y quizás en parte por ello un pelín más violenta...y además es ya la tercera ración: hoy hablamos de Kung Fu Panda 3.

Po, el guerrero del dragón, ve como su apacible existencia dedicada a las artes marciales se tambalea cuando su maestro le pide que se convierta en el nuevo sensei. Será el menor de sus problemas cuando descubra que una amenaza se cierne sobre su hogar en fomra de un malvado guerrero resucitado  que pretende hacerse con la fuerza vital de los luchadores mñas poderosos. Su única esperanza parece estar en adquirir una nueva destreza que solo puede enseñarle su recientemente encontrado padre biológico, y esta solo puede aprenderse en el valle secreto de los pandas, el único lugar de China en el que todavía habitan los congéneres de Po.
Tercera entrega de la saga las nuevas aventrras del Panda experto en artes marciales Po nos llevan de nuevo al exótico oriente para relatarnos el nuevo enfrentamiento de este a un villano de categoría, un  malvado en toda regla que hará que nuestro héroe se replantee todo lo que conoce y ha aprendido hasta ahora, a la vez que sus propios vínculos familiares, cuando conoce al que dice ser su padre bioógico, así como a otros de su especie.
Conservando todos los personajes de las originales (el que no aparece en cuerpo lo hace en espíritu) la película destaca como siempre por su impecable diseño de producción con nuevos personajes y escenarios ( en especial ese mundo de los espíritus carente de gravedad y naturalidad) así como una brillante animación que destaca tanto en las escenas más espectaculares (el enfrentamiento final) como en los montajes, brillando esas escenas de entrenamiento que ya se han convertido en marca de la casa,
Con un sentido del humor a prueba de bomba, que sabe mantenerse incluso cuando recurre a algún tópico y se permite repetirlo (muchos gags dedicados a que los pandas comen mucho y son vagos...pero muchos. Aunque los que los hayan visto en algún zoo sazbrán que la base real es considerable) nos encontramos a una cinta tan divertida como espectacular, al igual que sus predecesoras (si bien ya se ha perdido la capacidad de sorpresa de la segunda parte, de esas que superan a la original), de esas que gustan tanto a los niños como a los adultos, a pesar de esas "concesiones a la galería" a las que ya nos ha acostumbrado el cine de animación más reciente (y algunafruto por supuesto del hecho de  que Jack Black sea el doblador oriiginal de Po...hay cosas que ya empiezan a ser inevitables) a pesar de nuestras reticencias iniciales
Kung Fu Panda 3 es una cinta que todavía mantiene fresco su espíritu a pesar de ser una tercera parte, una cinta belle formalmente con un guión bien hilado pese a su sencillez y que, si bien no lo supera, si mantiene el nivel de sus originales, con ideas tan buenas como esos temibles guerreros de jade.

Cine de animación bien hecho, Kung Fu Panda 3 es una cinta de esas que se disfrutan seamos fans o no de la saga.

JUANA PILLÓ SU FUSIL

A estas alturas de 2016 ya nos imaginábamos todos envueltos en papel de plata y pilotando naves espaciales, pero parece que, en lo que va de año tira más lo añejo...me refiero a un género el western, que ya nos ha dado un par de cintas atípicas (Los odiosos 8 y Bone tomahawk, ambas muy recomendables) que se unían a la original The salvation, estrenada a finales de año y recientemente aparecida en Dvd y Blu-Ray. Pero como nunca hay dos sin tres llega otra, y con una mujer como protagonista...hoy hablamos de La venganza de Jane.

Jane vive feliz en su pequeño hogar, lejos de la ciudad, con su marido Ham y su pequeña hija Katie. Un día este llega moribundo, acribillado a balazos, y, tras curarlo y dejar a la niña en un lugar seguro,  Jane marcha a buscar ayuda, ya que los han dejado en tal estado, la banda de Bishop, son unos viejos conocidos que no pararán hasta encontrarlo y rematarlo. Su única esperanza paraece estar en su vecino más cercano, Dan, un hombre al que estuvo unida una vez y que parece sentir un fuerte resentimiento hacia ella. La lucha de ambos, una vez superada las peimeras reticencias, para salvar las vidas y el hogar de la familia de Jane harán que recuerden el pasado y descubran que pasó realmente durante los años que llevan sin verse.
Con explícito título, una más que libre traducción del original Jane got a gun, la película es un western dramático con fuerte carga romántica sobre una mujer, curtida por un traumático pasado que se irá desvelando a lo largo del metraje, que enfrentada a una situación límite (el ataque inminente de un grupo de bandidos cuyo número desconoce y que ni siquiera sabe en que momento concreto llegarán), rememora los hechos del pasado que cambiaron tanto su familia como su mundo.
Con un comienzo fabulesco, en el que se impone una moraleja que solo veremos encarnada al final , "Los buenos siguen siendo buenos" la cinta tiene su mejor baza en su protagonista,Natalie Portman, en esta ocasión también productora, que encarna a una mujer que, aun en un papel de esposa y madre, sabe revelarse como valiente y luchadora (aún cuando sus dotes no se ajusten a ello como se ve en la escena de la práctica con las armas), una sufridora nata que no deja de estar llena de recursos y que otorga una credibilidad más que necesaria para su personaje.
Pero también nos encontramos ante una película más tópica y con más concesiones de las que podemos esperar en un primer comienzo. Si bien hay cierto cuidado en la representación de este casi monocromático oeste (hermoso el contraste entre el polvoriento día y las sombras azuldas de la noche) y un interés en los pequeños detalles en determinados momentos del metraje (el anillo en el dedo de Portman, el zapato en el agua) nos encontramos ante una cinta sin sorpresas, en la que cada escena conduce a un final menos catárquico de lo esperado, con una cierta falta de ritmo que va minando poco a poco una historia que, a pesar de un arranque que ya hemos visto mil veces (un hombre solitario llega a caballo...y se desploma) podría dar para mucho, y más teniendo en cuneta su elenco de actores que, es realmente, lo mejor de su conjunto. Sí, la película nos da alguna pequeña sorpresa (que aquí no desvelaremos) pero se revela como una cinta correcta que satisfará a los amantes del western, pero lejos de esos maestros que, dentro del género, han logrado hipnotizarnos,

Western con toque femenino, La venganza de Jane llega el 6 de mayo a las salas españolas