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lunes, 22 de julio de 2019

FLORES DE ACÓNITO

Como decían unos populares dibujos no se vayan todavía. Aún hay más...en el caso del cine fantástico español esto no puede ser más cierto.Coincidiendo con la 30 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián Flash-Back Producciones trae una espectacular muestra monográfica dedicada a uno de los nombres emblemáticos del fantástico español: Paul Naschy. Una autobiografía en imágenes.
Una exposición sobre un artista multidisciplinar que abarca desde su contribución al séptimo arte a su vertiente como campeón de halterofilia,  pasando por facetas más desconocidas como su labor como ilustrador de portadas de discos o escritor de novelas de bolsillo, con objetos provenientes del archivo personal de Naschy, gracias a la colaboración de de su viuda, Elvira Primavera, y sus hijos Sergio y Bruno.
Además se podra disfrutar por primera vez de objetos de atrezo, vestuario, maquillaje y efectos especiales procedentes de firmas especilistas como Vázquez Hermanos, Molina FX o los maquilladores Julián Ruiz y Fernando Florido y material gráfico obra de nombres como José Sanchis, Gumersindo Andrés López, Jano o Antonio Gracia José "Pierrot", entre otros. Piezas originales en su mayoría inéditas que se unen a memorabilia, manuscritos e incluso objetos personales del cineasta como su mesa de despacho, hasta un larguísimo etcétera.
Fruto de una ardua documentación Busquets Paul Naschy. Una autobiografía en imágenes, comisariada por Antonio Busquets y coordinada por Viky Rodríguez, podrá visitarse en Centro Cultural Okendo de San Sebastián desde el 26 de octubre hasta el 14 de diciembre.

jueves, 18 de julio de 2019

Y EN ARCADIA

Cuando un primer largometraje se convierte casi instantáneamente en una obra de culto tenemos un problema gordo. Bueno, al menos sus creatores. Hereditary es por derecho propio un título poderoso, que catapultó casi de inmediato a su director y guionista, Ari Aster, dejándonos en la retina escenas tan impactantes como la accidente automovilístico que aquí no describiré por si alguien no la visto ya...cosa que debería hacer de inmediato. Peo ha llegado la hora del segundo round, volviendo de postre al género del fantástico y, francamente, las espectativas están muy altas ante la llegada de Midsommar.
No es este el único problema que tiene la cinta de Aster. Habiendo noticias malas y noticias buenas prefiero empezar por las malas para que las segundas sepan todavía mejor. Con Midsommar no podemos hablar de factor sorpresa. En el caso del cine de terror estamos aburridos de turistas, normalmente norteamericanos, que se meten donde no deben, en la línea de Hostel, ¿Quién puede matar a un niño?, The ritual o (sin ir solo a hacer turismo sino a trabajara su particular modo) Holocausto caníbal. Hijos de una economía poderosa y una cultura que hace que aquella a la que se enfrentan les resulte exótica, tratándola normalmente de manera irrespetuosa, y que acaban encontándose con que la moraleja del cuento les golpea de manera más o menos sangrienta en todos los morros. Así que cuando asistimos a los planes de los protagonistas de visitar la comuna formada por uno de sus compañeros universitarios para celebrar su festival de solsticio ya sabemos que algo apesta a podrido...en este caso en Suecia, y que se van a encontrar con el lado más oscuro del país del Ikea y las albóndigas.
Pero antes de ello Aster ya nos ha enfrentado, tal y como hizo en su previa Hereditary, a un complejo proceso de duelo. Una chica, Dani, que acaba de perder a su familia más próxima de una manera escalofriante, algo que hemos podido ver en una escena nocturna de corte casi onírico que contrasta violentamente con esa Suecia casi perpetuamente iluminada y bucólica que van a encontrar en su viaje, y que marcará su visión de los acontecimientos que van a tener lugar a continuación.
Un viaje en más de un sentido. Físico, llegando a un territorio desconocido cuya lengua ignoran y que resulta tan hermoso como extraños. Psicodélico, a través de las sustancias que van a consumir durante el mismo y que, sumadas al insomnio (ahí están esos llantos de bebé que no dejan de escucharse por la noche) deformarán su percepción de un modo que apenas sí logran intuir. Y por último espiritual, trastocando las vidas de sus protagonistas para siempre.
Midsommar es una película en la que resulta fácil entrar. Una película llena de imágenes fascinantes, bañada de manierismos que invierten nuestro eje de visión, se pierden en reflejos o se ayudan de dibujos, en el más puro espíritu de las comunidades primitivas, para explicarnos aquello que va a  ocurrir a continuación. En una dimensión paralela a la que nos invitó hace décadas El hombre de mimbre hace un uso inteligente de su banda sonora, de una fuerza similar a la que pudimos conocer en la infravalorada pero muy recomendable Lords of Salem, de una dirección artística en la que nada es gratuito y del montaje, con algunos de los sueños más inquietantes vistos en el último cine de terror. Pero unos rituales con una fuerte carga grotesca y simbólica pueden hacer que igual de fácil que el espectador ha entrado salga, a diferencia de los personajes, fácilmente al encontrarse momentos tan chocantes como el encuentro amoroso o unas danzas colectivas que llegan a extemos báquicos.
Midsommar no es una cinta de terror al uso. Resulta un hermoso y poderoso imán desde su primer fotograma, aunque intuyamos fácilmente su desarrollo, pero exige del espectador una suspensión de incredulidad al que este puede no prestarse. Reverso luminoso de una Hereditary que parece desarrollarse en otro mundo pero con la que comparte terrenos comunes como enfermedades hereditarias, extraños cultos o testas coronadas la película es una apuesta arriesgada, pero logra apoderarse del espectador de principio a fin. Si quieren hacer un viaje este verano sin moverse de asiento el destino solo tiene un nombre: Midsommar, aunque ¡ojo! es solo de ida.

Midsommar llega a los cines españoles el 26 de julio

martes, 16 de julio de 2019

Y A TORRENTE LO ENCONTRAMOS EN LA CALLE

Desde los tiempos de La gran familia con el entrañable Paco Martínez Soria buscando a Chencho por la madrileña Plaza Mayor a grito pelao sabemos que la comedia familiar española suele abarcar gran número de hijos y altas dosis de confusión. Padre no hay más que uno, obra de un Santiago Segura que demuestra que de su  Torrente más que pasar página ha pasado casi un listín telefónico, se apunta al carro con menos hijos que el proverbial clásico, pero con altas cotas de locura.
Remake de la argentina Mamá se fue de viaje nuestra historia arranca de la lucha de sexos para presentarnos al típico padre que cree poco menos que los hijos, cinco en este caso de entre 4 y 13 años, se crían por arte de magia cuando en realidad la artífice de tal milagro es la madre de los niños, combinando trabajo dentro y fuera de casa. Por supuesto nuestro héroe (es un decir) solo se dará cuenta de la cruda realidad cuando esta opte por irse de vacaciones con su cuñada dejándolo casi (ahí está ese ángel de la guarda en forma de niñera) solo ante el peligro.
Padre no hay más que uno nos guía por un terreno familiar, sumando un padre inepto y con poco tacto (inenarrable el modo en que transporta a sus hijos...hay gente que maneja con más mimo los muebles de Ikea) que parece una extensión caricaturesca del personaje mediático al que nos tiene acostumbrados Santiago Segura en sus apariciones televisivas a una horda de salvajes infantes que casi parecen herederos de las niñas de Mamá, solo que más asilvestrados si cabe. Dos polos que tienen que chocar por fuerza, y a los que se añade para redondear el cóctel una madre sufridora sin pelos en la lengua ( memorable la reflexión sobre el marido-cuñado) y una pareja de cuñados encarnados por Silvia Abril y Leo Harlem que parecen más ayudar a crear problemas que a solucionarlos (amén de abrir una curiosa puerta al product placement a través del trabajo del cuñado en cuestión...finjan sorprenderse).
Pero el resultado constituye una película divertida, con diálogos con miga rozando en más de un momento lo políticamente incorrecto, en la que se nota que sus actores, independientemente de la edad y por supuesto con los cameos a los que nos tiene acostumbrados la filmografía de Segura (aunque no en un volumen tan apabullante como era la saga Torrente sí hay rostros tan conocidos como El Rubius o Boris Izaguirre), se sienten cómodos. Una cinta de ritmo ágil, con su rinconcito para la acidez pero también la moralina (eso si, hay momentos tan redondos como el de la respuesta que da el.personaje de Segura cuando descubre por qué su hijo se pelea tanto con uno de sus compañeros...de antología) y que deja buen sabor de boca. No será la mejor comedia veraniego-familiar de este año pero sí una excusa más que justificada para disfrutar con los más pequeños...tras rogarles que, por lo que más quieran, no copien lo que vean en la pantalla.


Padre no hay más que uno llega a los cines el 2 de agosto.

lunes, 15 de julio de 2019

LAS VACACIONES ESPAÑOLAS DE UNA CHIFLADA FAMILIA FRANCESA

Más de uno todavía se acordará a estas alturas de esa comedia veraniega llamada El mejor verano de mi vida, una cinta a mayor gloria del cómico Leo Harlem en el que este le prometía a su hijo unas vacaciones de ensueño si sacaba buenas notas. Tomemos un punto similar: una mujer que promete a su hijo un verano donde él quiera si aprueba el bachillerato. Solo que el niño en cuestión es ya todo un adolescente que quiere ir a Ibiza y al veraneo se apunta a última hora el novio de ella, algo más mayor y digamos...conservador en gustos. El cóctel resultante es Un verano en Ibiza.
Titulada simplemente Ibiza en su país de origen Un verano en Ibiza es una película que no pierde de vista en ningún momento lo que es: una comedia pura y dura, con tendencia a lo políticamente incorrecto (parece en más de un momento, y no solo a ojos de su desubicado protagonista que la isla es el imperio de la droga) e incluso al humor marrón. La película tiene material de sobra para dar rienda a la comicidad: una pareja dispar, unos adolescentes que no soportan a un nuevo padrastro al que tildan como mínimo de aburrido, un exnovio que es todo lo que el nuevo novio no es y la fauna ibicenca más dispar, y sabe sacarle partido sobre todo gracias a la química de su pareca protagonista, Christian Clavier y Mathilde Seigner, que saben darle vida a dos maduritos capaces de desmelenarse a tope si las circustancias invitan ( y van a descubrir que invitan en más de una ocasión).
Un planteamiento simple pero que funciona, con tendencias a los equívocos (ese secreto entre el exnovio de la madre y la mujer de su mejor amigo o esa hija que quiere hacer algo por primera vez...y como más de uno habrá supuesto no es lo que estamos imaginando), al humor visual y a los gags que muestran el contraste entre el clima fiestero de la isla y las hábitos de unos urbanitas más habituados a otro tipo de vacaciones. Un verano en Ibiza es una película que consigue arrancar la carcajada con unos personajes con los que se consigue empatizar a golpe de chiste, logrando en más de una ocasión esquivar con elegancia algún terreno que podría parecer abonado en una trama como esta como esa tendencia a que a más de un padrastro le de por hacerse el enrollado. Sin embargo el protagonista de nuestra historia no abandona su tónica en casi ningún momento...eso sí, hay cosas que duelen como el desprecio de los millenials por esa "canción carroza" que es...Still loving you de Scorpions...ahora es cuando uno se siente viejo de verdad.
Un verano es Ibiza es simplemente una comedia ideal para el momento en que se estrena. Una cinta con música vibrante, desarrollo ágil y un escenario ideal a pesar de que la visión que aporta de la isla no la podríamos considerar precisamente idealizada, con vendedores de cocaína en cada esquina, personajes inquietantes (un diez para el Batman de la sala de urgencias), música a grito pelao durante buena parte del día y camareros capaces de chocar contigo sin motivo alguno e incluso de fastidiarte el que puede ser el momento mágico de las vacaciones, haciendo casi comprender un poquito (no mucho, ojo) a un turista capaz de llegar a un lugar tan animado como Ibiza para dormir desde las seis de la tarde...ni Ned Flanders. Quizás no sea la mejor carta de presentación de un lugar tan emblemático pero lo que no cabe duda de que Un verano en Ibiza es una gran elección para pasar una fresquita tarde de verano, una comedia ligera en un cine con el acondicionado a toda pastilla y si es posible sustituyendo las proverbiales palomitas por media docena de polos.

 Un verano en Ibiza llega a las pantallas españolas el 9 de agosto.

viernes, 12 de julio de 2019

NO VAYAS AL BOSQUE ACOMPAÑADA

Creo que a la hora de buscar títulos a las películas empezamos, al menos en castellano, a tener un problema serio. Sí, no incidiré en casos de traducción creativa como Sonrisas y lágrimas (The sound of music) pero no deja de ser llamativo de que al enfrentarnos a un título tan claro como The hole in the ground (El agujero en el suelo...aunque vista la pelícua creo que igual sería más adecuado hablar de cráter o socavón a la quinta) nos la encontremos en los carteles rebautizada como Bosque maldito. Y es que bosque hay, el adjetivo maldito parece ajustarse, pero ya tenemos una El bosque (que por otro lado era originalmente The village, es decir, el pueblo...sí, sí la de Shyamalan) y una El bosque maldito (The woods, del director de la muy recomendable May, y que por estos lares llegó directamente en dvd)...y si buceamos un poco hasta una El bosque maldito de 1945 basada en una novela de Wenceslao Fernández Flores. Sin embargo no es buena idea darle tantas vueltas a la cabeza antes de enfrentarnos a una cinta que además, como la mayoría ya habrá supuesto, es de terror.
 Bosque maldito es una película en la que resuenan numerosos ecos del género. Aquellos que ya hemos visto unas cuantas sabemos, escarmentando en cabeza ajena como quien dice, que nunca es buena idea instalarse cerca de un bosque, independientemente de si el grupo que nos acompaña es numeroso (no quiero pensar en el caso que nos ocupa, tratándose solo de dos personas) y del siglo en que nos encontremos (es el momento de recuperar un peliculón como La bruja), que hacerlo acompañado de algún tierno infante tampoco es muy recomendable y que además, si tenemos como bonus que los vecinos más cercanos son una pareja de dulces aunque inquietantes ancianitos ya tenemos el complementario para que nos toque en la quiniela del cine una auténtica pesadilla.
Aunque en esta cinta vamos a encontrar numerosos momentos en los que nos acordemos de películas muy concretas no los mencionaré de cara a evitar spoilers, pero sí hay que dejar claro que asistimos a una trama que nos resulta al menos familiar al menos en su punto de partida, presentando a una madre y su hijo que se instala en un nuevo y solitario hogar justo al lado de un bosque en el que se oculta un impresionane cráter (a alguno puede que esto le suene a la australiana Wolf creek, en la que los protagonista mientras van de excursión para observar uno similar acaban enfrenándose a un psicópata de antología...pero los tiros no van por ahí). Como nos ha enseñado el fantástico en todas sus vertientes durante años vivir tan cerca de un fenómeno geológico relevante (ahí está en un palo muy distinto Encuentros en la tercera fase) parece también ser un imán para sucesos inesperados y nuestra protagonista, en lo que parece ser la primera fase del algún tipo de desequilibrio nervioso, empieza a enfretarse a la idea de que puede que su hijo no sea quien parece ser.
Nos encontramos así en el tablero unas piezas con las que hemos jugado muchas veces pero que tienen entre sus mejores bazas la ambigüedad con la que juega durante buena parte del metraje y una puesta en escena que sabe sacar buen partido de los entornos en los que se mueve, aunque en muchas ocasiones el abuso de tinieblas y apagones en las escenas más catárquicas hagan de las suyas. Bosque maldito es una cinta que revela cuidado por la imagen, con un creativo uso de los fundidos y el montaje que incide en ese agujero en el suelo al que hace referencia el título original (pasando del cráter al desagüe de una bañera o una boca sorbiendo spaguetti) pero si bien busca crear un lenguaje propio no consigue sino una historia que consigue entretener, y pegar más de un susto al respetable (hay que reconocer que aunque en más de un momento abusa de los efectos de sonido no abusa tanto como otras películas a las que nos hemos enfrentado recientemente), pero que no innova en un terreno al que se revela tiene mucho aprecio.
Bosque maldito es una película de terror correcta, que da lo que promete pero no consigue innovar en un género que últimamente parece haber cambiado la originalidad por la autorreferencia, devorándose como uróboros cualquiera mientras nos niega nuevos iconos para alimentar nuestras pequeñas pesadillas. Una historia disfrutable para los fans del género aunque más de uno seguramente sigue (seguimos) pidiendo más.

Bosque maldito llega a los cines españoles el 19 de julio.

jueves, 11 de julio de 2019

VIENTOS DE GERMANIA

Aunque su hábitat natural suele ser el cine de terror los niños terribles constituyen uno de los activos más agradecidos de la comedia, no importa si hablamos de un robaescenas casual o del protagonista de una cinta infantil... sí, de esos que cuando crecen si no prosiguen su carrera cinematográfica dan para maravillosas leyendas urbanas. Sin embargo el protagonista de Este niño necesita aire fresco no puede estar más alejado de este concepto: un niño tranquilo que a pesar de las adversidades intenta encontrar el lado divertido de la vida: esta es su historia.
 Basada en la vida de humorista Hape Kerkeling, una celebridad en Alemania, la película nos cuenta su infancia al principio de los años 70, cuando solo era el niño Hans Peter, en los que sufrirá un trauma familiar que marcará su existencia así como descubrirá su talento para hacer reír a los demás.
Una existencia en la que su familia va a se clave, desde una madre cariñosa aquejada por una terrible enfermedad que va a minar poco a poco su carácter a unos abuelos capaces de cualquier cosa por su nieto. En una película que se mueve en los terrenos de lo cotidiano estos personajes, profundamente entrañables, son los que articulan una trama que marca la evolución de su protagonista, un niño querido (resulta curiosa su relación con su hermano mayor, tan distinta a la que encontramos en la mayoría de las películas: no solo no se porta como un abusón, sino que se desvive por defenderlo) que en los años en que otros se sumergen en una insoportable edad del pavo sabe reaccionar con una impresionante calma, aun con algún más que comprensile arranque de rabia en los que la sangre no llega al río. Casi ciencia ficción en comparación con más de un tierno infante de esos a los que el séptimo arte nos ha acostumbrado.
Este niño necesita aire fresco es una cinta que presenta dolorosos procesos de pérdida, pero también una película dulce, que defiende el buen humor como magnífica arma ante el dolor y la adversidad, con una trama que va a ganando enteros a medida avanza su metraje y consigue que nos encariñemos con unos personajes que consiguen encontrar la magia en los más pequeños detalles de la vida (desde una pequeña fiesta familiar al momento en que la tía del protagonista, monja de las de hábito, le enseña como es realmente su pelo bajo la toca). Una película de ritmo irregular, que no llega a ningún momento de violenta catarsis, pero que nos regala momentos tan deliciosos como el de la entrevista de la agente social para decidir si reirar a Hans Peter de la custodia de sus abuelos (y que los tres ensayan para evitar que ésta descubra los problemas de salud de los ancianos) o la obra de teatro escolar en la que el protagonista afianza realmente su vocación, y que es una simple muestra del que es el gran descubrimiento, aun teniendo un reparto que funciona como un reloj, de la película: el jovencísimo Julius Weckauf en el que es su debut cinematográfico.
Una fábula dulce, que sabe exaltar el valor de la familia tanto como sostén como forjadora de carácter con la dosis justa de almíbar. Una película que ha batido récords en su país natal pero que aquí, a pesar del desconocimiento del personaje en que se inspira consigue dejarnos el buen sabor de los dramas con fuerte aroma de comedia.




Este niño necesita aire fresco llega a las pantallas españolas el 23 de agosto.

miércoles, 10 de julio de 2019

QUISQUILLA REINA DE LOS ALPES

Aunque películas dedicadas a las vidas de estudiosos de las matemáticas hay pocas (de momento solo me vienen a la mente solo dos: Una mente maravillosa y El hombre que conocía el infinito) hay que reconocer que hay una tendencia a películas que funcionen directamente como una fórmula. Es el caso de Al agua gambas, presentada como una suma entre Priscila reina del desierto y Full monty, aunque de entrada nos pueda hacer pensar inicialmente en la más reciente El gran baño.
Con un punto de partida que a más de uno le sonará a la premiadísima Campeones la película nos presenta a un nadador profesional que se enfrenta a la obligación de entrenar, por imperativo legal (ante la amenaza de quedarse fuera de competición por un comentario homófobo), a un desastroso equipo de waterpolo, los gambas purpurina del título, cuya aspiración es ser seleccionados para participar en los juegos olimpicos lgtb a pesar de que parecen más concentrados en jugar en la piscina y buscar modelitos para hacerse fotos que en entrenar.
Teniendo como su mejor baza su defensa de las libertades y la conquista de derechos para las personas lgtbi, en un clima de buen rollo de esos que hace a veces difícil separar el espíritu de la película de la cinta como obra en sí misma, Gambas al agua es una comedia amable con trasfondo dramático en forma de terrible enfermedad. Unos actores en su salsa y con buena química así como un buen sentido del ritmo ayudan a que entre rápidamente en vena una historia que tiene en todo momento en mente su compromiso con la comunidad gay pero que no puede evitar caer en un gran número de clichés, tanto en situaciones, como la evolución de ese personaje intolerante o los trucos de ese feliz hombre casado y padre de familia capaz de hacer lo que sea para ocultar a su chico que en vez de trabajar pierde el tiempo jugando al waterpolo con sus amigos, como en personajes, desde el madurito que cree ya ha perdido el tren en cuestión de encontrar nueva pareja (o al menos un rollito de discoteca) al jovencito que acaba de salir del armario y se siente entre emocionado e inseguro. Esterotipos que parecen cubrir el espectro completo y que crean un conjunto de personajes divertidos con los que no cuesta empatizar, aunque es inevitable encontrar alguno más sangrante como ese agresivo equipo de waterpolistas lesbianas llamado las caminoneras (no, no podían ser las amazonas, o las valquirias) que revelan que a pesar de su canto a la diversidad estamos ante una película de óptica más gay (en el sentido masculino) que lésbica.
Polémicas aparte este combinado de comedia deportiva y road movie es un apetecible divertimento de verano, de esos a los que se les perdona hasta algún agujero de guión(que los hay), sabiendo combinar diálogos divertidos con buenos toques de humor visual y rematándolos con un emocionante desenlace (que por supuesto aquí no desvelaremos pero sí diremos que no se parece nada en absoluto a lo que podemos pensar en un primer momento) en el que no falta el vestuario de lentejuelas y una muestra de una banda sonora que recupera un buen puñado de éxitos entre los que destaca el Boy, boys, boys de Sabrina, en este caso el I need a hero de Bonnie Tyler que otrora enarbolara Shrek 2. Una película que sabe transmitir la alegría de vivir, de enamorarse y de disfrutar el momento ante las adversidades, consiguiendo de propina divertirnos durante más de hora y media de fantasía acuática.
Gambas al agua llega a los cines españoles el 19 de julio

martes, 9 de julio de 2019

LA RATONERA

"No lo entenderás". Esta frase, pronunciada por la protagonista de Utoya. 22 de julio durante los primeros minutos de la película, en lo que en principio parece una ruptura de la cuarta pared en toda regla (pronto descubriremos que no se trata sino de una conversación telefónica manos libres mediante) es el mejor resumen de esta cinta, una recreación en tiempo real de la matanza perpetrada por un radical de extrema derecha en el campamento de las juventudes del partido laborista noruego, una noticia terrible que todavía más de uno recordamos en unas fechas en las que el telediario se centra más en el estado de las playas y las subidas de temperatura que otra cosa.
Inspirada en testimonios de los supervivientes pero con un guión y personajes ficicios Utoya. 22 de julio nos presenta a Kaja, una joven responsable que en las horas posteriores al estallido de una bomba en los edificios gubernamentales de la capital noruega (y que más tarde se comprobaría estava íntimamente relacionado con los hechos que tendrían lugar a continuación) intenta tranquilizar a su familia así como convencer a su hermana de que sea más respetuosa ante la preocupación del resto de campistas ante el que puede ser un atentado. Pero esta detonación, que podemos ver en imágenes documentales es solo el preámbulo de una pesadilla atroz que se manifiesta de repente en forma del sonido de lo que parecen ser unos disparos de origen desconocido.
La película se revela en una heredera casi formal del found footage, en un plano secuencia cámara al hombro mediante carente de música extradiegética que casi nos hace pensar en cintas también inspiradas en hechos reales pero con una barrera temporal mayor como The sacrament, de Ti West. Un metraje breve, que apenas suma a los 72 minutos reales que duró la matanza la detonación de la bomba en Oslo y una serie de textos que explican el contexto de la historia, llegando así a la hora y media, pero que resulta de una intensidad brutal, con un realismo que consigue transmitir perfectamente la angustia y confusión de unos personajes que en ningún momento llegan a tener claro a qué se enfrentan, queriendo pensar en un primer momento que se trata de un simulacro y dudando incluso si es la propia policía la que está disparándole (algo en lo que al parecer no les faltaba razón, ya que aunque lo más cercano que veamos de su verdugo es una suerte de sombra según los supervivientes este al parecer llegó a la isla disfrazado de agente de la ley). Una sangrienta locura con escasos recovecos para la poesía (ese plano del mosquito posterior a una de las escenas más traumáticas de la película) a la que se enfrentan unos personajes enfrentados a la muerte por primera vez, que parecen en muchos momento casi salidos de un survival de terror más al uso, con una protagonista, preocupada en todo momento por el estado de la hermana de la que se ha separado, que podría acaptarse al estereotipo de final girl en toda regla. Elenco que muestra una gran madurez actoral a pesar de la juventud de unos intérpretes que en su mayoría debutan aquí en la gran pantalla y que a pesar de unos estereotipos no forzados (la aterrorizada que es incapaz de entrar en razón, el que consigue matener el buen humor a pesar de todo...) logran introducirnos plenamente en una historia cuyo argumento ya conocemos (aunque no el destino concreto de sus protagonistas) logra sorprender.
El anuncio proyectado en cines de Utoya. 22 de julio era ya de esos que causan impronta: un campamento, formado por esas tiendas del tipo que cualquiera puede compran en un decathlón o similar, arrasado, en el que solo resuenan los ecos de los tonos de multitud de teléfonos móviles abandonados. Un escenario que nos recuerda, al menos en el apartado sonoro, al descrito por los testigos de terribles masacres como la del 11-M en Madrid. La película conecta perfectamente con este, convirtiéndonos en testigos involuntarios de una tragedia que se convierte en perfecta advertencia, tal y como recalca tras un desenlace que aquí no desvelaremos, de algo que por desgracia se ha convertido en plato común en la política actual: el ascenso de la ultraderecha. Utoya. 22 de julio habla de como por más que uno piense que está a salvo, en esa metáfora perfecta que es una isla que parece apartada de todo, el horror fácilmente puede llamar a nuestra parte, y más si dejamos que este siga campando libremente a sus anchas. Es cierto: no lo entendemos.

Casi coincidiendo con el octavo aniversario de la tragedia Utoya. 22 de julio llega a los cines españoles el 19 de julio.

lunes, 1 de julio de 2019

PÁNICO EN PANTALLA


¿Que es #pornovenganza? Dejando de lado las ideas preconcebidas se trata del título del último corto de Ignacio López Vacas (Killgirl), un juego cruel entre un grupo de amigos en el que el lado oscuro de la red va a ser clave.
Producido por la independiente Panic in frames en colaboración con Engendro Films y protagonizada por Alejandra Meco (El secreto de puente viejo), Lua Ruiz Vecino (Caribe 'todo incluido'), Isabel Remartinez ( Legionario) y Nacho Brande (el musical El rey león) esta nueva cita con el terror promete un viaje hacia nuevas dimensiones del género.
Muy pronto más en http://monigotorium.blogspot.com



LA VIDA DE GEORGE

Help!, El submarino amarillo, ¡Qué noche la de aquel día son los los títulos que probablemente acudan a nuestra mente si pensamos en Beatles y cine... Si nos ponemos pucajosos quizás también algún homenaje a su música en cintas como Across The universo o Yo soy Sam, o si hilamos aún más de ese Cavernícola con Ringo Start. Pero hay algo más, y para contarlo aquí llega el documental An accidental studio.
En el principio existió la comedia. Y esa comedia se llamaba La vida de Brian. Y George Harrison vió que era buena.
Este fue el detonante para que el exbeatle se convirtiera en productor, hipotecando hasta su casa y creando Handmade Films, una compañía que en plena crisis de la cinematografía británica conseguiría un buen puñado de éxitos ( amén de algún fracaso espectacular), convirtiéndose en un nombre clave para el cine del país durante la década de los 80 y principios de los 90.
Estructurado a través de los testimonios de actores, directores, miembros de los Monty Python e incluso grabaciones del fallecido Harrison An accidental studio es un documental de formato convencional, pero que nos permite conocer de primera mano la creación de películas tan emblemáticas como Los héroes del tiempo o ese desastre de crítica y público que fue Sanghai surprise.
Un viaje por un mundo poco conocido que supone una auténtica curiosidad para amantes del cine en general y beatlemaniacos en particular que tiene su mejor baza en su historia de amores y odios por el séptimo arte que acabó tan repentinamente como.empezó y que nos permite descubrir un buen puñado de cintas poco conocidas cuyo canto de cisne sería otra película protagonizada por un Monty Python, Monjas a la carrera.
 
An accidental studio llega a los cines el 12 de julio.



viernes, 28 de junio de 2019

ARAÑAS MIGRATORIAS

Es curiosa la afición que tiene la cinematografía hollywoodiense de mandar a sus personajes de tour por Europa. Aunque lo primero que nos pueda venir a la mente es la deliciosa Vacaciones en Roma la cosa por supuesto no se quedó allí, con familias (Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana), estudiantes (Eurotrip) o incluso er...amantes del amor (Deuce Bigalow:Gigoló europeo). Y ahora llega el turno de los superhéros con las peripecias de uno de los más emblemáticos por el viejo continente...es la hora de Spider-Man: lejos de casa.

 Si pensábamos que tras ese festival para fans que fue Vengadores: Endgame el camino cinematográfico de los que ahora conocíamos como los héroes más poderosos de la tierra se había quebrado para siempre no podíamos estar más equivocados. Spider-Man: Lejos de casa es la continuación estricta de esta, con una historia que no está metida con calzador y que supera esa presentación del personaje que era Spider-Man: Homecoming (aunque no llegue al nivel de esa pequeña obra maestra que es la flamante ganadora del Óscar a la mejor película de animación de la pasada edición, Spider-Man: Un nuevo universo, respecto a la que se permite incluso alguna bromita).
Spider-Man: Lejos de casa demuestra que la sombra de Tony Stark es alargada, encadenando el duelo por los caídos en la última entrega del universo Marvel con el ascenso de uno de sus supervivientes (amén de afectado por el chasquido), el hombre (más bien adolescente) araña, que parece estar llamado en convertirse en el heredero moral (y quizás algo más) de Iron Man.
Sin embargo el escenario va a cambiar notablemente, trocando el espacio y la amada Nueva York de Parker por una deslumbrante Europa en la que pretende olvidarse un poco de la todavía reciente así como intentar dar un paso más (o mejor dicho, un primer paso) en su relación con MJ. Por supuesto esto no será posible.
Así nos movemos por una historia que sabe aunar la comedia estudiantil (intereses románticos y más de un equívoco incluídos), con algún chiste de antología (la inclusión de un tema de AC/DC que nos hace evocar con nostalgia la figura de Iron Man...hasta que nuestro héroe arácnido demuestra que determinados clásicos no son lo suyo), y acción pura y dura en escenarios tan increíbles como Praga y Venecia. Una trama que si bien no revoluciona el género, aunque se permite un puñado de sorpresas bien integradas (es posible que más de un fan de los cómics ya sospeche algo), rinde justicia a unos personajes a los que, especialmente los secundarios, da más entidad, desligándolos del omnipresente protagonista (como esa tía May, ya conocedora de la doble identidad de Peter, que no se limita a vigilar que a su sobrino no le pase nada) y entre los que destaca esa nueva incorporación que es el Mysterio encarnado por Jake Gyllenhaal, que se erige en lo mejorcito de la cinta.
Spider-Man: Lejos de casa es una película para fans de las películas y para amantes de los tebeos, una película fresquita pero bien hecha de esas que se disfrutan especialmente en verano pero que además demuestra, por si acaso no lo habíamos sospechado ya, que este universo superheroico tiens todavía mucho que decir.
Solo un último consejo: no abandonen la sala hasta que la película se haya acabado definitivamente. Spider-Man: Lejos de casa nos regala no una, sino dos escenas postcréditos que van a devolvernos a un puñado de viejos conocidos y por supuesto ponernos los dientes largos a más de uno, dejando el listón de cliffhanger en unas altísimas cotas, Advertidos quedan: el univeros Marvel ya no está creando fans, sino auténticos adictos.
Spider-Man: Lejos de casa llega a las pantallas españolas el 5 de julio.

martes, 25 de junio de 2019

EL HIJO DEL MOLINERO

En pleno año Rembrandt, cumpliéndose en este 2019 350 años de su muerte, es el momento de reenontrarse con la figura de este holandés inmortal. Una buena oportunidad para aquellos que no tengan la fortuna de viajar a Amsterdam o a Londres, donde también reside una impresionante colección, puede ser gracias a la recientemente abierta exposición del Prado Velázquez, Rembrandt, Vermeer, miradas afines. Pero el séptimo arte ofrece una alternativa más: la proyección del documental Rembrandt , de la mano de Exhibition on screen y por tiempo limitado.
 Bautizada originalmente Rembrandt, from the nationale Gallery, London and Rijksmuseum, Amsterdam este documental toma como punto de partida la exposición dedicada a la obra tardía del artista organizada en colaboración por ambos museos para viajar a la Holanda del siglo XVII e introducirnos en la figura de un artista revolucionario.
Si bien el formato es bastante convencional, con testimonios de críticos y otros expertos que irán desgranando como el pintor pasó de ser uno de los más populares de su tiempo a morir prácticamente solo y casi en la indigencia, la película es especialmente interesante en el apartado en torno a su técnica. Recreaciones por parte de artistas actuales de como Rembrandt logró su característico acabado tanto en pintura como en grabado son quizás lo más memorable junto a unos breves dibujos animados, emulando sanguina, en torno a la vida del artista, auunque no sacan a este documental de su carácter de obra divulgativa en estado puro.
Una auténtica delicia para los amantes del arte y para aquellos que deseen curir alguna laguna en torno a la carrera artística de Rembrandt este documental es sin embargo una obra sin sorpresas, que tiene su mejor baza en la gigantesca figura a la que está dedicado.
Una gran oportunidad para disfrutar de una figura en España, en la que a pesar de sus impreionantes colecciones de arte antiguo, Rembrant es una presencia casi testimonial, a diferencia de coetáneos suyos como Rubens. Nunca será igual que ver un cuadro en directo, pero la gran pantalla nos permite apreciar detalles de otro modo casi imperceptibles y estasiarnos con unas obras que crearon escuela.

Rembrandt podrá verse en los cines los días 1 y 2 de julio.

lunes, 24 de junio de 2019

SECRETOS JUGUETONES

Chucky vuelve este mes a los cines y le dedicamos esta paginilla a uno de los grandes iconos del cine de terror de los 80:


viernes, 21 de junio de 2019

DESAYUNO SIN TIFFANY


Chucky ya no es un buen chico. Hay más de uno que afirmará que nunca lo fue, pero es innegable que la marca Good guys va asociada al que es uno de nuestros psicópatas de cine favoritos. Pero ahora es un muñeco Buddi, una de las muchas diferencias con el original que trae el reboot de 2019. Pero no hay que engañarse, esta sigue siendo la historia del hijo de una madre soltera que se desvive por su niño y que cree encontrar la amistad verdadera en un juguete que esconde más de un secreto...la historia de Chucky, el Muñeco diabólico.
Chucky demostró que no hace falta que un muñeco tenga cien años o sea una marioneta de ventrilocuo para dar miedo. El Chucky original era un muñeco adorable, de dulces ojos. pecosos mofletes y voz infantil, antes de que la posesión por parte del espíritu del asesino Charles Lee Ray y sus cruentas correrías le transformaran en un ser lleno de cicatrices y de inquietante dicción. Pero este nuevo Chucky aunque conserva los cabellos pelirrojos y el peto es un ser muy distinto, un muñeco que ya de entrada da ligero mal rollo y habla con voz de adulto sin posesiones por medio (doblado en la versión original por Mark Hamill, algo que añade el punto al chascarrillo de que el niño protagonista quiere llamar a su nuevo amigo Han Solo) y cuyo bautizo en el mundo del mal no va a llegar vía medios sobrenaturales sino merced a un explotado trabajador vietnamita que decide trastocar los circuitos del que en esta ocasión es un sofisticadísimo gagdet al recibir la noticia de su despido.
Nos encontramos así jugando en una liga distinta. En un giro similar al que se intentó hacer en el remake de Carrie, que mostraba como las nuevas tecnologías influyen en un caso de acoso escolar, el Muñeco diabólico de 2019 es un hijo de su tiempo. Un avanzadísimo juguete capaz que entre sus habilidades tiene la de aprender...y en manos de la pandillas de milenials amigos de un Andi más crecidito que su predecesor  que muchas veces hacen lo que no deben, haciendo (algo de lo que la cinta es completamente autoconsciente como podemos ver en más de un diálogo) que nos encontremos casi ante una fábula de ciencia ficción en torno a los peligros de la robótica pero no en forma de sesuda reflexión filosófica, aunque se permita algún velado guiño a 2001: Una odisea del espacio, sino de sangriento carnaval para fans del género, en un espíritu burleco similar al de uno de los mejores episodios de la última temporada de Expediente X (Rm9sbG93ZXJz...espero que no me falte ninguna letra), y sin que nadie quede a salvo, del móvil al coche tesla pasando por los drones.
Tras un par de entregas que han demostrado que nuestro malvado amigo de medio metro tiene todavía mucho que decir y que nos han dejado algunos de los mejores momentos de la saga (La maldición de Chucky y El culto de Chucky, estrenadas aquí directamente para mercado doméstico) este nuevo comienzo es pura diversión gore que nos puede hacer pensar en otras recientes salvajadas con juguete como la última entrega de la saga Puppet master (Puppet master: The littlest reich), con cráneos desollados y sierras afiladas, diálogos chispeantes y un ligero aroma ochentero (ahí está esa pandilla a la que solo le falta atravesar la ciudad en bicicleta con nuestro hombrecillo de juguete en la cesta y ese almacén en el que se desarrolla el grand finale en el que podría haberse rodado cualquier videoclip que se precie de la década) que parece se ha hecho imprescindible en muchas cintas del género de los últimos años (ahí está la muy recomendable Verano del 84 o el superéxito It). Es posible que algúna amante de la saga original se encuentre descolocado ante unos cambios radicales que si bien podría decirse traicionan al Chucky primigenio le sientan francamente bien a la que esperemos se convierta en una nueva saga. Sabemos que el plástico tarda siglos en destruirse...en el caso de nuestro planeta es una tragedia que nos afecta a todos y a la que hay que poner remedio. En el caso de Muñeco diabólico es una buena noticia...larga vida a Chucky.

Muñeco diabólico llega a los cines el 28 de junio.

jueves, 20 de junio de 2019

MELÉ DE BICHARRACOS

Mañana Godzilla regresa a las pantallas, y con muchos amiguitos para jugar... crítica no tenemos, pero os dejamos con este cariñoso homenaje

miércoles, 19 de junio de 2019

LA CORTE DE LOS DISPAROS

¿Alguien recuerda Vidocq? Si, esa cinta de cine fantástico protagonizada por Gerard Depardieu que causó gran impacto en su estreno. Sí, esa que abrió a su director las puertas de Hollywood para, casi de inmediato, volvérselas a cerrar tras el éxito de su siguiente película, quizás la más olvidable de la franquicia Batman, Catwoman. Si, precisamente esa. Pero hoy no es el día de hablar de ese Vidocq, sino de Eugéne François Vidocq, uno de los primeros investigadores privados. Una figura histórica que inspira una película de corte más realista que su predecesora: El emperador de París.
En el París de esta cinta hay espacio para más de un emperador. Por un lado Napoleón, el gran corso, un personaje cuya presencia parece revolotear por toda la cinta sin que sea realmente esencial para el devenir de nuestra trama. Por otro lado los cabecillas de los bajos fondos de la capital francesa de los albores del siglo XIX, luchando por convertirse en los auténticos dueños del cotarro. Entre ellos un Vidocq con todo un carrerón como maleante a sus espaldas que todavía no es el Vidocq de las crónicas sino un pobre diablo que, tras huir de prisión y ser descubierto años después, ve en su asociación con las fuerzas del orden una tabla de salvación para obtener el indulto y zafarse de su incómodo pasado.
Nos encontramos ante una curiosa combinación entre cine histórico y de acción, con un aroma en su concepción, a pesar de la distancia tanto en tiempo como en espacio, a los thrillers ambientados en la  Inglaterra victoriana. Por un lado una cinta de cuidadosa ambientación, con una gran dirección artística y vestuario y la presencia de algún viejo conocido de los libros de historia. Por otro uno de los duros de la escena, Vincent Cassel, y unas secuencias de acción con labor de Olivier Schneider (en cuyo currículum encontramos títulos como The fast and the furious o Spectre). Una cinta formalmente hecha con mimo y en la que ambas vertientes parecen encajar bien, con montajes tan bien ejecutados como el de la persecución de Anette por las callejuelas de París .
Pero aunque la cinta sea entretenida y bien ejecutada el resultado, aun siendo correctísimo, lejos está de ser memorable. Una historia de buenos y malos, con menos ambigüedad de la prevista y unos personajes que aun teniendo carisma (como ese húsar que en la batalla final se convertirá en un robaescenas con todas las de la ley) pueden dar mucho más juego.
El emperador de París se antoja una buena presentación de personaje, una película que parece más un punto de partida (es más, su protagonista gana muchos enteros cuando se une a las fuerzas de la ley, y eso ocurre cuando ya llevamos media hora de película) que un producto completo. Una cinta que nos deja ganas de una segunda parte que nos dé más de lo que parece prometer: una buena cinta de detectives, auténticos hombres de acción, previa a la aparición de los clásicos, de la mano de un personaje real de aire legendario que inspiraría a más de un creador.

El emperador de París llega a los cines el 26 de julio

sábado, 15 de junio de 2019

TARDES DE CINE NEGRO

POR CAUSAS TÉCNICAS AJENAS A LA VOLUNTA DE LA BIBLIOTECA POR EL MOMENTO SOLO SE PROYECTARÁ LA PRIMERA PELÍCULA DEL CICLO, EXTRAÑOS EN UN TREN DE ALFRED HITCHCOCK. SEGUIREMOS INFORMANDO RESPECTO A FUTURAS NOVEDADES.
Por los clásicos no pasan los años, no importa el género o el medio. En la Biblioteca Eugenio Trías, antigua Casa de fieras del Retiro, lo saben muy bien, y entre sus paredes de cristal pueden encontrarse desde el Quijote a Casablanca para que cualquiera pueda disfrutarlos en la intimidad de su hogar.
Pero es el momento de dar un paso más y este llega con proyecciones en la misma biblioteca. Sesiones gratuitas en el salón de actos que comenzarán con un pequeño ciclo de cine negro todos los viernes a las 17:30 h desde el 28 de junio hasta el 19 de julio.

Las primera será Extraños en un tren (28 de junio), una pequeña joya de Alfred Hitchcock adaptando la primera novela larga de Patricia Highsmith.
El 5 de julio la que es quizás la menos conocida de las 4, La llave de cristal, cine negro de manual basada en la obra de Dashiell  Hammett con la presencia de la icónica Verónica Lake.
El cartero siempre llama dos veces, protagonizada por Lana Turner y John Garfield, se proyectará el 12 de julio.
El ciclo se cerrará el 19 de julio con La mujer del cuadro de Fritz Lang, un clásico con sorpresa que aúna lo mejor de las cinematografías europea y  estadounidenses.


Cuatro películas con mayúsculas basadas en cuatro novelas de esas que dejan huella. Cuatro reflexiones sobre el crimen perfecto  que nos regalan lo mejor del género.
En nada empieza lo que pretende ser solo el comienzo de una oportunidad de disfrutar del cine en marco incomparable, de compartir la magia del cine con vosotros.
Os esperamos.


 #tardedenoir #retironoir

viernes, 14 de junio de 2019

COWABUNGA

Hubo una época en la que el concepto patinete eléctrico era más inverosímil que el de coche volador. La era en que reinaba el skate,el monopatín para los profanos, en los que ningún héroe de moda que se preciara carecía de él. Eran los 90. Y visto como ha transcurrido el tiempo casi parece otro universo, aunque hay cosas que nunca cambian. Y para demostrarlo aquí está En los 90.
Debut tras la cámara del actor Jonah Hill En los 90 es el viaje iniciático de un adolescente a la edad adulta. Incomprendido en su casa, con una madre cariñosa pero con la que no se identifica y un hermano con tendencia a la violencia, nuestro héroe parece encontrar su sitio en un grupo de skaters, casi todos mayores que él, que le introducirán poco a poco en un mundo que acabará arrastrándolo a una espiral de autodestrucción.
Reflejo poco clemente y de corte realista  de una edad difícil la cinta destaca por la naturalidad de sus jóvenes interpretes. Un grupo que sabe transmitir todo el amor y odio de un grupo de amigos unidos por una afición en una historia costumbrista pero que va ganando enteros a medida avanza la trama, mostrando que no solo existe la locura adolescente, sino como en medio de esta también puede haber espacio para el paso hacia la madurez, con un personaje como Ray, un chico que tiene muy claro que hay que vivir el presente, pero que siempre hay un límite.
Haciendo un más que correcto ejercicio de nostalgia políticamente incorrecto pero sin dejarse arrastrar por ella En los 90 es una película emotiva, madura, con cuidado por la forma (las elipsis del accidente) pero enemiga de manierismos, poniendo todo el peso en unos personajes que, a pesar de sus numerosas decisiones equivocadas resultan tremendamente entrañables. No sabemos si el futuro de Hill como director ensombrecerá su carrera como actor pero lo que es seguro es que estamos ante un buen primer paso.
En los 90 llega a las pantallas españolas el 21 de junio.